Vēja krāsas: Čumashas alas gleznu slēptās ziņas

Vēja krāsas: Čumashas alas gleznu slēptās ziņas

Veltiet brīdi un aizveriet acis. Pagrieziet acis uz augšu un apstājieties. Pārsteidzoši balts spīd uz jums no alu augšējā apgabala, silta, saulaina sarkanā un dzeltenā palete, kas silda jūsu seju padziļinājumā. Bagātīgi, vara sarkani sajaucas ar izbalējušu dzeltenu, un jūsu acu priekšā sāk dejot melnas figūras.

Šīs ir Chumash cilts alu gleznas.

Chumash alas gleznas Burro Flats Painted Cave, Simi ieleja, Kalifornija, ASV. ( CC BY SA 4.0 )

Chumash cilvēki

Čūmas cilvēki ir viena no daudzām indiāņu ciltīm, kas kādreiz dominēja tagadējās ASV teritorijā. Atrodas mūsdienu Santa Barbarā, Kalifornijā, starp krastu un Santa Ynez kalnu grēdu, Chumash sevi sauca par "pirmajiem cilvēkiem", uzskatot, ka Klusais okeāns ir viņu "pirmās mājas". Zinātnieki ir noteikuši, ka Chumash šajā reģionā dzīvoja vismaz 11 000–13 000 gadu, tik ilgi uzplaucis tajā pašā vietā ne tikai jūras tuvuma, bet arī kalnu zemes auglības dēļ.

Šādu plašu laika periodu piekrastes kumosā Chumash pieauga līdz ar jūru, un izceļas ar to, ka izmanto reģiona sarkankoka kokus, lai izveidotu laivas, kas ir daudz progresīvākas nekā kaimiņu. Kamēr Ziemeļeiropas viduslaiku vikingi izmantoja savas izcilās celtniecības spējas, lai iekarotu citas, mazāk spēcīgas cilvēku grupas, Chumash izmantoja līdzīgas prasmes, lai izveidotu transporta veidu, kas ļāva viņiem ne tikai regulēt dažādus ciemus savā cilts teritorijā, bet, iespējams, izplatīt kultūras mākslinieciskumu, kas tagad nosaka arī Kalifornijas dienvidrietumu piekrasti. Saskaņā ar mūsdienu Chumash tīmekļa vietni Santa Ynez, tie "kādreiz bija desmitiem tūkstošu", aptverot Kalifornijas piekrastes "7000 kvadrātjūdzes" (18129,92 km2).

  • Desmit noslēpumaini rokmākslas piemēri no senās pasaules
  • Kas izveidoja petroglifus uz noslēpumainā Deitona klints?
  • Senie Ziemeļamerikas zemes darbi liecina par pirmskolumbiešu Eiropas kontaktu

Chumash Tomol 'Elye'wun airētāji šķērso Santakrusas salu. Kalifornija, Normandijas salas, NMS, Santakrusas sala. (Roberts Švemers, CINMS, NOS, NOAA/ CC BY 2.0 )

Plašais alu gleznu tīkls

Lai gan šīs laivas ir diezgan atšķirīgas starp Chumash, neapšaubāmi vissvarīgākais viņu kultūras aspekts ir to plašais alu mākslas tīkls, kas atrodas Kalifornijas piekrastē. Iepazīšanās atklāj, ka lielākā daļa gleznu, iespējams, ir jaunākas par 1000 gadiem (lai gan dažas ir daudz, daudz vecāki), taču šis laika posms ir jāievēro piesardzīgi. Radiokarbona datēšanas process vēl nav 100% galīgs.

Chumash alas gleznas, detaļas. (Dāvids /Adobe Stock)

Pamatojoties uz arheoloģiskajiem pierādījumiem, Chumash sākotnēji izmantoja kokogles, lai izdarītu zīmes šajās dabiski cirstajās akmens nojumēs. Laika gaitā Chumash iemācījās radīt pigmentus, kas ilgstoši ietekmēja iezi, radot dinamiskus attēlus, kas izdzīvo līdzās melnajām oglēm. Sarkana, dzeltena un balta dominē alu attēlos, kas izgatavoti no citiem dabīgiem materiāliem, piemēram, sarkanā okera vai hematīta (sarkana) un ģipša (balta). Kaut arī čūmas bija ļoti prasmīgas grozu un pērlīšu rotaslietās, viņu gleznas (tāpat kā viņu uzlabotās kuģu izgatavošanas spējas) vislabāk atšķir tās no kaimiņu ciltīm.

Groza paplāte, Chumash, Santa Barbara misija, 1800. gadu sākums.

Alu gleznu un klinšu mākslas nozīmīgums

Interesanti, ka šķiet, ka čumas šīs alas dekorēja kā daļu no reliģiskajām ceremonijām, kuras zinātnieki ir saistījuši ar šīm vietām: dažādās senajās reliģijās alas tiek uzskatītas par durvīm uz citu valstību. Pikti agrīnajos viduslaikos Skotijā bieži apmeklēja piekrastes alas, atstājot līdzīgus zīmējumus, un līdzīgi tiek uzskatīts, ka šie marķējumi ir reliģiski. Par šādiem uzskatiem senajā un viduslaiku Īrijā ir saglabājies arī daudz pierādījumu.

Lai gan pikti neatstāja nekādus tulkojamus dokumentus, ir saglabājušies īru teksti, kuros tiek apspriests Ķīlnieku pilskalns Taras kalnā (netālu no Dublinas) - vieta, kas kādreiz tika uzskatīta par ieeju mitoloģiskajā pasaulē. Tādējādi gleznu atklāšana Chumash alās (ja tās pārbauda kopā ar saglabājušos literatūru un mutvārdu vēsturi) norāda uz varbūtību, ka gleznas patiesībā bija paredzētas reliģiskiem mērķiem. Turklāt nesenie lingvistiskie pētījumi liecina, ka čūmas dēvēja par rokmākslas veidotājiem cilts šamaņus.

Painted Rock skats no gaisa. Pakava formas klints iekšējā alkovā attēloti Čūmaša, kaimiņu cilšu un citu indiāņu piktogrammas. (Džons Vilejs/ CC BY 3.0 )

Pārbaudot pierādījumus no citām kultūrām, kurās uzsvērta reliģiskā rokmāksla, var secināt, ka šīm gleznām bija nozīme, kas ne tikai attēlo mitoloģiskus notikumus vai ģimenes vēsturi. Dažās kultūrās (piemēram, Dienvidamerikas Andu kultūrās Parakasā un Nazkā) bija ierasts, ka šamaņi lietoja halucinogēnas zāles, lai radītu mainītu apziņu, caur kuru viņi varētu runāt ar gariem, ko sauc par redzes meklējumiem. Pēc tam šie sakari bieži tika atjaunoti tekstilizstrādājumos vai citos mākslas veidos. Ir teorētiski apgalvots, ka Chumash alu gleznas ir šādi ieraksti, jo tie ir attēloti dabiskā teritorijā, kas saistīta ar pārdabisko.

Citas teorijas liecina, ka šie attēli ir daļa no rituāliem, kas prasa auglīgu ražu un nokrišņu pārpilnību, kā arī plašu vīriešu un sieviešu auglību. Lai gan piktogrāfu īpašā nozīme joprojām ir neskaidra, vairums zinātnieku piekrīt, ka tie ir kas vairāk nekā tikai dīkstāves cilšu zīmējumi.

  • Cilvēka pilskalns, Viskonsina: pēdējais antropomorfais pilskalns Ziemeļamerikā
  • Senie ceļotāji vai vietējie mākslinieki? Kas izgatavoja mīklaino Hemeta labirinta akmeni?
  • Vēsture pārrakstīta! Pirmie cilvēki bija Ziemeļamerikā pirms 130 000 gadiem

Čumasa mantojums

Ir paveicies, ka čūmas izvēlējās pieminēt tik daudz savas kultūras ogļu un minerālu pigmentos. Kamēr mutvārdu pasakas ir pārdzīvojušas daudzus atkārtotus stāstus, 18. un 19. gadsimtā čumas cieta postošu triecienu viņu iedzīvotājiem. Spāņu ekspedīcijas devās uz Chumash teritoriju ap 1769. gadu un izplatīja jaunas, nedzirdētas slimības vietējo iedzīvotāju vidū ... traģēdija, kas mēdz notikt vēsturē, kad eiropieši nolemj pamest savas zemes komfortu un klusumu.

Neskatoties uz to, ka klinšu māksla nav tik precīzi iztulkojama kā citi lietvedības veidi, darba zināšanas par Chumash tradīcijām kopā ar mākslas vēsturisko un reliģisko pielietojumu alās ļauj radīt intriģējošas spekulatīvas teorijas par mākslas mērķi. Chumash kultūra.

Chumash rokmāksla. ( Čaks /Adobe Stock)


Čumasa indiāņu alas gleznas

Apkalpe: Fotogrāfija: Stīvs Penijs Animācija: Alans Raiss Tehniskā uzraudzība: Riks Lopess, Diks Mičels, Džims Līmans Ražošanas asistenti: Maiks Kings, Kriss Dentzels, Konrāds Korbets Filmu redaktors/skaņas redaktors: Stīvs Penijs, Gerijs Teglers.

Lomās: Yuki Manak, Patti Chavez, John Aldocano, Glenn Penny, Therese Barret (kā Chumash cilvēki) Grant Campbell (kā viņš pats)

Faksimila gleznas (reproducēts ar Kalifornijas Universitātes preses atļauju) Stīvs Penijs, Kempbels Grants, Sjūzena Volmuta, Dženija Kole, Roberts Allens

Īpašs paldies: Santa Barbaras Dabas vēstures muzejs (lai saņemtu padomu par Chumash kanoe rekonstrukciju), Santa Barbaras vēsturiskā biedrība, Bettye Wilson, Dorothy Penny, Marion Dentzel, Georgia Lee, Ed Haas, Stewart Levin, Gregory Schaaf
Nosauktās atrašanās vietas: Malibu kanjons (Santa Monikas kalnos), Santa Barbara, Point Conception, San Luis Obispo, Normandijas salas, Carrizo Plains (50 jūdzes uz ziemeļiem no Santa Barbaras, mūsdienu Kernas apgabalā), Santa Catalina sala, Sv. Nikolaja sala, Klusais okeāns Okeāns, Sanmarko pāreja
Galvenās aptvertās tēmas: Chumash alu gleznas (agri, pirms spāņu valodas) Chumash iztika Šamanistiskās ceremonijas un rituāli agrīnajos Chumash Chumash mājokļos un kanoe Chumash kultūra un vēsture (kopumā) pašreizējie antropoloģiskie pētījumi attiecībā uz alu gleznām Amerikā

Nosauktās personas: Kempbels Grants, mākslinieks
Dzimtā valoda, dzirdama: neviens

Šķērssaites uz citām AIFG filmām: "Akmens laikmeta amerikāņi" (Anasazi), "Seno pilis" (Anasazi), "Glezna ar smiltīm (Navaho ceremonija)", "Storyknifing" (eskimosu) "Māksla: gleznošana uz vara" (Maya)

Balstīts uz Kūbela Granta, Kūmas roka gleznu autora © Kalifornijas universitātes regenti, mūziku, kas izpildīta ar autentiskiem Chumash instrumentiem, ko izpildījusi Elizabete Valdo un viņas Folkloriko orķestris.

Ievērības cienīgi elementi:

No "Ievads Kempbela Granta grāmatā, Chumash klinšu gleznas ir Kalifornijas Indijas kultūras pētījums:

"Ja jūs novietotu pāris dalītājus drūmajā, vējainajā Sanmigelas salā pie Santa Barbaras piekrastes un aprakstītu ceturtdaļas apli 100 jūdžu garumā no ziemeļiem uz austrumiem, jūs aptvertu Chumash zemi. Šie indiāņi , kas kādreiz bija tik daudz, tagad ir pazuduši, atstājot simtiem ciematu paliekas arheologa paņemšanai un lāpstai, kā arī bagātīgu krāšņu artefaktu muzejiem un podniekiem. Kūmas iespaidīgākais sasniegums ir maz zināms. aizmugurējās valsts vēja skartie smilšakmens atsegumi ir tūkstošiem alu, un daudzas no tām ir dekorētas ar klinšu gleznām. Gleznu izmēri svārstās no dažām pēdām līdz vairāk nekā 40 pēdām un tehnikā-no vienkāršiem līniju zīmējumiem sarkanā krāsā ļoti sarežģītiem sešu krāsu polihromiem dizainiem.

Pirmie pētnieki un misionāri mums nav atstājuši nekādas ziņas par šīm izrotātajām alām. Viņu darbs tika veikts auglīgajā piekrastes līdzenumā un ielejās, savukārt gleznas vai, pareizāk sakot, piktogrāfijas, gandrīz bez izņēmuma atrodas attālās kalnu vietās, un tās ir labi paslēptas no ziņkārīgajiem bezceļu, straujā un reljefā. "

Arī no "Ievads" Kempbela Granta galvenajā darbā par Chumash klinšu gleznām:

"Lai gūtu zināmu priekšstatu par gleznām, ir svarīgi pēc iespējas vairāk zināt par cilvēkiem, kuri tās gleznoja. Šķiet diezgan droši, ka piktogrāfi ir čūmu - cilvēku, kuri bija šeit, kad ieradās spāņi, darbs. 1542. Šim nolūkam es apņēmos uzrakstīt skici par Chumash vēsturi un kultūru. Jo vairāk es lasīju par šo tēmu, jo vairāk es aizrāvos, līdz skice tagad ir grāmatas galvenā daļa. attaisnojums šim "suņa astes locīšanai, jo es atklāju, ka nav pieejama neviena grāmata, kas pastāstītu visu šo neparasto indiešu stāstu".

Publikācijas, tīmekļa vietnes, resursu saites:

*Šī vietne sniedz plašu pārskatu par Chumash vēsturi, kultūru, mutvārdu tradīcijām un iztikas praksi. Šajā vietnē ir arī vairākas citas noderīgas, informatīvas saites un resursi tiem, kas vēlas uzzināt vairāk par Chumash vēsturi un viņu mūsdienu dzīvesveidu.

*Šī vietne nodrošina saites uz Chumash klinšu mākslas paraugiem.

*Šī vietne piedāvā vairāk klinšu mākslas paraugu no apgabaliem, kas ieskauj Karizo līdzenumus.

*Šī ir vietne Chumash Indijas muzejam Santa Monikas kalnos. Viens no muzeja galvenajiem mērķiem ir izveidot saikni starp mūsdienu Chumash kultūru un Chumash vēsturi Kalifornijas dienvidos un centrālajā daļā.

*"Wishtoyo ir tilts, kas saglabā senās Chumash kultūras gudrību un sasaista to ar mūsdienu vides jautājumiem." (no vietnes)

*"Ziemeļu Čumashas cilšu padome (NCTC) tiek organizēta kā bezpeļņas korporācija saskaņā ar Kalifornijas štata Senāta 18. likumprojekta vadlīnijām. NCTC misija ir piedāvāt pamatu Sanluisas Obispo apgabala čumas iedzīvotājiem, lai tie kultūru un mantojumu, atgriežoties dzīvē, radīt cieņu kopā ar cilvēkiem, izglītot sabiedrību, ka čūmas vienmēr ir bijuši šeit, mēs nekur neesam devušies un vienmēr būsim šeit, viens turpinājums. Mēs esam vairāk nekā 20 000 gadu ilgas dzīves vietas čumi Sanluisas Obispo apgabalā. " (no cilšu padomes tīmekļa vietnes)

*Šī vietne sniedz detalizētu pārskatu par Chumash "tomol" jeb sarkankoka kanoe izmantošanu, kas bija "viens no vismodernākajiem Ziemeļamerikas pamatiedzīvotāju tehnoloģiskajiem sasniegumiem". Tīmekļa vietne arī nosauc un apspriež trīs salīdzinoši nesenus Chumash cilvēku ceļojumus tomolos (1976., 2001. un 2004. gadā). Šīs jaunās kanoe laivas un ceļojumi atspoguļo pašreizējos Čumashas centienus saglabāt savu senču paražas un praksi.

*Šī saite sniedz vēl vairāk atjauninātas informācijas par neseno tomolu šķērsošanu (2005. un 2006. gadā).

*Šī vietne sniedz tiešu personisku pārskatu par 1997. gada Tomol šķērsošanu un apstākļiem, kas saistīti ar tās koncepciju un realizāciju. Lapas autore un Chumash indiāņu piekrastes grupas dalībniece Roberta Reyes Cordero bija viena no sešām personām, kas šajā svētajā un svinīgajā rituālā apkalpoja kanoe.

*Šī vietne sniedz informāciju ceļotājiem par to, kā nokļūt takā, kas ved uz Chumash Painted Cave State vēsturisko parku. Ir arī dažu alu gleznu fotogrāfijas un pamatinformācija par Chumash un gleznu nozīmi.

* "Šis raksts apspriež gara un prāta nozīmi čūmas cilvēku veselībā un labklājībā. Lūgšana bija pirmais dziedināšanas solis, jo lūgšana aicina piedalīties Dievā. Tiek apspriesta iesākšanas prakse, kas mudināja jauniešus attīstīt briedumu un garīgais spēks kļūt par produktīviem sabiedrības locekļiem. Piktogrāfi tika izmantoti dziedniecībā, parasti ne tikai kā relaksācijas terapija, bet arī kā izglītības veids. Atbalsta vide bija svarīgs faktors Chumash veselības aprūpē, jo draugu atbalsts palīdz, mierina un mazina trauksmi, kas kaitē dzīšanai. " [abstrakts rakstam "Gars, prāts un ķermenis Chumash Healing", Džeimss Adamss un Sesīlija Garsija]

*Šī ir saite uz rakstu par Chumash pretestību Santa Barbara misijai 19. gadsimtā. Rakstā aplūkota arī kanoe un ūdens ceļojumu nozīmīgā loma Čūmasā, kas 1824. gadā organizēja sacelšanos.

No raksta "Čūmas kanoe misija Santa Barbara: 1824. gada sacelšanās", autors Dī Treviss Hadsons:

"Tikai daži cilvēki saprot, ka divas Chumash dēļu kanoe piedalījās arī 1824. gada sacelšanās laikā. Šīs kanoe laivas, lai gan nav iesaistītas jūras kaujās jūrā, apkalpoja neofīti, kas bēga no Santa Barbarās misijas. Viņu galamērķis bija Santa Cruz sala, kas atrodas aptuveni 30 jūdzes pāri kanālu.

Šī darba mērķis ir aizpildīt trūkstošo informāciju par šīm divām Chumash kanoe laivām no misijas Santa Barbara un to, ko mēs šobrīd zinām par vīriešiem, kuri tās uzcēla un izmantoja. Mans galvenais avots ir 3200 lappušu piezīmes par Chumash kanoe laivām, kuras Smitsona institūtam savācis antropologs Džons Pībodijs Haringtons, kurš pierakstījis ievērojamus datus par Čumashas kultūru no aptuveni 1912. gada līdz viņa nāvei 1961. gadā. "

*Šī ir saite uz vietni, kas īpaši izstrādāta kā K-12 izglītības resurss. Saite sniedz informāciju par Chumash ceremonijām un rituāliem. Papildus šai saitei uz informāciju par Chumash ceremonijām tīmekļa vietnē ir vairākas citas interesantas saites uz informāciju par Chumash kultūru un Santa Barbara kanāla un Lamanša salu ģeogrāfiju.

*Šī saite sniedz informāciju par augu izmantošanu Chumash kultūrā, ieskaitot pārskatu par izmaiņām, kas notikušas Chumash augu lietošanā pēc kontakta ar Eiropu.

Drukāt resursus:

Blekbērns, Tomass. Decembra bērns: Chumash mutvārdu stāstījumu grāmata. Bērklijs: Univ. no California Press, 1975. Drukāt.

Grants, Kempbels. Čumasa klinšu gleznas: Kalifornijas Indijas kultūras izpēte. Berkeley and Los Angeles: University of California Press, 1965. [*Šis ir galvenais darbs pie Chumash klinšu gleznām, un Kempbels Grants parādās filmā un īsi apspriež sava antropoloģiskā darba būtību attiecībā uz Chumash. Kempbels Grants arī atdala Chumash gleznas saistībā ar līdzīgām citu Kalifornijas cilšu gleznām.]

---. "Chumash: Ievads." Ziemeļamerikas indiāņu rokasgrāmata. Red. Viljams C. Sturtevants. Vašingtona, D.C .: Smithsonian Institution, 1978. Drukāt. [*Šis ir ieraksts Ziemeļamerikas indiāņu rokasgrāmata par Chumash. Tajā ir sniegta precīza un noderīga pamatinformācija par Čumashas kultūru, lai gan tā tika publicēta pagājušā gadsimta septiņdesmitajos gados, un tajā nav iekļauta visjaunākā, visjaunākā informācija par mūsdienu cilšu praksi.]

Hadsons, Treviss un Tomass C. Blekbērni. Čūmašas mijiedarbības sfēras materiālā kultūra. 4. izdev. Menlo parks, CA: Ballena Press, 1986. [*Šī piecu sējumu sērija satur daudz informācijas par Chumash materiālo kultūru un ģeogrāfisko/kultūras kontekstu, kas ieskauj Chumash materiālās kultūras attīstību. Šis ir nenovērtējams avots ikvienam, kas vēlas uzzināt vairāk par Chumash cilvēku un viņu senču vēsturi, kultūru un tradīcijām.]

--- un Ernests Underhajs. Kristāli debesīs: intelektuāla odiseja, kas ietver Chumash astronomiju, kosmoloģiju un klinšu mākslu. Socorro, NM: Ballena Press, 1978. Drukāt. *No Alberta Elsasera (Lokija Antropoloģijas muzeja universitātē Berklijā) grāmatas recenzijas:

"Apmēram pēdējo desmit gadu laikā arheo-astronomiskās literatūras sekotāji ir iepazinušies ar vairākām grāmatām vai rakstiem ar jaunām idejām, kas attiecas uz pieminekļu, piemēram, Stounhendžas," Amerikas Vudhendžas "un" Medicīnas riteņu ", orientāciju un izvietojumu. Vaiomingā vai Montanā. Pašreizējais apjoms, kaut arī aplūko dažus arheoloģiskus datus klinšu mākslas un dažu kulta priekšmetu veidā, ievērojami atšķiras no tiem, kas atrodas līdzinājumos, un tādā veidā, ka tas ietilpst tajā, kas būtu pareizi jārada. "kategorija.Lai gan autori noteikti ir izmantojuši labu spekulāciju, novērtējot Chumash indiāņiem zināmo aptuveni 25 zvaigžņu vai zvaigznāju nozīmi un nozīmi, grāmata recenzentam nonāca kā pilnīgi pārliecinoša prezentācija, un lielākā daļa argumentu bija labi -apgādāts ar nesen publicētiem materiāliem, kuru pamatā ir JP Haringtona ilgi snaudušās piezīmes. Tos papildina AL Kroeber, AH Gayton un vairāku citu etnogrāfu neatkarīgi veiktie novērojumi par astronomijas jautājumiem starp kaimiņu indiāņiem, piemēram, Yokuts vai Gabrielino. "[Iegūts no http://www.escholarship.org/uc/item/7gb2h4w8 ]

---, un citi. Tomol: Chumash ūdenstransports, kā aprakstīts Džona P. Haringtona etnogrāfiskajās piezīmēs. Socorro, NM: Ballena Press, 1978. Drukāt. *No Roberta F. Heizera pārskata no UC Berkeley:

"Par Džonu P. Haringtonu kopš viņa nāves pirms 17 gadiem ir daudz apstiprināts vai apgalvots, taču līdz šim neviens nezināja, ka viņš ir skapja kanoe kanoe eksperts. Tomol mēs esam no Haringtona rokas (un piedēvējuši viņam tik daudz viņa datu bija) ārkārtīgi detalizēts ieraksts par to, kas noteikti ir izcilākais vietējo kaliforniešu, Chumash, tehnoloģiskais sasniegums tomol vai dēļu kanoe. Šis apjoms savā ārkārtīgi smalkajā detaļā noteikti atgādina Haringtona monogrāfiju par Karuk tabaku, 284 lappušu monogrāfiju par šo vienīgo tēmu. Haringtona Tomol melnraksts ir profesionāli anotēts vissīkākajās detaļās, un pašas redakcijas piezīmes ir nozīmīgs ieguldījums šajā tēmā. Pats Haringtons diez vai varēja cerēt uz saprātīgāku vai spējīgāku redaktoru grupu. "[Iegūts no http://www.escholarship.org/uc/item/24h5b0zb]

Landbergs, Leifs C. V. Čūmas indiāņi Dienvidkalifornijā. Losandželosa: Dienvidrietumu muzejs, 1965. Drukāt. [*Saskaņā ar bibliotēkas katalogu, tas ir "paplašināts rezultāts maģistra darbam, kas veikts Arizonas Universitātes Tuksonas Universitātes Antropoloģijas katedrai". Darbā detalizēti un atbilstoši konkrētiem reģioniem ir izklāstīta čumash indiešu iztikas prakse. Šis darbs papildina daudz pamatinformācijas par Čumasha iztiku, kas tiek sniegta visā filmā.]

Teglers, Gerijs u.c. Čūmaša apgabala rokmāksla: anotēta bibliogrāfija. Losandželosa: Arheoloģijas institūts, Univ. no Kalifornijas, 1979. Drukāt.

Vitlijs, Deivids S. Šamaņa māksla: Kalifornijas rokmāksla. Soltleiksitija: University of Utah Press, 2000. gads. [*Šī grāmata tika publicēta pavisam nesen, un tajā ir sniegta informācija par iespējamo saikni starp šamanistiskajiem rituāliem, džimsona nezāļu izmantošanu garīgiem mērķiem un Čūmaša klinšu gleznu radīšanu.]


Chumash vērtības

Chumash tautā ir ziemeļu, dienvidu un centrālās tautas, kas tradicionāli dzīvo piekrastē, salās, kalnos un ielejās, kā arī pie upēm. Ciematā katram ir sava loma. Tas ir, lai saglabātu nepārtrauktību un līdzsvaru. Tradicionālās zināšanas iedvesmoja un iedvesmo, pievēršot uzmanību vecāko un tradicionālo vadītāju gudrībai.

Mūsu cilvēki vēsturiski ir pazīstami ar modernu naudas (pērlīšu) sistēmu, sarežģītiem un satriecošiem groziem, alu gleznām un par to, ka viņi ir jūrniecības kultūra. Katrs dažādu Chumash kopienu loceklis apzinājās savas lomas. Bija mednieki, vācēji, medicīnas cilvēki, tomol (kanoe) veidotāji, grozu audēji, naudas pelnītāji un cilvēki, kuri novēroja gadalaikus un zvaigznes. Viņi novēroja to ietekmi uz zemi un tuksnesi. Dabas mācības viņiem iemācīja līdzsvaru starp prātu un dabu, un viņi bija liecinieki sekām, ko rada necieņa pret savu vidi.

Cilvēki no pirmās puses iemācījās Trīs pamatlikumus: ierobežojumus, mērenību un kompensāciju.

Ierobežojums: Apzinieties savus ierobežojumus, kādos mēs dzīvosim, un mēs nomirsim, un mēs varam darīt tikai tik daudz. Kad mēs apzināmies un pieņemam savus ierobežojumus, mēs varam labāk pieņemt to, kas mēs esam kā indivīdi.

Moderācija: Ražas novākšana no zemēm un okeāniem atstāj tikai to, kas mums vajadzīgs, dažas atstājiet citai dienai un citām. Tas attiecas arī uz mūsu darbu, atstājiet dažus rītdienai, nemēģiniet visu izdarīt uzreiz.

Kompensācija: Ja vēlaties kaut ko darīt savu bērnu, zemes vai cita cilvēka labā, dariet to tāpēc, ka tas ir jūsu sirdī, negaidiet neko pretī. Kompensācija var izpausties dažādos veidos, tas var būt bērns, laime, veselība vai bagātība. Tas bieži nāk tad, kad tas visvairāk nepieciešams, un jūs to vismazāk gaidāt. Tā ir patiesa kompensācija.

Mēs varam piemērot šos trīs likumus garīgi un fiziski, un mēs varam dzīvot pēc tiem.

Laiks un gadalaiki
Kad mēs kļūstam par dabas daļu un ļaujam dabai kļūt par daļu no mums, mēs sākam saprast laiku, kurā daba dzīvo, dabisko laiku. Lasis dzīvo pēc dabas laika, kad zina, kad jāpeld augštecē, lai nārstojo putnus, zina, kad lidot uz dienvidiem vai ziemeļiem - daba viņiem to saka.

Čūmas dzīvoja pēc dabas, nevis cilvēka laika. Kad mēs pievēršam uzmanību gadalaikiem un pārmaiņām, kā arī palīgiem un sargātājiem no katra virziena, mēs iegūstam noderīgas mācības par dzīvi, kas palīdz mums saprast mūsu lomu tajā. Katra sezona ieņēma īpašu vietu attiecībās ar dzīves cikliem.

Cilvēki iet pret labību un dzīvo līdz cilvēka laikam. Ja mēs dzīvojam pēc dabas, es uzskatu, ka cilvēki tiks apgaismoti.

Ziemeļi ir ziema
Tā ir balta krāsa. Šī ir Jaunā saule un ziemas saulgrieži - gada īsākā diena. Ziemā ir auksts vējš, un saule sāk savu jauno ciklu un sākas jauns gads.

Ērglis un lācis simbolizē ziemas sezonu. Ērglis simbolizē cilvēka lepnumu un spēku. Ērglis ar savu lielisko redzējumu vēro zemi un, ja redz briesmas, brīdina Lāci. Lācis atspoguļo Mātes Zemes spēku, neviens cits radījums nav spēcīgāks. Lācis aizsargā zemi.

Dienvidi ir vasara
Tā ir zilā krāsā siltiem vējiem un mīkstajiem okeāna viļņiem. Chumash uzplauka kā jūras kultūra.

Pūce un čūska pārstāv vasaras sezonu. Pūce pārstāv prāta un gara skaidrību un gudrību. Čūska attēlo Mātes jutīgo pusi. Čūskas ķermenis ir piespiests Mātei Zemei, sajūtot tās kustības un emocijas, kustoties kā viļņi pa tās virsmu. Tas izjūt viņas aizraušanos.

Austrumi ir pavasaris
Tā ir dzeltenā krāsa, kas paredzēta Saules uzaugšanai un jaunas dzīvības dzimšanai.

Vanags un brieži pārstāv pavasara sezonu. Vanags ir Brieža palīgs. Chumash leģenda vēsta, ka Vanags atdeva pazudušo sauli uz astes ar sarkanu galu. Briedis simbolizē dzīvību. Katra brieža daļa tiek patērēta: tās āda, gaļa, kauli un ragi, nagi - nekas nav zaudēts vai izniekots. Ir stāsti, dziesmas un dejas pavasarim.

Rietumi ir kritiens
Kritiena krāsa ir sarkana, debesu krāsām, kad saule riet. Tas ir virziens, kur dzīve iziet no zemes.

Kritiens ir pārejas laiks, delfīna un tā palīga Kraukļa laiks. Kā stāsta Varavīksnes tilta stāsts, kad čūmaši pārcēlās no salām uz cietzemi, uz Varavīksnes tilta, Radītājs viņiem lika neskatīties uz leju, pretējā gadījumā viņi mirs. Tomēr daži nespēja pretoties. Tā vietā, lai ļautu viņiem nomirt, Radītājs viņus izglāba, pārvēršot tos par delfīniem. Līdz ar to pāreja - no cilvēkiem uz delfīniem. Kraukļi ir pļāpājoši, viņi pastāvīgi runā un runā vārdos, sazinoties, nesot ziņas no vienas vietas uz otru. Viņi vēro, kā gari iziet no šīs pasaules, kur riet saule un Piena ceļš iet savu ceļu.

Čumas ir Rietumu vārtu sargātāji. Mums jāpievērš uzmanība gadalaikiem, zemes izmaiņām, dabas valodai un tās radījumu balsīm. Tie dod mums ieskatu par līdzsvaru starp mums un mūsu apkārtni. Viņi māca mums cienīt augus, kas mūs dziedina, un veido mūsu mājas. Nodarbības māca mums ilgtspējību un to, kā saglabāt attiecības ar dabu.

Tas ir izdzīvošanas līdzsvars.

Līdzsvars un ilgtspēja
Mums ir jāievēro šis līdzsvars un jābūt atbildīgam par to, tāpat kā mūsu senči. Trīs dzīvības ķermeņi - zeme, gaiss un ūdens - mūs uztur, mēs esam atkarīgi no tiem mūsu pastāvēšanai un izdzīvošanai. Chumash ciltis pulcējās katru gadu, lai dalītos mūsu stāstos, satiktu jaundzimušo un kopā dejotu. Mēs dalījāmies savās zināšanās un pieredzē.

Cilvēks vēlas kontrolēt visu, tā ir problēma. Cilvēka alkatība pārtrauc dabas dzīvesveidu. Mums ir jāiekļauj dabas likumi cilvēka likumos. Mūsdienu pasaulē mēs esam aizmirsuši šo līdzsvaru. Mēs esam aizmirsuši savu atbildību. Mūsu prāta acs - mūsu trešā acs - zina, ka šī nevar ignorēt viņu iekšējās domas un vīzijas. Tas veicina mūsu interpretāciju par to, ko uzskatām par pareizu vai nepareizu. Caur mūsu svētajām ugunīm, ceremonijām, dejām mēs atceramies: m'uptamai - atmiņa - mūsu pagātnes vīzijas. To mūsu tautai nekad nevar atņemt. Mēs nesam savu senču domas un veidus. Lūgšanas un ceremonijas māca mums ievērot līdzsvaru ar dabu. Mums ir jāuzklausa.

Jo vairāk mēs noņemsim sevi no dabas lomas - savas dabiskās lomas -, jo vairāk mēs novecosim, jo ​​nebūsim tās daļa. Tas, ko mēs darīsim šajā gadsimtā, būs pamats nākamajām paaudzēm. No spēcīgākajiem līdz vājākajiem mums jāatceras, ka mēs visi esam šajā kopā. Ir teikts, ka bez cilvēka šī pasaule uzplauktu. Tā ir patiesība. Mums jāmācās dzīvot šajā pasaulē ilgtspējīgā veidā. Dzīve turpināsies, tā atkal atradīsies, ar mums vai bez mums.

"Es ticu saulei un zvaigznēm, ūdenim plūdmaiņās, plūdiem, pūcēm, vanagiem lidojot, upei skrienot, vējam runājot. Tie ir mērījumi. Viņi stāsta mums, cik veselīgas lietas. Cik veselīgi mēs esam ir. Jo mēs un viņi esam vienādi. Tam es ticu. "-Billijs Frenks jaunākais, Nisqually Elder

Atbildība
Mēs nevaram attaisnot savu skatījumu uz pasauli, ja tas nāk tikai par labu cilvēkam.
Ja mūsu bērni peld toksiskos, piesārņotos ūdeņos, mēs tos izvelkam. Ja putns dzer no šī ūdens, mēs maz zinām, vai tas aizlido un nomirst. Mēs negribam apzināties izdarītā sekas. Mēs esam kļuvuši mantkārīgi un patērējam savus dārgos resursus.

Bija laiks, kad cilvēki slāpes remdēja ar svaigu ūdeni, viņi cienīja un novērtēja katru dzērienu, ko paņēma no šī ūdens, jo bija vajadzīgs laiks un pūles, lai to iegūtu, tas nenāca tikai no jaucējkrāna. Mēs bijām iesaistīti tajā, kas mums bija, ko mēs izmantojām. Mūsu ēdiens un mūsu resursi, kā arī mūsu dziesmas un stāsti bija dāvana. Koks, vītols un tule bija dāvanas. Daba mums deva materiālus, lai izveidotu savas mājas. Svētā uguns mūs uzturēja drošībā un siltumā.

Pamazām cilvēki pamostas ar to, ka mums ir jābūt atbildīgiem par to, ko mēs darām attiecībā uz vidi. Mēs nevaram gūt labumu no savas greznības, neapzinoties, ka par to maksāsim. Diemžēl pārāk bieži Cilvēks aizmirst vai noliedz savas darbības sekas, kas kaitē dabas dzīves sistēmai.

Mēs zaudējam šo saikni ar centieniem. Ir svarīgi mainīt standartu uz normālu. Standarts ir cilvēka radīts nosacījums. Tā ir izvēlēta metode, kā saistīt to, kādai vajadzētu būt dzīvei, salīdzinot ar to, kas tā ir.

Berni
Kad bērni izjūt dabisko vidi, viņu prātā tiek stādīta sēkla par viņu dabisko lomu. Daba viņus iepazīstinās ar viņu atbildību par to nākotnē. Daba mūs māca. Bērniem jāspēj veidot attiecības ar dabu, lai viņi varētu izjust dziļas zināšanas, kas tajā ir, un apzināties viņu savstarpējo saistību

Bērna prāts ir kā “kristāls”, kurā ir spēks un spēks, ja atklājat, kā to izmantot.

Ir daudz ceļu, no kuriem izvēlēties. Mums ir jānovirza bērni uz pareizā ceļa, neietekmējot viņus ar pašreizējiem uzskatiem, kas kaitē mums, mūsu savvaļas dzīvniekiem un planētai.

Trīs svarīgas frāzes:
1. Sēklas stādīšana
Stādiet bērna prātā sēklu, kas viņam dos spēcīgāku izpratni par nākotni.
2. Bērnu acis
Bērnu acis nemelo. Pievērsiet viņiem uzmanību. Mēs varam no viņiem mācīties.
3. Fonda veidošana
Veidojiet pamatu jaunai pasaulei, kas sastāv no labākām izvēlēm. Atstājiet zināšanu mantojumu. Pastāvīgā paražu un tradīciju prakse nodrošina mūsu izdzīvošanu mūsdienu pasaulē.

Dabas balsis
Ir skaņas, kas var izlauzties cauri akmenim, un ir vārdi, kas var dot mums izpratni. Ja mēs pievēršam uzmanību, starp abiem nav atšķirības. Dažreiz mums jāatrodas saulē, dažreiz - kalnos, okeānos vai upēs. Mums jāapstājas un jāuzklausa vējš, pagātnes balsis, dzīvības elpa. Mums ir jāsajūt daba, mūsu tuksnesis un jābūt attīrītiem.

Klausieties dziesmas - vai nu no putna, vai no koijota. Mēs arī izdodam skaņas, kas nav vārdi. Iemācieties pievērst uzmanību elementiem, kuriem ir ķermenis un spēks. Vējam, ūdenim un ugunij ir sava dzīvība un gars, ko mēs nevaram kontrolēt. Tāpēc plūdi, zemestrīces un ugunsgrēki cilvēku pārbauda.

Mums jāapstājas un jāuzklausa pagātnes balss. Ja mēs atveram prātu un pievēršam uzmanību, mēs saņemam zināšanas, ko daba cenšas dot, piemēram, krastā plosās viļņi: mēs varam uz viņiem skatīties kā uz rokām, kas sniedzas pēc palīdzības, jo jūras radības mirst. Vēlreiz mēs nevaram attaisnot savu skatījumu uz pasauli, ja tas ir tikai cilvēces labā.

Atmiņa
Senos akmeņos slēpjas pagātnes atmiņa un zināšanas par nākotni. Dažreiz mēs atmodinām akmeņus ceremoniju laikā, kad tos sasildām. Kad mēs laistām apsildāmos akmeņus, tvaiks, kas nāk no akmeņiem, ir senču elpa, dzīvības elpa, kas sniedz mums ieskatu un ļauj dalīties sapņos un lūgšanās.

Nāve
Nāvei ir skaistums, nāve nes dzimšanu. Kad mēs runājam par dzīvi, mēs nerunājam par nāvi. Bet viņi iet roku rokā. Nāvei ir arī skaista puse: atmiņai veltītās dziesmas, stāsti un ziņas, ko cilvēki mums atstājuši. Mēs nesam garu tiem, kurus mīlam, kuri ir aizgājuši. Mēs varam sajust viņu klātbūtni, ka viņi dzīvo mūsos.

Kad mēs domājam par cilvēka dzīvi, kur šī dzīve slēpjas - ķermenī vai sirdī un prātā? Jūtas, kuras mēs jūtam, nav fiziskas, tās ir iekšējas, tāpat kā mūsu personības. Mūsu visu iekšienē slēpjas gars, svētums.

Kad esat pazaudējis savus mīļos - ģimeni un draugus, un atrodaties atmiņās, ko viņi atstāja, tas dod jums izpratni, ka arī jūs pāriesit.

Kad kāds nomirst, viņu atceras dziesmas un stāsti. Viņi dzīvo atmiņā, viņos ir mūsu gars, identitāte, spēks un svētums.

Stāsts - Varavīksnes dzimšana
Kad ūdens sēkla nokrīt no mākoņa debesīs un nokrīt uz zemes mātes, māte dzemdē varavīksni. Varavīksne paceļas no zemes un iet apkārt debesīs. Tas mums nes solījumu gan pagātnei, gan nākotnei. Abos dzīves galos ir skaistums. Mātes mīlestība mūs iedvesmo un skar mūsu sirdis abos Varavīksnes galos.

Varavīksnes tilts
Wishtoyo ir tilts, kas savieno pagātni un nākotni. Radītājs lika Chumash cilvēkiem Santa Cruz salā šķērsot varavīksnes tiltu uz cietzemi, kur bija daudz zemes un pārtikas viņu ģimenēm. Fonds Wishtoyo veido tiltu, lai radītu izpratni par dabas un cilvēka attiecībām. Un šī izglītība un zināšanas, cerams, radīs drošības un pārpilnības sajūtu nākotnei un ļaus mums paskatīties caur mūsu senču acīm, kas kopja un cienīja mūsu planētu.


Izrakumi novārtā atstātajā Nortonas piekrastē

Līdz tam laikam vietne bija ievērojami nolaidīga, un bija redzama ļoti maz bijušās abatijas. Tāpēc tika nolemts izrakt viduslaiku abatijas drupas, lai šo vietu varētu apmeklēt sabiedrība. Izrakumi sākās 1970. gadā Patrika Grīna vadībā un turpinājās līdz 1987. gadam. Interesanti, ka vietas rakšana tika veikta kā kopienas projekts, un tajā tika iesaistīti vietējie brīvprātīgie, kā arī ieslodzītie.

Daži ir nonākuši tik tālu, ka apgalvo, ka Nortonas abatija ir “visvairāk izrakto klosteru vieta Eiropā”. Izrakumu rezultātā Norton Priory galvenās ēkas ir izpētītas ļoti detalizēti. Turklāt tika iegūts liels informācijas apjoms par vietni, bet atlikušie pamati tika likti un konsolidēti publiskai apskatei.

Pamatojoties uz arheoloģiskajiem un vēsturiskajiem pētījumiem, ir zināms, ka Norton Priory ieskauj grāvis. Abatijas teritorijā atradās dažādas ēkas, tostarp abatijas baznīca, ēdnīca, virtuves, abata mītne, flīžu krāsns un klostera kapsēta. Piemēram, abatijas baznīca atrodas vietas ziemeļu pusē un tika uzcelta ap 1135. gadu. Izrakumi atklāja, ka gadsimtu gaitā ir bijuši seši būvniecības un pārveidošanas posmi.

Turklāt tika konstatēts, ka abatijas baznīca bija 86 metrus (262 pēdas) gara un ka tā tika uzbūvēta, izmantojot vietējo smilšakmeni ar blokiem, kas vērsti uz ashlariem, un šķembu serdes. Lai gan liela daļa struktūras ir iznīcināta, daži tās grīdas līmeņi ir saglabājušies, tostarp 14. gadsimta grīdas flīzes, un 15. gadsimta flīžu grīda korī. Bez tam konstrukcijā tika atrasti vairāki akmens zārki, kā arī daudzi apbedījumi.

Abatijas modelis, kā tiek uzskatīts, tas būtu parādījies 16. gadsimtā. ( Publisks domēns )


Saturs

Vecākās zināmās gleznas ir aptuveni 40 000 gadu vecas, atrodamas gan Franko-Kantabrijas reģionā Rietumeiropā, gan Marosas apgabala alās (Sulavesi, Indonēzija). Vecākais alu gleznu veids ir roku trafareti un vienkāršas ģeometriskas formas, vecākie neapstrīdamie figurālo alu gleznu piemēri ir nedaudz jaunāki, gandrīz 35 000 gadus veci. [11] 2018. Borneo (Kalimantāns). [12] [13] Tomēr 2019. gada decembrī tika lēsts, ka figurālās alu gleznas, kas attēlo cūku medības Sulavesi Marosas-Pangkepas karstā, ir vēl vecākas, vismaz 43 900 gadus vecas. Atzinums tika atzīmēts kā "vecākais stāstu stāstu attēlojums un agrākais figurālais mākslas darbs pasaulē".[14] [15] Un pavisam nesen, 2021. gadā, tika ziņots par Indonēzijas salā atrasto cūku alu mākslu, kas datēta ar vairāk nekā 45 500 gadiem. [16] Alu gleznu piemēri ir pieejami visā pasaulē - Indonēzijā, Francijā, Indijā, Spānijā, Dienvidāfrikā, Ķīnā, Austrālijā utt.

Ir izteikti dažādi pieņēmumi par to, kāda nozīme šīm gleznām bija cilvēkiem, kas tās veidoja. Aizvēsturiskie mākslinieki, iespējams, ir gleznojuši dzīvniekus, lai "noķertu" viņu dvēseli vai garu, lai tos vieglāk medītu, vai arī gleznas var attēlot animistisku redzējumu un cieņu pret apkārtējo dabu. Tās var būt cilvēkam iedzimtas pamatvajadzības rezultāts, vai arī praktiskas informācijas pārraide.

Bizons, lielajā policiju zālē, Altamiras ala, Spānija

Gada spāņu alas glezna Vērši

Lascaux, Aurochs (Bos primigenius primigenius)

Piktogrāfi no Lielās galerijas, Kanjonlendas nacionālā parka, Pakavu kanjona, Jūtas, c. 1500.g.pmē

Cueva de las Manos (spāņu valodā - roku ala) Santa Cruz provincē Argentīnā, c. 7300.g.pmē

Paleolīta laikos cilvēku attēlojums alu gleznās bija rets. Pārsvarā tika krāsoti dzīvnieki, ne tikai dzīvnieki, kas tika izmantoti kā pārtika, bet arī dzīvnieki, kas pārstāvēja spēku, piemēram, degunradzis vai lielās zīlītes, kā Šovetas alā. Dažreiz tika uzzīmētas tādas zīmes kā punkti. Retos cilvēku attēlojumos ietilpst roku nospiedumi un trafareti, kā arī skaitļi, kas attēlo cilvēku / dzīvnieku hibrīdus. Šovetas ala Francijas Ardēžas departamentos satur vissvarīgākās saglabātās paleolīta laikmeta alu gleznas, kas gleznotas aptuveni 31.000 pirms mūsu ēras. Altamiras alas gleznas Spānijā tika veiktas no 14 000 līdz 12 000 pirms mūsu ēras, un tajās, cita starpā, redzami bizoni. Buļļu zāle Lasko, Dordoņā, Francijā, ir viena no pazīstamākajām alu gleznām un datēta ar aptuveni 15 000 līdz 10 000 pirms mūsu ēras.

Ja gleznām ir nozīme, tas paliek nezināms. Alas nebija apdzīvotā vietā, tāpēc tās, iespējams, tika izmantotas sezonas rituāliem. Dzīvniekiem ir pievienotas zīmes, kas liecina par iespējamu burvju izmantošanu. Bultiņveida simboli Lascaux dažreiz tiek interpretēti kā tādi, kas tiek izmantoti kā kalendāri vai almanahi, taču pierādījumi joprojām ir nepārliecinoši. [18] Svarīgākais mezolīta laikmeta darbs bija gājiena karavīri, klinšu glezna Cingle de la Mola, Kasteljonā, Spānijā, datēta ar aptuveni 7000 līdz 4000 BC. Izmantotā tehnika, iespējams, bija pigmentu spļaušana vai pūšana uz klints. Gleznas ir diezgan dabiskas, lai gan stilizētas. Skaitļi nav trīsdimensiju, lai gan tie pārklājas.

Agrākās zināmās indiešu gleznas bija aizvēsturisko laiku klinšu gleznas, petroglifi, kas atrodami tādās vietās kā Bhimbetkas klinšu patversmes, un dažas no tām ir vecākas par 5500. gadu pirms mūsu ēras. Šādi darbi turpinājās, un pēc vairākām tūkstošgadēm, 7. gadsimtā, Maharaštras štata Ajanta cirsts pīlāri ir lielisks Indijas gleznu piemērs. Krāsas, galvenokārt dažādas sarkanās un oranžās nokrāsas, tika iegūtas no minerāliem.

Austrumu glezniecības vēsture ietver plašu dažādu kultūru un reliģiju ietekmi. Austrumu glezniecības attīstība vēsturiski ir paralēla Rietumu glezniecības attīstībai, parasti dažus gadsimtus agrāk. [2] Āfrikas māksla, ebreju māksla, islāma māksla, Indonēzijas māksla, indiešu māksla, [19] ķīniešu māksla, korejiešu māksla un japāņu māksla [4] būtiski ietekmēja Rietumu mākslu un otrādi. [5]

Ķīniešu glezniecība ir viena no vecākajām nepārtrauktajām mākslas tradīcijām pasaulē. Agrākās gleznas nebija reprezentatīvas, bet dekoratīvas, tās sastāvēja no rakstiem vai zīmējumiem, nevis attēliem. Agrīnā keramika tika krāsota ar spirālēm, līkločiem, punktiem vai dzīvniekiem. Tikai karojošo valstu periodā (403–221 B.C.) mākslinieki sāka pārstāvēt apkārtējo pasauli. Japāņu glezniecība ir viena no vecākajām un izsmalcinātākajām japāņu mākslām, kas ietver plašu žanru un stilu klāstu. Japāņu glezniecības vēsture ir ilga sintēzes un konkurences vēsture starp japāņu vietējo estētiku un importēto ideju pielāgošanu. Korejiešu glezniecība kā neatkarīga forma sākās ap 108. gadu p.m.ē., ap Gojoseona krišanu, padarot to par vienu no vecākajām pasaulē. Tā laika mākslas darbi pārtapa dažādos stilos, kas raksturoja Korejas Trīs karaļvalstu periodu, jo īpaši gleznas un freskas, kas rotā Goguryeo honorāru kapenes. Trīs karaļvalstu laikā un Goryeo dinastijas laikā korejiešu glezniecību galvenokārt raksturoja korejiešu stila ainavu, sejas vaibstu, uz budistu orientētu tēmu kombinācija un uzsvars uz debesu vērošanu, ko veicināja Korejas astronomijas straujā attīstība.

Austrumāzijas rediģēšana

Lakšņu glezna no Ču štata (704–223 pirms mūsu ēras) Džingmena kapa (ķīniešu: 荊門 楚墓 Pinyin: Jīngmén chǔ mù), kurā attēloti vīrieši, kas brauc div zirgu ratos.

Detaļa par fresku, kurā attēlots ķīniešu filozofs Konfūcijs, no Rietumu Hanas (202.g.pmē. - 9.g.ē.) kapa Dongpingas apgabalā, Šandunas provincē

Ķīniešu sieviete, freska no Rietumu Hanas (202.g.pmē. - 9.g.ē.) Siaņas (senās Čananas) kapa, Šaņsji province

Gleznas uz aizbildņu spirta flīzēm, kas uzvilktas ķīniešu halātos, no Hanu dinastijas (202.g.pmē. - 220.g.)

Kungi sarunā, kapu gleznojums datēts ar Austrumu Han dinastiju (25–220 AD).

Sieviešu galma pavadoņi, sienas gleznojums no austrumu Hanas (25-220 AD) kapa Zhengzhou, Henan provincē

Sieviešu galma pavadoņi, sienas gleznojums no austrumu Hanas (25-220 AD) kapa Zhengzhou, Henan provincē

Vīrieša figūra no lakas trauku gleznas virs koka, Vejas ziemeļu periods, 5. gs

Gadā imperators Sun Quan Trīspadsmit imperatoru ritiniet un Ziemeļu Qi zinātnieki apkopo klasiskos tekstus, Yan Liben (apmēram 600–673 AD), ķīnietis

Astoņdesmit septiņi debesis, autors Vu Daozi (685–758), Tangu dinastija, ķīniešu

Portrets Nakti spīdoši balts, Han Gans, 8. gadsimts, Tangu dinastija, ķīniešu valoda

Tangas tiesas pavasara izbrauciens, Zhang Xuan, 8. gadsimts, Tangu dinastija, ķīniešu

Kalps, 8. gadsimts, Tangu dinastija, ķīniešu valoda

Dāmas zīda darināšanā, 8. gadsimta oriģināla pārtaisījums, ko autors Džans Sjuans iesniedza imperators Huizongs no Song, 12. gadsimta sākums, ķīniešu

Ilustrēta sutra no Nāras perioda, 8. gs., Japāņu

Sievietes, kas spēlē dubultspēles, Džou Fangs (730–800 AD), Tangu dinastija, ķīniešu valoda

Siao un Sjanjas upes, Dong Yuan (ap 934–962 AD), ķīnietis

Nakts uzdzīves, Dzimu dinastijas pārtaisījums no 10. gadsimta oriģināla, kura autors ir Gu Hongzhong.

Galma portrets no imperatora Šenzona no Dziesmas (1067–1085), ķīniešu

Zelta fazāns un kokvilnas roze, ķeizars, imperators Huizong of Song (r. 1100–1126)

Klausoties Guqin, ķeizars, imperators Huizongs no Dziesmas (1100–1126)

Bērni Spēlē, Su Han Chen, c. 1150, ķīniešu

Ķīnietis, anonīms 12. gadsimta Dziesmu dinastijas mākslinieks

Dzenbudista Wuzhun Shifan portrets, 1238. gadā, ķīnietis

Cilvēks un viņa zirgs vējā, Zhao Mengfu (1254–1322 AD), ķīnietis

Šukei-sansui (rudens ainava), Sesshu Toyo (1420–1506), japāņu

Kanō Masanobu, Kanō skolas 15. gadsimta dibinātājs, Džou Maoshu, novērtējot lotosus, Japāņi

Balts tērps Kannons, līdzjūtības bodhisatva, autors Kanō Motonobu (1476–1559), japānis

Tang Iņ, Zvejnieks rudenī, (1523), ķīniešu

Nanban kuģi ierodas tirdzniecībā Japānā, 16. gadsimts, japāņu valoda

Ekrāna glezna, kurā attēloti cilvēki, kas spēlē Go, japāņu Kanō Eitoku (1543–1590)

Labais panelis Priedes koku ekrāns (Shōrin-zu byōbu, 松林 図 屏風), autore Hasegava Tōhaku (1539–1610), japāņi

Ritiniet Bodhidharma kaligrāfiju, "Zen norāda tieši uz cilvēka sirdi, ieraugiet savu dabu un kļūstiet par Budu", Hakuins Ekaku (1686–1769), japāņu

Piekārts ritulis 1672, Kanō Tanyū (1602–1674), japāņu valoda

Peonijas, Yun Shouping (1633–1690), ķīnietis

Genji Monogatari, Tosa Mitsuoki (1617–1691), japānis

Skats uz Geumgangu, Jeong Seon (1676–1759), 1734, korejietis

Ike no Taiga (1723–1776), Zivis pavasar, Japāņi

Marujamas skola, Priede, bambuss, plūme, seškārtīgs ekrāns, Maruyama kyky (1733–1795), japāņu valoda

Kaķis un sviests, Kima Hondo (1745–?), 18. gs., Korejiete

Brauciens ar laivu, Shin Yun-bok (1758–?), 1805, korejietis

Rimpas skola, Rudens ziedi un mēness, Sakai Hoitsu (1761–1828), japānis

Tanuki (jenotsuns) kā tējas tējkanna, autors: Katsushika Hokusai (1760–1849), japānis

Māja starp aprikožu kokiem, Jo Hee-ryong (1797–1859), korejietis

Katsushika Hokusai, Dūmu pūķis izkļūst no Fudži kalna, Japāņi

Miyagawa Isshō, glezna bez nosaukuma Ukiyo-e, japāņu

Tomioka Tessai (1837–1924), Nihonga stils, Dejo divas dievības, 1924. gads, japāņu valoda

Ķīnai, Japānai un Korejai ir stipras glezniecības tradīcijas, kas ir ļoti piesaistītas arī kaligrāfijas un grafikas mākslai (tik daudz, ka to parasti uzskata par glezniecību). Tālo Austrumu tradicionālo glezniecību raksturo uz ūdens balstītas tehnikas, mazāks reālisms, "eleganti" un stilizēti priekšmeti, grafiska pieeja attēlojumam, baltās telpas (vai negatīvās telpas) nozīme un priekšroka ainavai (nevis cilvēka figūrai). priekšmets. Papildus tintei un krāsai uz zīda vai papīra ruļļiem zelts uz lakas bija arī izplatīta vide Austrumāzijas mākslas darbos. Lai gan zīda krāsošana agrāk bija nedaudz dārga, Hana galma einuha Kaja Luna papīra izgudrošana mūsu ēras 1. gadsimtā bija ne tikai lēts un plaši izplatīts materiāls rakstīšanai, bet arī lēts un plaši izplatīts materiāls gleznošanai. (padarot to pieejamāku sabiedrībai).

Konfūcisma, daoisma un budisma ideoloģijām bija nozīmīga loma Austrumāzijas mākslā. Viduslaiku Dziesmu dinastijas gleznotāji, piemēram, Lins Tinggui un viņa Luans Veļas mazgāšana [20] (izvietoti Smitsona Freira mākslas galerijā) 12. gadsimtā ir lieliski budisma ideju piemēri, kas iekļauti klasiskajā ķīniešu mākslas darbā. Pēdējā gleznā uz zīda (attēls un apraksts sniegts saitē) budists Luohans ar plikgalvu attēlots praktiskā veļas mazgāšanas vietā pie upes. Tomēr pati glezna ir vizuāli satriecoša - Luohans ir attēlots bagātīgās detaļās un spilgtās, necaurspīdīgās krāsās pretstatā miglainai, brūnai un mīlīgai meža videi. Tāpat koku galotnes ir ietītas virpuļojošā miglā, nodrošinot kopējo "negatīvo telpu", kas iepriekš minēta Austrumāzijas mākslā.

Japonismā 19. gadsimta beigu postimpresionisti, piemēram, Van Gogs un Anrī de Tulūza-Lotreks, un tādi tonālisti kā Džeimss Makneils Vistlers apbrīnoja 19. gadsimta sākuma japāņu Ukiyo-e māksliniekus, piemēram, Hokusai (1760–1849) un Hiroshige (1797– 1858), un tie bija viņu ietekmēti.

Ķīniešu red

Agrākie izdzīvojušie ķīniešu gleznu piemēri datējami ar karojošo valstu periodu (481–221 pirms mūsu ēras) ar gleznām uz zīda vai kapu sienas gleznojumiem uz klints, ķieģeļiem vai akmens. Tie bieži bija vienkāršotā stilizētā formātā un vairāk vai mazāk elementāros ģeometriskos rakstos. Viņi bieži attēloja mitoloģiskas radības, sadzīves ainas, darba ainas vai greznas ainas, kas piepildītas ar amatpersonām tiesā. Mākslas darbi šajā periodā un tai sekojošajā Cjinu dinastijā (221. – 207. G. P.m.ē.) un Hanu dinastijā (202. g. Pirms mūsu ēras - 220. g.) Tika veidoti nevis kā līdzeklis pats par sevi vai arī augstākas personiskās izpausmes dēļ, drīzāk tika radīts mākslas darbs, lai simbolizētu un godinātu bēru rituālus , mitoloģisko dievību vai senču garu attēlojumi utt. Hanu dinastijas laikā bija atrodamas gleznas uz tiesas amatpersonu zīda un sadzīves ainas, kā arī ainas par vīriešiem, kuri medīja zirgos vai piedalījās militārajā parādē. Tika gleznoti arī trīsdimensiju mākslas darbi, piemēram, figūriņas un statujas, piemēram, oriģinālās krāsas, kas sedza karavīru, un Terakotas armijas zirgu statujas. Senās Austrumu Džinas dinastijas (316.-420. g.) Sociālā un kultūras klimata laikā, kas atradās Nanjingā dienvidos, glezniecība kļuva par vienu no konfuciāniski mācīto birokrātisko ierēdņu un aristokrātu oficiālajām izklaidēm (kopā ar mūziku, ko spēlēja gučīna cītara, izdomātas kaligrāfijas rakstīšana, dzejas rakstīšana un deklamēšana). Glezniecība kļuva par parastu mākslinieciskās pašizpausmes veidu, un šajā laikā gleznotājus tiesā vai starp elites sociālajām aprindām vērtēja un sarindoja viņu vienaudži.

Klasiskās ķīniešu ainavu glezniecības izveide lielā mērā ir akreditēta Austrumu Jin dinastijas māksliniekam Gu Kaizhi (344 - 406 AD), vienam no slavenākajiem Ķīnas vēstures māksliniekiem. Tāpat kā Kaizhi, Tangu dinastijas (618–907 AD) iegarenās ritināšanas ainas, ķīniešu mākslinieki, piemēram, Vu Daozi, uz gariem horizontāliem rokturiem (kas bija ļoti populāri Tanga laikā) gleznoja spilgtus un ļoti detalizētus mākslas darbus, piemēram, Astoņdesmit septiņi debesu cilvēki. Gleznotie mākslas darbi Tanga periodā attiecās uz idealizētas ainavas vides ietekmi ar nelielu objektu, personu skaitu vai aktivitātes apjomu, kā arī monohromatisku (piemēram, Price Yide kapa sienas gleznojumi Qianling mauzolejā). Bija arī tādi skaitļi kā agrīnais Tangas laikmeta gleznotājs Žans Zičiāns, kurš gleznoja lieliskas ainavu gleznas, kas reālistiski attēloja krietni priekšā viņa dienai. Tomēr ainavu māksla nesasniedza augstāku brieduma un reālisma līmeni līdz Piecu dinastiju un desmit karaļvalstu periodam (907–960 AD). Šajā laikā bija izcili ainavu gleznotāji, piemēram, Dong Yuan (skatiet šo rakstu, lai redzētu viņa mākslas darbu piemēru), un tie, kas gleznoja spilgtākus un reālistiskākus vietējo ainu attēlojumus, piemēram, Gu Hongzhong un viņa Han Xizai nakts uzdzīves.

Ķīniešu Dziesmu dinastijas laikā (960. – 1279. G. M. Ē.) Tika uzlabota ne tikai ainavu māksla, bet arī portreta glezniecība kļuva standartizētāka un izsmalcinātāka nekā iepriekš (piemēram, atsaucieties uz dziesmas imperatoru Huizongu) un sasniedza savu klasisko vecuma briedumu. Mingu dinastija (1368–1644). 13. gadsimta beigās un 14. gadsimta pirmajā pusē ķīniešiem Mongoļu kontrolētajā juaņu dinastijas laikā nebija atļauts ieņemt augstākus valdības amatus (rezervēti mongoļiem vai citām etniskajām grupām no Vidusāzijas), un imperatora eksāmens tika pārtraukts pagaidām. Daudzi konfūciānos izglītoti ķīnieši, kuriem tagad trūka profesijas, pievērsās glezniecības un teātra mākslai, jo juaņas periods kļuva par vienu no dinamiskākajiem un bagātīgākajiem laikmetiem ķīniešu mākslas darbiem. Kā piemēru var minēt Cjanu Sjuaņu (1235–1305), kurš bija Dziesmu dinastijas ierēdnis, bet patriotisma dēļ atteicās kalpot juaņa galmam un veltīja sevi glezniecībai. Šajā laikmetā izcilās mākslas piemēri ir bagātīgi un detalizēti apgleznoti Yongle pils sienas gleznojumi, [22] [23] vai "Dachunyang Longevity Palace", 1262. gadā, kas ir UNESCO Pasaules mantojuma vieta. Pils teritorijā gleznas aizņem vairāk nekā 1000 kvadrātmetru platību, un tajās galvenokārt ir daoistu tēmas. Tieši Dziesmu dinastijas laikā gleznotāji pulcējās arī saviesīgos klubos vai sanāksmēs, lai apspriestu savu vai citu mākslas darbu, kuru slavēšana bieži noveda pie pārliecības tirgot un pārdot dārgus mākslas darbus. Tomēr bija arī daudzi skarbi citu mākslas kritiķi, parādot atšķirīgo stilu un gaumi dažādu gleznotāju vidū. 108. gadā pēc mūsu ēras daudzslāņu zinātnieks un valstsvīrs Šens Kuo reiz rakstīja par viena Li Čena mākslas darbu, kuru viņš kritizēja šādi:

. Tad bija Li Čens, kurš, attēlojot paviljonus un naktsmītnes kalnu vidū, stāvu ēkas, pagodas un tamlīdzīgi, vienmēr izmantoja karnīzes krāsošanu, skatoties no apakšas. Viņa ideja bija tāda, ka “jāskatās uz augšu no apakšas, tāpat kā cilvēks, kas stāv uz līdzenas zemes un raugās uz pagodas karnīzi, var redzēt tā spāres un konsoles dzegas spāres”. Tas viss ir nepareizi. Kopumā pareizs ainavas gleznošanas veids ir redzēt mazo no lielā skatupunkta. tāpat kā skatoties uz mākslīgajiem kalniem dārzos (staigājot apkārt). Ja pielietojam (Li metodi) reālu kalnu gleznošanai, skatoties uz tiem no apakšas, vienlaikus var redzēt tikai vienu profilu, nevis to daudzpusīgo nogāžu un profilu bagātību, nemaz nerunājot par visu notiekošo. ielejās un kanjonos, kā arī joslās un pagalmos ar to mājokļiem un mājām. Ja mēs stāvam uz austrumiem no kalna, tā rietumu daļas atrodas uz tālo attālumu, kas pazūd, un otrādi. Protams, to nevarētu saukt par veiksmīgu gleznu? Li kungs nesaprata principu “redzēt mazo no lielā viedokļa”. Viņš noteikti bija brīnišķīgs, precīzi samazinot augstumus un attālumus, bet vai jāpievērš tik liela nozīme ēku leņķiem un stūriem? [24]

Lai gan augstajam stilizācijas līmenim, mistiskajai pievilcībai un sirreālajai elegancei bieži tika dota priekšroka, nevis reālismam (piemēram, šanshui stilā), sākot ar viduslaiku Song dinastiju, toreiz un pēc tam bija daudz ķīniešu gleznotāju, kuri attēloja dabas ainas, kas bija spilgti reālas. Vēlāk Mingu dinastijas mākslinieki pēc šīs Dziesmu dinastijas uzsvērs sarežģītu detaļu un reālisma pievēršanos dabas objektiem, īpaši dzīvnieku (piemēram, pīļu, gulbju, zvirbuļu, tīģeru u.c.) attēlojumos starp spilgtas krāsas ziedu plankumiem un otu biezumiem. un koks (labs piemērs būtu anonīmā Mingu dinastijas glezna Putni un plūmju ziedi, [25] atrodas Smitsona muzeja Freer galerijā Vašingtonā, D.C.). Bija daudzi slaveni Mingu dinastijas mākslinieki. Cjiņs ir lielisks Minga laikmeta gleznotāja (slavens pat savā laikā) piemērs, viņa darbos izmantojis sadzīves ainas, rosīgas, ainaviskas ainas un dabas ainas par upju ielejām un stāviem kalniem. migla un virpuļojoši mākoņi. Ming dinastijas laikā bija arī dažādas un konkurējošas mākslas skolas, kas saistītas ar glezniecību, piemēram, Wu skola un Zhe skola.

Klasiskā ķīniešu glezniecība turpinājās agrīnajā modernajā Čingu dinastijā ar ļoti reālistiskām portreta gleznām, kādas bija redzamas 17. gadsimta sākuma Mingu dinastijas beigās. Kangxi imperatora, Yongzheng imperatora un Qianlong imperatora portreti ir lieliski reālistiskas ķīniešu portreta glezniecības piemēri. Qianlong valdīšanas laikā un 19. gadsimtā, turpinoties Eiropas baroka glezniecības stiliem, bija jūtama ietekme uz ķīniešu portreta gleznām, it īpaši ar gleznotiem apgaismojuma un ēnojuma vizuālajiem efektiem. Tāpat Austrumāzijas gleznas un citi mākslas darbi (piemēram, porcelāns un lakas izstrādājumi) Eiropā tika augstu novērtēti kopš sākotnējās saskarsmes 16. gadsimtā.

Ķīniešu eļļas gleznas Rediģēt

Rietumu eļļas gleznu tehnikas sāka ienākt Ķīnā 19. gadsimtā, 20. gadsimta sākumā kļuva izplatītas ķīniešu mākslinieku un mākslas studentu vidū, kas sakrita ar Ķīnas pieaugošo saikni ar Rietumiem. Tādi mākslinieki kā Li Tiefu, Hong Yi, Xu Beihong, Yan Wenliang, Lin Fengmian, Fang Ganmin, Pang Yuliang devās uz ārzemēm, galvenokārt uz Parīzi un Tokiju, lai apgūtu Rietumu mākslu. Ar to palīdzību Ķīnā pieauga un uzplauka tādas mākslinieciskas kustības kā impresionisms, kubisms, fovisms, postimpresionisms, ko apturēja tikai Otrais pasaules karš un Ķīnas Tautas Republikas dzimšana, kad modernisma mākslas stili tika uzskatīti par neatbilstošiem valdošie politiskie ideāli un reālisms bija vienīgā pieņemamā mākslinieciskā forma. Neskatoties uz to, mantojums par ciešu sadarbību ar Rietumu mākslu 20. gadsimta sākumā saglabājās. Eļļas gleznas saglabājās kā svarīgs nesējs ķīniešu mākslas ainās, kā rezultātā tika mainītas arī tradicionālās ķīniešu tintes gleznas.

Liu kundzes portrets, (1942) Li Tiefu eļļa uz audekla

Kang Youwei portrets (1904) Li Tiefu eļļa uz audekla

Čengas kundzes portrets (1941) Eļļa uz kuģa Xu Beihong

Japāņu valodā Rediģēt

Japāņu glezniecība (絵 画) ir viena no vecākajām un visattīstītākajām japāņu mākslām, kas ietver dažādus žanrus un stilus. Tāpat kā japāņu māksla kopumā, japāņu glezniecība attīstījās, pateicoties senai sintēzes un konkurences vēsturei starp japāņu vietējo estētiku un importēto ideju pielāgošanu. Ukiyo-e jeb "peldošās pasaules attēli" ir japāņu koka bloku izdruku (vai "kokgriezumu") un gleznu žanrs, kas ražoti laikā no 17. līdz 20. gadsimtam un kuros iekļauti ainavu, teātra un kurtizānas rajonu motīvi. Tas ir japāņu koka drukāšanas galvenais mākslas žanrs. Japāņu grafika, īpaši no Edo perioda, 19. gadsimtā milzīgi ietekmēja franču glezniecību.

Korejiešu red

Korejiešu glezniecība kā neatkarīga forma sākās ap 108. gadu p.m.ē., ap Gojoseona krišanu, padarot to par vienu no vecākajām pasaulē. Tā laika mākslas darbi pārtapa dažādos stilos, kas raksturoja Korejas Trīs karaļvalstu periodu, jo īpaši gleznas un freskas, kas rotā Goguryeo honorāru kapenes. Trīs karaļvalstu laikā un Goryeo dinastijas laikā korejiešu glezniecību galvenokārt raksturoja korejiešu stila ainavu, sejas vaibstu, uz budistu orientētu tēmu kombinācija un uzsvars uz debesu vērošanu, ko veicināja Korejas astronomijas straujā attīstība. Tikai Hosēnas dinastijā konfucianisma tēmas sāka iesakņoties korejiešu gleznās, kuras tika izmantotas saskaņā ar vietējiem aspektiem.

Korejas glezniecības vēsturi raksturo melno otu monohromatisko darbu izmantošana, bieži uz zīdkoka papīra vai zīda. Šis stils ir redzams "Min-Hwa" jeb krāsainā tautas mākslā, kapu gleznās, kā arī rituāla un festivāla mākslā, kas abās ietvēra plašu krāsu izmantošanu.

Dienvidāzijas rediģēšana

Peldošās figūras Dejo, sienas gleznojums c. 850.

Mughal, Akbar 1570. gadā Akbarnamā saņēma Nagaura gubernators Khan Kilan

Mughal, Judishthira cīkstēšanās ar Karnu, 1598

Imperators Šahs Jahans un dēli, c. 1628 vai vēlāk. Mogulu portretos parasti tiek izmantoti profila skati.

Dāma klausās mūziku, c. 1750.

Radhas un Krišnas Bahsoli glezna diskusijā, c. 1730. gads.

Dekānu glezna, Bijapūras sultāns Ibrahims Adils Šahs II, c. 1590. Trīs ceturtdaļas skats, kas rada spēcīgu un dzīvu iespaidu par auklīti, neskatoties uz to, ka trūkst gan mogulu precizitātes, gan ļoti saskaņotas virsmu modelēšanas.

Raja Jagat Singh no Nurpur (valdīja 1618–1646) mogulu portrets, iespējams, 1619. gads

Pahari glezna, Chamba, c. 1665. gadā karavīrs uzmontē savu zirgu

Govardana Čanda portrets, Pahari glezniecības stils, c. 1750.

Kangras glezna, c. 1775. gads, Krišna spēlē savu flautu gopī

Rāvana nogalina Džatahaju, gūstā esošo Sītu, izmisumā, ko rada Radža Ravi Varma

Akbars un Tansens apmeklē Haridu Vrindavānā, Radžastānas stils, c. 1750.

Krišna Govju izsaukšana, Pahari glezna, Bilaspur, 18. gs

Vīrietis ar bērniem, Pahari glezniecības stils, 1760.

Rādha arestē Krišnu, Pahari glezniecības stils, 1770.

Rāma un Sita mežā, Pahari glezniecības stils, 1780.

Vēlā Rajput glezna, Kota, c. 1830. gadi, Rams Singhs II Tīģeru medības

Indiešu red

Indijas gleznas vēsturiski griežas ap reliģiskajām dievībām un ķēniņiem. Indijas māksla ir kolektīvs termins vairākām dažādām mākslas skolām, kas pastāvēja Indijas subkontinentā. Gleznas bija dažādas, sākot no lielām Ajanta freskām līdz sarežģītām Mogulu miniatūrām gleznām un beidzot ar metāla izrotātiem darbiem no Tanjore skolas. Gandhar -Taxila gleznas ir ietekmējušas persiešu darbi rietumos. Austrumu glezniecības stils galvenokārt tika veidots ap Nalandas mākslas skolu. Darbus galvenokārt iedvesmo dažādas ainas no indiešu mitoloģijas.

Vēsture Rediģēt

Agrākās indiešu gleznas bija aizvēsturisko laiku klinšu gleznas, petroglifi, kas atrodami tādās vietās kā Bhimbetkas klinšu patversmes, un dažas no tām ir vecākas par 5500. gadu pirms mūsu ēras. Šādi darbi turpinājās, un pēc vairākām tūkstošgadēm, 7. gadsimtā, Maharaštras štata Ajanta cirsts pīlāri ir labs indiešu gleznu piemērs, un krāsas, galvenokārt dažādi sarkanā un oranžā toņi, tika iegūtas no minerāliem.

Ajanta alas Maharaštrā, Indijā, ir klinšu griezti alu pieminekļi, kas datēti ar 2. gadsimtu p.m.ē. [28]

Madhubani glezniecība ir indiešu glezniecības stils, ko praktizē Mithila reģionā Biharas štatā, Indijā. Madhubani glezniecības pirmsākumi ir ietīti senatnē.

Moguls Rediģēt

Mogulu glezniecība ir īpašs Indijas glezniecības stils, kas parasti aprobežojas ar grāmatas ilustrācijām un tiek veidots miniatūrās, un kas radās, attīstījās un veidojās Mogulu impērijas laikā no 16. līdz 19. gadsimtam.

Rajput Rediģēt

Radžputas glezniecība attīstījās un uzplauka 18. gadsimtā Indijas Radžputanas karaliskajos galmos. Katra Radžputas valstība attīstījās atšķirīgā stilā, bet ar noteiktām kopīgām iezīmēm. Radžputas gleznās ir attēlotas vairākas tēmas, tādi eposu notikumi kā Ramajana un Mahabharata, Krišnas dzīve, skaistas ainavas un cilvēki. Miniatūras bija vēlamais Rajput glezniecības līdzeklis, bet vairākos rokrakstos ir arī Radžputas gleznas, un gleznas tika veidotas pat uz piļu sienām, cietokšņu iekšējām kamerām, havelijām, it īpaši Šehavaitas havelēm.

Tika izmantotas krāsas, kas iegūtas no noteiktiem minerāliem, augu avotiem, gliemežvākiem un pat iegūtas, apstrādājot dārgakmeņus, zeltu un sudrabu. Vēlamo krāsu sagatavošana bija ilgs process, dažkārt tas prasīja nedēļas. Izmantotās otas bija ļoti smalkas.

Tanjore Edit

Tanjore glezniecība ir svarīga klasiskās Dienvidindijas glezniecības forma, kuras dzimtene ir Tanjore pilsēta Tamil Nadu. Mākslas forma aizsākās 9. gadsimta sākumā - periodā, kurā dominēja Holas valdnieki, kuri iedrošināja mākslu un literatūru. Šīs gleznas ir pazīstamas ar savu eleganci, bagātīgajām krāsām un uzmanību detaļām. Lielākās daļas šo gleznu tēmas ir hinduistu dievi un dievietes, kā arī ainas no hinduistu mitoloģijas. Mūsdienās šīs gleznas ir kļuvušas par ļoti pieprasītu suvenīru svinīgos gadījumos Dienvidindijā.

Tanjore gleznas tapšanas process ietver daudzus posmus. Pirmais posms ietver attēla sākotnējās skices izveidi uz pamatnes. Pamatne sastāv no auduma, kas ielīmēts virs koka pamatnes. Pēc tam krīta pulveri vai cinka oksīdu sajauc ar ūdenī šķīstošu līmi un uzklāj uz pamatnes. Lai padarītu pamatni gludāku, dažreiz tiek izmantots viegls abrazīvs līdzeklis. Pēc zīmējuma izgatavošanas juvelierizstrādājumu un attēlā redzamo apģērbu rotā ar pusdārgakmeņiem. Juvelierizstrādājumu dekorēšanai tiek izmantotas arī mežģīnes vai diegi. Papildus tam tiek ielīmētas zelta folijas. Visbeidzot, krāsvielas tiek izmantotas, lai gleznu figūrām pievienotu krāsas.

Madras skola Rediģēt

Britu valdīšanas laikā Indijā kronis atklāja, ka Madrasam ir vieni no talantīgākajiem un intelektuālākajiem mākslinieciskajiem prātiem pasaulē. Tā kā briti bija izveidojuši arī milzīgu apmetni Madrasā un tās apkārtnē, Džordžtaunu izvēlējās izveidot institūtu, kas atbilstu Londonas karaliskās ģimenes mākslinieciskajām cerībām. Šī ir pazīstama kā Madras skola. Sākumā tradicionālie mākslinieki tika nodarbināti, lai ražotu izsmalcinātas mēbeļu šķirnes, metāla izstrādājumus un ziņkārības, un viņu darbi tika nosūtīti uz karalienes karaliskajām pilīm.

Atšķirībā no Bengālijas skolas, kur “kopēšana” ir mācīšanas norma, Madrasas skola uzplaukst, veidojot ”jaunus stilus, argumentus un tendences.

Bengālijas skolas rediģēšana

Bengālijas mākslas skola bija ietekmīgs mākslas stils, kas uzplauka Indijā britu Radža laikā 20. gadsimta sākumā. Tas bija saistīts ar indiešu nacionālismu, bet to veicināja un atbalstīja arī daudzi britu mākslas administratori.

Bengālijas skola radās kā avangarda un nacionālistu kustība, kas reaģēja pret akadēmiskajiem mākslas stiliem, kurus Indijā iepriekš reklamēja gan Indijas mākslinieki, piemēram, Raja Ravi Varma, gan Lielbritānijas mākslas skolās. Sekojot Indijas garīgo ideju plašajai ietekmei Rietumos, britu mākslas skolotājs Ernests Binfīlds Havels mēģināja reformēt mācību metodes Kalkutas Mākslas skolā, mudinot studentus atdarināt Mogulu miniatūras. Tas izraisīja milzīgus strīdus, izraisot studentu streiku un vietējās preses sūdzības, tostarp nacionālistus, kuri uzskatīja, ka tas ir retrogresīvs solis. Havelu atbalstīja mākslinieks Abanindranath Tagore, dzejnieka Rabindranath Tagore brāļadēls. Tagore uzgleznoja vairākus darbus, kurus ietekmēja Mogulu māksla - stils, kas, viņaprāt, ar Havelu uzskatīja par Indijas atšķirīgo garīgo īpašību izpausmi pretstatā Rietumu "materiālismam". Tagore pazīstamākā glezna, Bharat Mata (Māte Indija), attēlota jauna sieviete, kas ar četrām rokām attēlota hinduistu dievību veidā, turot priekšmetus, kas simbolizē Indijas nacionālos centienus. Vēlāk Tagore mēģināja izveidot saites ar japāņu māksliniekiem, cenšoties izveidot visas Āzijas izcelsmes mākslas modeli.

Bengālijas skolas ietekme Indijā samazinājās, 20. gados izplatoties modernisma idejām. Pēc neatkarības atgūšanas Indijas mākslinieki parādīja lielāku pielāgošanās spēju, jo viņi brīvi aizņēmās no Eiropas stiliem un brīvi apvienoja tos ar indiešu motīviem jauniem mākslas veidiem. Kamēr tādi mākslinieki kā Fransiss Ņūtons Souza un Tībs Mehta bija vairāk rietumnieciskas pieejas, citi, piemēram, Ganešs Pīne un Makbools Fida Husains, izstrādāja pamatiedzīvotāju darba stilus. Šodien pēc Indijas tirgus liberalizācijas procesa mākslinieki arvien vairāk saskaras ar starptautisko mākslas ainu, kas viņiem palīdz attīstīties ar jaunākiem mākslas veidiem, kas līdz šim nebija redzēti Indijā. Džitišs Kallats deviņdesmito gadu beigās bija iemantojis slavu ar savām gleznām, kas bija gan mūsdienīgas, gan ārpus vispārējās definīcijas. Tomēr, kamēr jaunā gadsimta mākslinieki Indijā izmēģina jaunus stilus, tēmas un metaforas, nebūtu bijis iespējams iegūt tik ātru atpazīstamību bez biznesa namu palīdzības, kas tagad ienāk mākslas jomā, kā nekad agrāk .

Mūsdienu indiešu rediģēšana

Amrita Šere-Gila bija indiešu gleznotāja, dažreiz pazīstama kā Indijas Frīda Kahlo [29], un mūsdienās tiek uzskatīta par nozīmīgu 20. gadsimta Indijas gleznotāju, kuras mantojums ir līdzvērtīgs Bengālijas renesanses meistaru mantojumam [30] [31] ] viņa ir arī “visdārgākā” Indijas gleznotāja. [32]

Šodien viņa ir viena no tām Deviņi meistari, kura darbs tika pasludināts par mākslas dārgumiem Indijas Arheoloģijas dienesta 1976. un 1979. gadā [33] un vairāk nekā 100 viņas gleznu tagad ir izstādītas Nacionālajā modernās mākslas galerijā Deli. [34]

Koloniālajā laikmetā Rietumu ietekme sāka ietekmēt Indijas mākslu. Daži mākslinieki izstrādāja stilu, kas izmantoja Rietumu kompozīcijas, perspektīvas un reālisma idejas, lai ilustrētu Indijas tēmas. Citi, piemēram, Jamini Roy, apzināti smēlās iedvesmu no tautas mākslas.

Līdz neatkarības iegūšanai 1947. gadā vairākas mākslas skolas Indijā nodrošināja piekļuvi mūsdienu tehnikai un idejām. Tika izveidotas galerijas, lai parādītu šos māksliniekus. Mūsdienu Indijas māksla parasti parāda Rietumu stilu ietekmi, taču to bieži iedvesmo Indijas tēmas un attēli. Lielākie mākslinieki sāk gūt starptautisku atzinību, sākotnēji indiešu diasporas vidū, bet arī publikās, kas nav indiāņi.

Progresīvo mākslinieku grupa, kas izveidota neilgi pēc Indijas neatkarības iegūšanas 1947. gadā, bija paredzēta, lai izveidotu jaunus Indijas izpausmes veidus postkoloniālajā laikmetā. Dibinātāji bija seši izcili mākslinieki - K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. Husains, S.H. Raza un F. N. Souza, lai gan grupa tika likvidēta 1956. gadā, tā bija dziļi ietekmīga, mainot Indijas mākslas idiomu. Gandrīz visi lielākie Indijas mākslinieki piecdesmitajos gados bija saistīti ar grupu. Daži no tiem, kas šodien ir labi pazīstami, ir Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, V. S. Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta un Akbar Padamsee. Citi slaveni gleznotāji, piemēram, Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran un Bijon Choudhuri, bagātināja Indijas mākslas kultūru. Viņi ir kļuvuši par mūsdienu Indijas mākslas ikonām. Mākslas vēsturnieki, piemēram, prof. Rai Anand Krišna, ir atsaukušies arī uz tiem mūsdienu mākslinieku darbiem, kas atspoguļo Indijas ētiku. Geeta Vadhera ir guvusi atzinību, tulkojot uz audekla sarežģītas, indiešu garīgās tēmas, piemēram, sufiju domas, Upanišadas un Bhagwad Geeta.

Kopš deviņdesmito gadu sākuma Indijas māksla guva impulsu valsts ekonomiskajai liberalizācijai. Mākslinieki no dažādām jomām tagad sāka ieviest dažādus darba stilus. Indijā pēc liberalizācijas daudzi mākslinieki ir nostiprinājušies starptautiskajā mākslas tirgū, piemēram, abstraktais gleznotājs Natvar Bhavsar, figurālais mākslinieks Devajyoti Ray un tēlnieks Anish Kapoor, kura mamutiskie postminimalistiskie darbi ir pievērsuši uzmanību savam lielajam izmēram. Daudzi mākslas nami un galerijas ir atvērtas arī ASV un Eiropā, lai demonstrētu Indijas mākslas darbus.

Dienvidaustrumu Āzija Rediģēt

Indonēziešu red

Senākās zināmās alu gleznas ir vairāk nekā 44 000–50 000 gadu vecas, atrodamas Marosas apgabala alās (Sulavesi, Indonēzija). Vecākais alu gleznu veids ir roku trafareti un vienkāršas ģeometriskas formas, vecākie neapstrīdamie figurālo alu gleznu piemēri ir nedaudz jaunāki, gandrīz 35 000 gadus veci. [11]

Indonēzijas Borneo salas Lubang Jeriji Saléh alā tika atklāts tolaik vecākais zināmais figurālās mākslas gleznojums, kura vecums ir vairāk nekā 40 000 (iespējams, pat 52 000) gadu vecs. Tomēr 2019. gada decembrī tika lēsts, ka figurālās alu gleznas, kas attēlo cūku medības Sulavesi Marosas-Pangkepas karstā, ir vēl vecākas, vismaz 43 900 gadus vecas. Atzinums tika atzīmēts kā "vecākais stāstu stāstu attēlojums un agrākais figurālais mākslas darbs pasaulē". [35] [15]

Citi Indonēzijas gleznu piemēri ir Kenijas dekoratīvā māksla, kuras pamatā ir endēmiski dabiski motīvi, piemēram, papardes un radzenes, kas atrasti Kenijas garo māju sienu rotājumos. Cita ievērojama tradicionālā māksla ir Torajas ģeometriskie kokgriezumi. Bali gleznas sākotnēji ir stāstījuma attēli, kas attēlo Bali leģendu un reliģisko skriptu ainas. Klasiskās Bali gleznas bieži rotā lontāros rokrakstus un arī tempļu paviljona griestus.

Tradicionāla Bali glezna, kurā attēlota gaiļu cīņa.

Javas ainava ar tīģeriem, klausoties ceļojošās grupas skaņās, 1849. gads.

Dzīves ritenis, I Ketut Murtika (dz. 1952), Guaša uz audekla

Pirms 1920. gada Kamasana Palindona gleznas detaļa, Kamasanas stila klasiskās glezniecības piemērs.

Masku dejotājs (A.A. Gde Anom Sukawati) Puri Lukisan muzejā.

Filipīniešu red

Filipīniešu glezniecību kopumā var uzskatīt par daudzu kultūras ietekmju apvienojumu, lai gan tā pašreizējā formā mēdz būt rietumnieciskāka ar austrumu saknēm.

Filipīniešu agrīnā glezna ir atrodama sarkanās slidenas (māls, kas sajaukts ar ūdeni) zīmējumos, kas izrotāti uz Filipīnu rituāla keramikas, piemēram, slavenā Manunggul Jar. Pierādījumi par Filipīnu keramikas ražošanu, kas datēti jau 6000. gadā pirms Kristus, ir atrasti Sanga-sanga alā, Sulu un Laurente alā, Cagayan. Ir pierādīts, ka līdz 5000. gadam pirms mūsu ēras keramikas darināšana tika praktizēta visā valstī. Agrīnie filipīnieši sāka gatavot keramiku pirms saviem kaimiņiem Kambodžā un apmēram tajā pašā laikā kā taizemieši kā daļu no tā, kas, šķiet, ir plaši izplatīta keramikas tehnoloģijas attīstība ledus laikmetā. Papildu pierādījumi par glezniecību izpaužas agrīno filipīniešu tetovēšanas tradīcijās, kuras portugāļu pētnieks dēvēja par Pintados vai "Visaijas" gleznotie cilvēki. [36] Dažādi modeļi, kas attiecas uz floru un faunu ar debesu ķermeņiem, rotā viņu ķermeņus dažādās krāsās. Iespējams, dažas no sarežģītākajām agrīno filipīniešu gleznām, kas saglabājušās līdz mūsdienām, var izpausties starp Maranao mākslu un arhitektūru, kas ir labi pazīstamas ar Nāgas pūķiem un Sarimanok, kas cirsts un gleznots skaistajā Toroganas Panolongā. vai Karaļa māja.

Filipīnieši sāka veidot gleznas Eiropas tradīcijās 17. gadsimta spāņu periodā. [37] Agrākās no šīm gleznām bija baznīcas freskas, reliģiski tēli no Bībeles avotiem, kā arī gravējumi, skulptūras un litogrāfijas ar kristīgām ikonām un Eiropas muižniecību. Lielākā daļa gleznu un skulptūru no 19. līdz 20. gadsimtam radīja reliģisku, politisku un ainavu mākslas darbu sajaukumu ar salduma, tumšuma un gaišuma īpašībām. Agrīnās modernisma gleznotāji, piemēram, Damiāns Domingo, bija saistīti ar reliģiskām un laicīgām gleznām. Huana Lunas un Fēliksa Hidalgo māksla parādīja tendenci uz politisku paziņojumu. Mākslinieks, piemēram, Fernando Amorsolo, izmantoja postmodernismu, lai radītu gleznas, kas ilustrē Filipīnu kultūru, dabu un harmoniju. Kamēr citi mākslinieki, piemēram, Fernando Zóbels, savā darbā izmantoja realitāti un abstraktu.

Lorenco de la Roča Icaza, Mujer filipina, 1895

Fabiāns de la Rosa, Sievietes, kas strādā rīsu laukā, 1902

Hosē Honorato Lozano, Indios, 1847

Ēģipte, Grieķija un Roma Rediģēt

Senajā Ēģiptē, civilizācijā ar ļoti spēcīgām arhitektūras un tēlniecības tradīcijām (abas sākotnēji bija krāsotas spilgtās krāsās), bija arī daudz gleznu gleznu tempļos un ēkās, un uz papirusa rokrakstiem tika gleznotas ilustrācijas.Ēģiptes sienu un dekoratīvā glezniecība bieži ir grafiska, dažreiz vairāk simboliska nekā reāla. Ēģiptes glezniecība attēlo figūras treknā kontūrā un plakanā siluetā, kurā simetrija ir nemainīga iezīme. Ēģiptes glezniecībai ir cieša saikne ar tās rakstīto valodu, ko sauc par ēģiptiešu hieroglifiem. Gleznotie simboli ir sastopami starp pirmajām rakstiskās valodas formām. Ēģiptieši gleznoja arī uz lina, kura paliekas saglabājušās līdz mūsdienām. Senās Ēģiptes gleznas izdzīvoja ārkārtīgi sausā klimata dēļ. Senie ēģiptieši radīja gleznas, lai padarītu mirušā pēcnāves dzīvi patīkamu. Tēmas ietvēra ceļojumu pa pēcpasauli vai viņu aizsargājošajām dievībām, iepazīstinot mirušo ar pazemes dieviem. Daži šādu gleznu piemēri ir dievu un dieviešu Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris un Isis gleznas. Dažās kapu gleznās ir redzamas darbības, kurās mirušais bija dzīvs un vēlējās turpināt mūžību. Jaunajā valstībā un vēlāk Mirušo grāmata tika apglabāts kopā ar apbedīto personu. Tas tika uzskatīts par svarīgu ievadam pēcnāves dzīvē.

Sennedjems uzart savus laukus ar vēršu pāri, c. 1200.g.pmē

Senā Ēģipte,Dieviete Isisa, sienu krāsošana, c. 1360.g.pmē

Pitsa paneļi, viena no nedaudzajām saglabātajām paneļu gleznām no arhaiskās Grieķijas, c. 540. – 530.g.pmē

Senā Maķedonijas karavīra freska (thorakitai) valkā ķēdes pasta bruņas un nes a thureos vairogs, 3.gs.pmē

Kupidons spēlējas ar liru, romiešu freska no Herculaneum

Romiešu freska ar sēdošu Venēru, tā sauktā "Dea Barberini", mūsu ēras 4. gs

Uz ziemeļiem no Ēģiptes atradās Mino civilizācija, kuras centrs bija Krētas sala. Knosas pilī atrastie sienu gleznojumi ir līdzīgi ēģiptiešu gleznojumiem, taču tie ir daudz brīvāki. Mikēniešu Grieķija, kas sākās ap 1600. gadu pirms mūsu ēras, radīja līdzīgu mākslu kā Minojas Krēta. Sengrieķu māksla grieķu tumšajā laikmetā kļuva daudz mazāk sarežģīta, bet grieķu civilizācijas atjaunošana visā Vidusjūrā arhaiskās Grieķijas laikā radīja jaunas grieķu mākslas formas ar orientējošu stilu.

Senajā Grieķijā bija kvalificēti gleznotāji, tēlnieki (lai gan abi centieni tajā laikā tika uzskatīti par vienkāršu roku darbu) un arhitekti. Partenons ir viņu arhitektūras piemērs, kas saglabājies līdz mūsdienām. Grieķu marmora skulptūra bieži tiek raksturota kā augstākā klasiskās mākslas forma. Glezna uz Senās Grieķijas keramikas un keramikas dod īpaši informatīvu ieskatu sabiedrības darbības veidos Senajā Grieķijā. Glezna ar vāzēm ar melnām figūrām un sarkanu figūru vāzēm sniedz daudzus izdzīvojušus piemērus par to, kas bija grieķu glezniecība. Daži slaveni grieķu gleznotāji uz koka paneļiem, kas minēti tekstos, ir Apelles, Zeuxis un Parrhasius, tomēr nav saglabājušies neviens sengrieķu paneļu glezniecības piemērs, tikai viņu laikabiedru vai vēlāk romiešu rakstīti apraksti. Zeuksis dzīvoja 5–6 pirms mūsu ēras, un tika teikts, ka viņš pirmais izmantoja sfumato. Pēc Plīnija Vecākā teiktā, viņa gleznu reālisms bija tāds, ka putni mēģināja ēst krāsotās vīnogas. Apelles tiek raksturotas kā lielākais senatnes gleznotājs, kas guvis perfektu zīmēšanas tehniku, izcilu krāsu un modelēšanu.

Romiešu mākslu ietekmēja Grieķija, un to daļēji var uzskatīt par sengrieķu glezniecības pēcteci. Tomēr romiešu glezniecībai ir svarīgas unikālas iezīmes. Izdzīvojušās romiešu gleznas ietver sienu gleznojumus un freskas, daudzas no villām Kampānijā, Itālijas dienvidos, tādās vietās kā Pompejas un Herculaneum. Šādu glezniecību var sagrupēt četros galvenajos "stilos" vai periodos [38], un tajā var būt pirmie piemēri trompe-l'œil, pseidoperspektīva un tīra ainava. [39] Gandrīz vienīgie gleznotie portreti, kas saglabājušies no Antīkās pasaules, ir liels skaits zārku-portretu krūšu formas portretu, kas atrodami Al-Fayum vēlīnā antīkajā kapsētā. Lai gan tie nebija ne no labākā perioda, ne no augstākās kvalitātes, tie paši par sevi ir iespaidīgi un sniedz priekšstatu par kvalitāti, kādai jābūt smalkākajam senajam darbam. Izdzīvo arī ļoti neliels skaits miniatūru no vēlā antīka laika ilustrētajām grāmatām un diezgan liels to kopiju skaits no agrīnajiem viduslaikiem.

Viduslaiku rediģēšana

Jeruzalemes ieņemšana pirmā krusta kara laikā, c. 1099

Morgana lapa, no Vinčesteras Bībeles 1160. – 75., Ainas no Dāvida dzīves

Bonaventura Berlinghieri, Svētais Francisks no Asīzes, 1235

Kristietības uzplaukums glezniecības stiliem piešķīra atšķirīgu garu un mērķi. Bizantijas māksla, kad tās stils tika izveidots 6. gadsimtā, lielu uzsvaru lika uz tradicionālās ikonogrāfijas un stila saglabāšanu, un pakāpeniski attīstījās Bizantijas impērijas tūkstoš gadu laikā un grieķu un krievu pareizticīgo ikonu gleznošanas dzīvajās tradīcijās. Bizantijas glezniecībā ir hieraātiska sajūta, un ikonas tika un joprojām tiek uzskatītas par dievišķās atklāsmes attēlojumu. Fresku bija daudz, bet no tām ir saglabājies mazāk nekā mozaīkas. Bizantijas māksla savā līdzenumā un augsti stilizētajā figūru un ainavas attēlojumā ir salīdzināta ar mūsdienu abstrakciju. Daži bizantiešu mākslas periodi, jo īpaši tā sauktā Maķedonijas māksla aptuveni 10. gadsimtā, ir elastīgāki. Stambulas Horas baznīcā saglabājušās 14. gadsimta sākuma paleologa renesanses freskas.

Katoliskajā Eiropā pēc antīkās laikmeta pirmais atšķirīgais mākslinieciskais stils, kas ietvēra glezniecību, bija Britu salu salu māksla, kur vienīgie saglabājušies piemēri ir miniatūras apgaismotos rokrakstos, piemēram, Kellu grāmatā. [40] Tie ir slavenākie ar savu abstrakto rotājumu, lai gan tika attēlotas arī figūras un dažreiz ainas, it īpaši evaņģēlistu portretos. Arī karolingu un osoniešu māksla pārsvarā saglabājas rokrakstos, lai gan ir saglabājušies daži sienu gleznojumi, un vairāk ir dokumentēti. Šī perioda māksla apvieno salu un "barbaru" ietekmi ar spēcīgu bizantiešu ietekmi un vēlmi atgūt klasisko monumentalitāti un nosvērtību.

Romānikas un gotikas baznīcu sienas bija dekorētas ar freskām, kā arī skulptūrām, un daudziem no nedaudzajiem atlikušajiem sienas gleznojumiem ir liela intensitāte, un tie apvieno salu mākslas dekoratīvo enerģiju ar jaunu monumentalitāti figūru apstrādē. Daudz vairāk miniatūru apgaismotajos rokrakstos ir saglabājušies no šī perioda, parādot tās pašas iezīmes, kas saglabājas arī gotikas periodā.

Paneļu gleznošana kļūst arvien izplatītāka romānikas periodā, bizantiešu ikonu smagajā ietekmē. Tuvojoties 13. gadsimta vidum, viduslaiku māksla un gotiskā glezniecība kļuva reālistiskāka, sākoties interesei par apjoma un perspektīvas attēlojumu Itālijā kopā ar Cimabue un pēc tam viņa skolnieku Džoto. Kopš Džoto arī labāko gleznotāju kompozīcijas apstrāde kļuva daudz brīvāka un novatoriskāka. Viņi tiek uzskatīti par diviem lielajiem viduslaiku glezniecības meistariem rietumu kultūrā. Cimabue, ievērojot bizantiešu tradīcijas, savā mākslā izmantoja reālistiskāku un dramatiskāku pieeju. Viņa skolēns Džoto pacēla šos jauninājumus augstākā līmenī, kas savukārt lika pamatus rietumu glezniecības tradīcijām. Abi mākslinieki bija pionieri ceļā uz naturālismu.

Baznīcas tika uzceltas ar arvien vairāk logiem, un krāsainu vitrāžu izmantošana kļuva par galveno elementu dekorācijā. Viens no slavenākajiem piemēriem tam ir Parīzes Dievmātes katedrālē. Līdz 14. gadsimtam Rietumu sabiedrības bija gan bagātākas, gan kultivētas, un gleznotāji atrada jaunus patronus muižniecībā un pat buržuāzijā. Izgaismotie rokraksti ieguva jaunu raksturu, un viņu ainavās tika parādītas slaidas, modīgi ģērbtas galma sievietes. Šis stils drīz kļuva pazīstams kā starptautiskais stils, un tempera paneļu gleznas un altārgleznas ieguva nozīmi.

Renesanse un manierisms Rediģēt

Renesanse (franču valodā-“atdzimšana”), kultūras kustība, kas aptuveni aptvēra 14. gadu līdz 17. gadsimta vidum, vēstīja par klasisko avotu izpēti, kā arī zinātnes sasniegumiem, kas būtiski ietekmēja Eiropas intelektuālo un māksliniecisko dzīvi. Zemās valstīs, īpaši mūsdienu Flandrijā, 15. gadsimta sākumā tika izveidots jauns glezniecības veids. Sekojot manuskriptu izgaismošanas attīstībai, it īpaši brāļu Limburgu, mākslinieki aizrāvās ar taustāmo redzamajā pasaulē un sāka attēlot objektus ārkārtīgi naturālistiskā veidā. [41] Eļļas glezniecības pieņemšana, kuras izgudrojums tradicionāli, bet kļūdaini tika piešķirts Jānam van Eikam, ļāva radīt jaunu patiesumu šī naturālisma attēlošanā. Eļļas krāsas vide jau bija Melhiora Broederlama darbā, bet tādi gleznotāji kā Jans van Eiks un Roberts Kempins to izmantoja jaunos augstumos un izmantoja, lai pārstāvētu to dabiskumu, uz kuru viņi tiecās. Ar šo jauno mediju šī perioda gleznotāji spēja radīt bagātīgākas krāsas ar dziļu intensīvu tonalitāti. Kvēlojošas gaismas ilūzija ar porcelānam līdzīgu apdari raksturoja agrīno Nīderlandes glezniecību un bija būtiska atšķirība no Itālijā izmantotās tempera krāsas matētās virsmas. [41] Atšķirībā no itāļiem, kuru darbs lielā mērā balstījās uz Senās Grieķijas un Romas mākslu, ziemeļnieki saglabāja stilistisko skulptūras atlikumu un viduslaiku izgaismotos rokrakstus (īpaši tās naturālismu). Šī laika nozīmīgākais mākslinieks bija Jans van Eiks, kura darbs ir viens no labākajiem, ko veidojuši mākslinieki, kuri tagad ir pazīstami kā agrīnie Nīderlandes gleznotāji vai flāmu primitīvi (jo lielākā daļa mākslinieku aktīvi darbojās mūsdienu Flandrijas pilsētās). Pirmais šī perioda gleznotājs bija Flémalle meistars, mūsdienās identificēts kā Roberts Kampins, kura darbs seko starptautiskās gotikas mākslai. Vēl viens nozīmīgs šī perioda gleznotājs bija Rožērs van der Veidens, kura kompozīcijās uzsvērta cilvēka emocijas un drāma, piemēram, viņa darbā "Nolaišanās no krusta", kas ierindojas starp 15. gadsimta slavenākajiem darbiem un bija ietekmīgākā Nīderlandes glezna. krustā sišana. Citi nozīmīgi šī perioda mākslinieki ir Hugo van der Goes (kura darbs Itālijā bija ļoti ietekmīgs), Dieric Bouts (kurš bija viens no pirmajiem ziemeļu gleznotājiem, kurš demonstrēja viena izzušanas punkta izmantošanu), [41] Petrus Christus, Hans Memling. un Džerards Deivids.

Itālijā klasiskās senatnes māksla iedvesmoja glezniecības stilu, kas uzsvēra ideālu. Mākslinieki, piemēram, Paolo Uccello, Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti un Raphael, pacēla glezniecību augstākā līmenī, izmantojot perspektīvu, pētot cilvēka anatomiju un proporcija, un, izstrādājot bezprecedenta zīmēšanas un gleznošanas tehnikas uzlabojumus. Venēcijā parādījās nedaudz dabiskāks stils. Venēcijas skolas gleznotājiem, piemēram, Džovanni Bellīni, Džordžionai, Ticiānam, Tintoreto un Veronesei, zīmēšanas precizitāte bija mazāka par krāsu bagātību un iedarbības vienotību, ko varētu panākt ar spontānāku pieeju glezniecībai.

Flāmu, holandiešu un vācu renesanses gleznotāji, piemēram, Hanss Holbeins jaunākais, Albrehts Dīrers, Lūkass Kranahs, Matiass Grīnevalds, Hieronīms Bošs un Pīters Brēgels pārstāv atšķirīgu pieeju no saviem itāļu kolēģiem, tādu, kas ir reālistiskāka un mazāk idealizēta. Žanra glezniecība kļuva par populāru idiomu starp ziemeļu gleznotājiem, piemēram, Pīteru Brēgelu.

Renesanses glezniecība atspoguļo ideju un zinātnes (astronomijas, ģeogrāfijas) revolūciju, kas notika šajā periodā, reformāciju un tipogrāfijas izgudrošanu. Dīrers, kas tiek uzskatīts par vienu no lielākajiem grafikas veidotājiem, apgalvo, ka gleznotāji nav tikai amatnieki, bet arī domātāji. Attīstoties molberta glezniecībai renesansē, glezniecība ieguva neatkarību no arhitektūras. Molberta gleznas - kustami attēli, kurus varēja viegli piekārt pie sienām - kļuva par populāru alternatīvu gleznām, kas piestiprinātas pie mēbelēm, sienām vai citām konstrukcijām. Pēc gadsimtiem, kuros dominēja reliģiski tēli, laicīgā tēma lēnām atgriezās Rietumu glezniecībā. Mākslinieki savās gleznās iekļāva apkārtējās pasaules vīzijas vai pašu iztēles produktus. Tie, kas varētu atļauties šos izdevumus, varētu kļūt par patroniem un pasūtīt savu vai savas ģimenes portretus.

Augstā renesanse radīja stilizētu mākslu, kas pazīstama kā manierisms. Sabalansēto kompozīciju un racionālas pieejas perspektīvai vietā, kas raksturoja mākslu 16. gadsimta rītausmā, manieristi meklēja nestabilitāti, mākslīgumu un šaubas. Pjero della Frančeskas nemierīgās sejas un žestus un mierīgās Rafaēlas Jaunavas nomaina nemierīgās Pontormo izpausmes un El Greko emocionālā intensitāte. Nemierīgas un nestabilas kompozīcijas, bieži ekstrēma vai šķēršļu radīta perspektīvas ietekme un stilizētas pozas ir raksturīgas itāļu manieristiem, piemēram, Tintoreto, Pontormo un Bronzino, un vēlāk parādījās ziemeļu manieristu, piemēram, Hendrika Golciusa, Bartolomeja Sprangera un Joahima Vtevela, darbā. .

Baroka un rokoko rediģēšana

Baroka glezniecība ir saistīta ar baroka kultūras kustību-kustību, kas bieži tiek identificēta ar absolūtismu un pretreformāciju vai katoļu atmodu [42] [43]. kad stils izplatījās visā Rietumeiropā. [44]

Baroka glezniecību raksturo lieliska drāma, bagātīga, dziļa krāsa un intensīvas gaišas un tumšas ēnas. Baroka mākslai bija jārada emocijas un kaislības, nevis mierīgā racionalitāte, kas tika vērtēta renesanses laikā. Laika posmā, kas sākas ap 1600. gadu un turpinās visu 17. gadsimtu, glezniecību raksturo kā baroku. Starp lielākajiem baroka gleznotājiem ir Karavadžo, Rembrants, Franss Hals, Rubenss, Velāzkess, Pusins ​​un Johanness Vermērs. Karavadžo ir augstās renesanses humānisma gleznas mantinieks. Viņa reālistiskā pieeja cilvēka figūrai, kas gleznota tieši no dzīves un dramatiski izgaismota uz tumša fona, šokēja viņa laikabiedrus un atvēra jaunu nodaļu glezniecības vēsturē. Baroka glezniecībā bieži tiek dramatizētas ainas, izmantojot gaismas efektus. To var redzēt Rembranta, Vermēra, Le Naina, La Tour un Jusepe de Ribera darbos.

Itālijā baroka stilu iemieso reliģiskās un mitoloģiskās gleznas Lielajā manierē, ko veidojuši tādi mākslinieki kā Carracci, Guido Reni un Luca Giordano. Pjetro da Kortonas iluzionistiskās baznīcas griestu freskas šķita atvērtas debesīm. Daudz klusāks baroka veids parādījās Nīderlandes Republikā, kur ikdienišķu priekšmetu molberta gleznas bija iecienītas vidusšķiras kolekcionāru vidū, un daudzi gleznotāji kļuva par žanra speciālistiem, citi-ainavas vai jūras ainavas vai klusās dabas. Vermērs, Žerārs ter Borhs un Pīters de Huks ieviesa lielu tehnisku izsmalcinātību vietējo ainu glezniecībā, tāpat kā Vilems Klešs. Heda pie klusās dabas. Turpretī Rembrants izcēlās ar visu veidu priekšmetu apgleznošanu un izstrādāja individuālu glezniecības stilu, kurā hiaroscuro un tumšais fons, kas iegūti no Karavadžo un Utrehtas karavadžistiem, zaudē savu teātra kvalitāti.

18. gadsimtā rokoko sekoja kā vieglāks baroka pagarinājums, bieži vien vieglprātīgs un erotisks. Rokoko vispirms attīstījās dekoratīvās mākslas un interjera dizainā Francijā. Luija XV pēctecība radīja izmaiņas galma māksliniekos un vispārējā mākslinieciskajā modē. 1730. gadi pārstāvēja rokoko attīstības augstumu Francijā, par ko liecina Antuāna Votē un Fransuā Buša darbi. Rokoko joprojām saglabāja baroka garšu sarežģītām formām un sarežģītiem rakstiem, taču līdz šim brīdim tas bija sācis integrēt dažādas īpašības, tostarp austrumu dizaina un asimetrisko kompozīciju garšu.

Rokoko stils izplatījās ar franču māksliniekiem un iegravētajām publikācijām. To viegli saņēma Vācijas, Bohēmijas un Austrijas katoļu daļās, kur tas tika apvienots ar dzīvajām vācu baroka tradīcijām. Vācu rokoko ar entuziasmu pielietoja baznīcām un pilīm, it īpaši dienvidos, savukārt Frederikāns rokoko attīstījās Prūsijas Karalistē.

Stilu pārstāv franču meistari Watteau, Boucher un Fragonard, kā arī Giovanni Battista Tiepolo un Jean-Baptiste-Siméon Chardin, kurus daži uzskatīja par 18. gadsimta labāko franču gleznotāju. Anti-rokoko. Portreti bija nozīmīga glezniecības sastāvdaļa visās valstīs, bet īpaši Anglijā, kur līderi bija Viljams Hogārts, trulā reālistiskā stilā, un Fransiss Heimens, Andželika Kaufmena (šveiciete), Tomass Ginsboro un Džošua Reinoldss vairāk glaimojošos stilos. ietekmē Anthony van Dyck. Francijā rokoko laikmetā Žans Batists Grīzs (Denisa Diderota iecienītākais gleznotājs) [45] izcēlās ar portretiem un vēstures gleznām, bet Moriss Kventins de La Tūrs un Elisabeta Vigē-Lēbruna bija augsti izcili portretu gleznotāji. La Tour specializējās pasteļglezniecībā, kas šajā laikā kļuva par populāru mediju.

Viljams Hogārts palīdzēja izveidot teorētisku pamatu rokoko skaistumam. Lai gan viņš ar nodomu neatsaucās uz kustību, viņš savā argumentācijā apgalvoja Skaistuma analīze (1753), ka rokoko redzamās viļņotās līnijas un S-līknes bija pamats žēlastībai un skaistumam mākslā vai dabā (atšķirībā no klasicisma taisnes vai apļa). Rokoko beigu sākums iestājās 17. gadsimta 60. gadu sākumā, kad tādi tēli kā Voltērs un Žaks Fransuā Blondels sāka izteikt savu kritiku par mākslas virspusību un deģenerāciju. Blondels nožēloja "smieklīgo čaumalu, pūķu, niedru, palmu un augu sajaukumu" mūsdienu interjerā. [46]

Līdz 1785. gadam rokoko Francijā bija izgājis no modes, un to aizstāja neoklasicisma mākslinieku, piemēram, Žaka Luisa Deivida, kārtība un nopietnība.

19. gadsimts: neoklasicisms, vēstures glezniecība, romantisms, impresionisms, postimpresionisms, simbolisms Rediģēt

Pēc rokoko radās 18. gadsimta beigās arhitektūrā un pēc tam glezniecībā smags neoklasicisms, ko vislabāk pārstāvēja tādi mākslinieki kā Dāvids un viņa mantinieks Ingress. Ingresa darbā jau ir daudz jutekliskuma, bet ne spontanitātes, kas raksturotu romantismu. Šī kustība pievērsa uzmanību ainavai un dabai, kā arī cilvēka figūrai un dabiskās kārtības pārākumam virs cilvēces gribas.Šajā koncepcijā ir panteistu filozofija (sk. Spinozu un Hēgelu), kas pretojas apgaismības ideāliem, redzot cilvēces likteni traģiskā vai pesimistiskā gaismā. Ideja, ka cilvēki nav augstāk par dabas spēkiem, ir pretrunā sengrieķu un renesanses ideāliem, kur cilvēce bija pāri visam un piederēja viņa liktenim. Šī domāšana lika romantiskiem māksliniekiem attēlot cildenās, izpostītās baznīcas, kuģu avārijas, slaktiņus un neprātu.

Līdz 19. gadsimta vidum gleznotāji atbrīvojās no savas patronāžas prasībām attēlot tikai ainas no reliģijas, mitoloģijas, portretiem vai vēstures. Ideja "māksla mākslas dēļ" sāka izpausties tādu gleznotāju darbos kā Fransisko de Goja, Džons Konstabls un J.M.W. Tērners. Romantiskie gleznotāji ainavu gleznošanu uzskatīja par svarīgu žanru, lai paustu cilvēces iedomību pretstatā dabas varenībai. Līdz tam ainavu glezniecība netika uzskatīta par vissvarīgāko žanru gleznotājiem (piemēram, portrets vai vēstures glezniecība). Bet tādi gleznotāji kā J.M.W. Tērneram un Kasparam Deividam Frīdriham izdevās ainavu glezniecību pacelt par izcilu konkurējošu vēstures gleznu. Daži no lielākajiem šī perioda gleznotājiem ir Ejēns Delakruā, Teodors Gerikāls, Dž. M. V. Tērners, Kaspars Deivids Frīdrihs un Džons Konstabils. Fransisko de Goja vēlīnais darbs demonstrē romantisma interesi par iracionālo, savukārt Arnolda Boklina darbs izraisa noslēpumainību, un estētiskās kustības mākslinieka Džeimsa Makneila Vistlera gleznas izraisa gan izsmalcinātību, gan dekadenci. Amerikas Savienotajās Valstīs romantiskā ainavu gleznošanas tradīcija bija pazīstama kā Hadsona upes skola: [47] eksponenti ir Tomass Kols, Frederika Edvina baznīca, Alberts Bīstštads, Tomass Morāns un Džons Frederiks Kensets. Luminisms bija kustība Amerikas ainavu glezniecībā, kas saistīta ar Hadsona upes skolu.

Vadošais Barbizonas skolas gleznotājs Kamille Korota gan romantiskā, gan reālistiskā veidā gleznoja savu darbu impresionismā, tāpat kā Eugēnas Budinas gleznas, kas bija viena no pirmajām franču ainavu gleznotājām, kura gleznoja brīvā dabā. Budīns bija arī nozīmīga ietekme uz jauno Klodu Monē, kuru 1857. gadā viņš iepazīstināja ar plenēra glezniecību. Galvenais spēks, kas gadsimta vidū pagriezās pret reālismu, bija Gustavs Kurbē. Gadsimta otrajā trešdaļā tādi impresionisti kā Ēdūrs Manē, Klods Monē, Pjērs Auguste Renuārs, Kamille Pisarro, Alfrēds Sislijs, Berta Morisota, Mērija Kasata un Edgars Degā strādāja ar tiešāku pieeju, nekā iepriekš tika izstādīti publiski. Viņi izvairījās no alegorijas un stāstījuma par labu individualizētām reakcijām uz mūsdienu pasauli, kas dažkārt tika uzgleznotas ar nelielu sagatavošanās darbu vai bez tā, paļaujoties uz zīmēšanas veiklību un ļoti hromatisko paleti. Manets, Degass, Renuārs, Morisots un Kasats galvenokārt koncentrējās uz cilvēku. Gan Manē, gan Degasa mūsdienu situācijās atkārtoti interpretēja klasiskos figurālos kanonus Manē gadījumā, pārdomām tika pievērsta naidīga sabiedrība. Renuārs, Morisots un Kasats iedvesmai pievērsās sadzīvei, Renoir koncentrējoties uz sievietes pliko. Monē, Pisarro un Sislijs izmantoja ainavu kā galveno motīvu, gaismas un laika apstākļu īslaicībai bija liela nozīme viņu darbā. Kamēr Sislijs visciešāk pieturējās pie sākotnējiem impresionistiskās ainavas uztveres principiem, Monē meklēja izaicinājumus arvien hromatiskākos un mainīgākos apstākļos, kas beidzās ar viņa Givernijā gleznoto monumentālo ūdensrožu darbu sēriju.

Pissarro pieņēma dažus postimpresionisma eksperimentus. Nedaudz jaunāki postimpresionisti, piemēram, Vinsents van Gogs, Pols Gogēns un Žoržs Seurats, kā arī Pols Sezans noveda mākslu līdz modernisma malai Gauguina impresionismam, atstāja vietu personiskai simbolikai. Seurats pārveidoja impresionisma salauzto krāsu zinātniski optiskā pētījumā. frīzēm līdzīgas kompozīcijas Van Goga nemierīgā krāsu uzklāšanas metode apvienojumā ar skanīgu krāsu izmantošanu, paredzams ekspresionisms un fovisms, un Sezans, vēloties apvienot klasisko kompozīciju ar revolucionāru dabisko formu abstrakciju, tiks uzskatīta par priekšteci. 20. gadsimta māksla. Impresionisma burvestība bija jūtama visā pasaulē, tostarp ASV, kur tā kļuva par neatņemamu amerikāņu impresionistu, piemēram, Childe Hassam, John Twachtman un Theodore Robinson, gleznu un Austrālijā, kur bija Heidelbergas skolas gleznotāji, piemēram, Arthur Streeton , Gleznoja Frederiks Makkubins un Čārlzs Konders lv plenērs un viņus īpaši interesēja Austrālijas ainava un gaisma. Tas ietekmēja arī gleznotājus, kuri teorētiski nebija impresionisti, piemēram, portretu un ainavu gleznotāju Džonu Singeru Sargentu. Tajā pašā laikā Amerikā 20. gadsimta mijā pastāvēja vietējais un gandrīz salu reālisms, kas bagātīgi iemiesots Tomasa Eikinsa tēlainajā darbā, Ašanas skolā, kā arī Vinslova Homēra ainavās un jūras ainavās. bija dziļi ieguldīti dabisko formu stabilitātē. Vizionārā ainava, kuras motīvs lielā mērā bija atkarīgs no nokturnas neskaidrības, atrada savus aizstāvjus Albertā Pinkham Ryder un Ralph Albert Blakelock.

19. gadsimta beigās pastāvēja arī vairākas, diezgan atšķirīgas simbolistu gleznotāju grupas, kuru darbi sasaucās ar 20. gadsimta jaunākajiem māksliniekiem, īpaši ar fovistiem un sirreālistiem. Viņu vidū bija Gustavs Moro, Odilons Redons, Pjērs Puviss de Šavanss, Anrī Fantins-Latūrs, Arnolds Boklins, Edvards Munks, Felikens Rops un Jans Toorops, kā arī Gustavs Klimts, tostarp tādi krievu simbolisti kā Mihails Vrubels.

Simbolistu gleznotāji meklēja mitoloģiju un sapņu attēlus, lai iegūtu vizuālu dvēseles valodu, meklējot aizraujošas gleznas, kas ienesa prātā statisku klusuma pasauli. Simbolismā izmantotie simboli nav pazīstamas galvenās ikonogrāfijas emblēmas, bet gan ļoti personiskas, privātas, neskaidras un neskaidras atsauces. Simbolistu gleznotāji vairāk bija filozofija nekā faktiskais mākslas stils, un tie ietekmēja mūsdienu jūgendstila kustību un Les Nabis. Izpētot sapņainus priekšmetus, gleznotāji simbolisti ir sastopami gadsimtiem ilgi un dažādās kultūrās, kā arī šodien Bernards Delvails ir aprakstījis Renē Magrites sirreālismu kā "Simbolisms plus Freids". [48]

20. gadsimta mūsdienu un mūsdienu red

Gleznotāju, piemēram, Van Goga, Sezana, Gogēna un Seurata mantojums bija būtisks mūsdienu mākslas attīstībai. 20. gadsimta sākumā Henrijs Matīss un vairāki citi jaunie mākslinieki radīja revolūciju Parīzes mākslas pasaulē ar “mežonīgām”, daudzkrāsainām, izteiksmīgām ainavām un figūru gleznām, ko kritiķi nosauca par fovismu. Pablo Pikaso veidoja savas pirmās kubisma gleznas, balstoties uz Sezana ideju, ka visu dabas attēlojumu var reducēt līdz trim cietvielām: kubam, sfērai un konusam.

20. gadsimta pionieri Edit

Gleznotāju, piemēram, Van Goga, Sezana, Gogēna un Seurata mantojums bija būtisks mūsdienu mākslas attīstībai. 20. gadsimta sākumā Henrijs Matīss un vairāki citi jauni mākslinieki, tostarp pirmskubists Žoržs Braks, Andrē Derains, Rauls Dufijs un Moriss de Vlaminks radīja revolūciju Parīzes mākslas pasaulē ar “mežonīgām”, daudzkrāsainām, izteiksmīgām ainavām un figūru. gleznas, kuras kritiķi nosauca par fovismu. Anrī Matisa otrā versija Deja nozīmē galveno punktu viņa karjerā un mūsdienu glezniecības attīstībā. [49] Tas atspoguļo Matīsa aizsākto aizraušanos ar primitīvo mākslu: intensīvās siltās krāsas uz vēsā zili zaļā fona un dejojošo aktu ritmiskā pēctecība izsaka emocionālās atbrīvošanās un hedonisma izjūtas. Pablo Pikaso veidoja savas pirmās kubisma gleznas, pamatojoties uz Sezana ideju, ka visu dabas attēlojumu var reducēt līdz trim cietvielām: kubam, sfērai un konusam. Ar gleznu Les Demoiselles d'Avignon 1907 Pikaso dramatiski radīja jaunu un radikālu attēlu, kurā tika attēlota neapstrādāta un primitīva bordeļa aina ar piecām prostitūtām, vardarbīgi krāsotām sievietēm, kas atgādināja Āfrikas cilšu maskas un viņa paša jaunos kubistu izgudrojumus. analītisko kubismu kopīgi izstrādāja Pablo Pikaso un Žoržs Brakē, kā piemēru var minēt Vijole un svečturis, Parīze, aptuveni no 1908. līdz 1912. gadam. Analītiskajam kubismam, pirmajai skaidrajai kubisma izpausmei, sekoja sintētiskais kubisms, ko 1920. gados praktizēja Brakē, Pikaso, Fernands Lēgers, Huans Grīzs, Alberts Gleizs, Marsels Dišamps un neskaitāmi citi mākslinieki. Sintētisko kubismu raksturo dažādu faktūru, virsmu, kolāžu elementu, papīrkollē un daudz dažādu apvienotu priekšmetu ieviešana.

Les Fauves (franču val Savvaļas zvēri) bija 20. gadsimta sākuma gleznotāji, eksperimentējot ar vārda brīvību, izmantojot krāsu. Nosaukumu humoristiski un nevis kā komplimentu grupai piešķīra mākslas kritiķis Luiss Vauksels. Fovisms bija īslaicīga un brīva 20. gadsimta sākuma mākslinieku grupa, kuras darbos tika uzsvērtas gleznieciskās īpašības, un tēlaina dziļas krāsas izmantošana pār reprezentatīvajām vērtībām. Fovisti padarīja gleznas priekšmetu viegli lasāmu, pārspīlētas perspektīvas un interesantu priekšlaicīgu fauvu pareģojumu 1888. gadā Pols Gogēns izteica Pālam Serūzjē,

"Kā jūs redzat šos kokus? Tie ir dzelteni. Tātad, ielieciet dzeltenā krāsā šo ēnu, drīzāk zilo, krāsojiet to ar tīru ultramarīnu šīm sarkanajām lapām? Ielieciet vermiljonu."

Kustības līderi bija Anrī Matīss un Andrē Derains - draudzīgi konkurenti, katrs ar saviem sekotājiem. Galu galā Matīss kļuva par jaņ pie Pikaso 20. gadsimtā. Fovistu gleznotāju vidū bija Alberts Markets, Čārlzs Kamoins, Moriss de Vlaminks, Rauls Dufijs, Otons Frīzs, holandiešu gleznotājs Kīss van Dongens un Pikaso partneris kubismā, Žoržs Braks. [50] Fovismam kā kustībai nebija konkrētu teoriju, un tas bija īslaicīgs, sākot ar 1905. gadu un beidzot ar 1907. gadu, viņiem bija tikai trīs izstādes. Matīss tika uzskatīts par kustības vadītāju, ņemot vērā viņa vecumu un iepriekšējo pašizveidošanos akadēmiskajā mākslas pasaulē. Viņa 1905. gada Mme portrets. Matīss Zaļā līnija, (iepriekš), izraisīja sensāciju Parīzē, kad tā pirmo reizi tika izstādīta. Viņš teica, ka vēlas radīt mākslu, lai iepriecinātu mākslu, jo dekorācija bija viņa mērķis, un var teikt, ka viņa spilgto krāsu izmantošana cenšas saglabāt kompozīcijas rāmumu. 1906. gadā pēc sava tirgotāja Ambroise Vollard ieteikuma Andrē Derains devās uz Londonu un izgatavoja virkni gleznu, piemēram, Čaringkrosa tilts, Londona (iepriekš) fovistiskā stilā, pārfrāzējot slavenā impresionistu gleznotāja Kloda Monē sēriju. Meistari, piemēram, Anrī Matīss un Pjērs Bonnārs, 20. gadsimtā turpināja attīstīt savu stāstīšanas stilu neatkarīgi no jebkādas kustības.

Līdz 1907. gadam fovisms vairs nebija šokējoša jauna kustība, drīz to kritiķu radaru ekrānā aizstāja kubisms, kas bija tā laika jaunākā jaunākā attīstība. 1907. gadā Appolinaire, komentējot par Matisu rakstā, kas publicēts žurnālā La Falange, sacīja: "Mēs neesam šeit ekstravaganta vai ekstrēmiska apņemšanās klātbūtnē: Matīsa māksla ir ārkārtīgi saprātīga." [51] Analītisko kubismu kopīgi izstrādāja Pablo Pikaso un Žoržs Brakē apmēram no 1908. līdz 1912. gadam. Analītiskajam kubismam, pirmajai skaidrai kubisma izpausmei, sekoja sintētiskais kubisms, ko praktizēja Brakē, Pikaso, Fernands Lēgers, Huans Grīzs, Alberts Gleizs , Marsels Dišems un neskaitāmi citi mākslinieki 20. gados. Sintētisko kubismu raksturo dažādu faktūru, virsmu, kolāžu elementu, papīrkollē un daudz dažādu apvienotu priekšmetu ieviešana.

Laikā no 1910. gada līdz Pirmā pasaules kara beigām un pēc kubisma uzplaukuma Parīzē parādījās vairākas kustības. Džordžo De Čiriko 1911. gada jūlijā pārcēlās uz Parīzi, kur pievienojās savam brālim Andrea (dzejnieks un gleznotājs, pazīstams kā Alberto Savinio). Ar brāļa starpniecību viņš satika Pjēru Lapradi, žūrijas locekli, Salon d'Automne, kur viņš izstādīja trīs savus sapņainos darbus: Orākula mīkla, Pēcpusdienas mīkla un Pašportrets. 1913. gadā viņš izstādīja savus darbus Salon des Indépendants un Salon d'Automne, viņa darbu pamanīja Pablo Pikaso un Gijoms Apolinārs un vairāki citi. Viņa pārliecinošās un noslēpumainās gleznas tiek uzskatītas par svarīgām sirreālisma pirmsākumiem. 20. gadsimta pirmajā pusē Eiropā tādi meistari kā Žoržs Braks, Andrē Derains un Džordžo De Čiriko turpināja gleznot neatkarīgi no jebkādām kustībām.

Modernās mākslas pionieri Rediģēt

Andrē Derains, 1905. Žāvēšanas buras (Le séchage des voiles), Fovisms

Edvards Munks, Marata I nāve (1907), ekspresionisma piemērs

20. gadsimta pirmajās divās desmitgadēs un pēc kubisma parādījās vairākas citas svarīgas kustības - futūrisms (Balla), abstraktā māksla (Kandinskis), Der Blaue Reiter), Bauhaus, (Kandinsky) un (Klee), orfisms, (Robert Delaunay and Františeks Kupka), sinhronisms (Morgan Russell), De Stijl (Mondrian), suprematisms (Malevich), konstruktīvisms (Tatlin), dadaisms (Duchamp, Picabia, Arp) un sirreālisms (De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst) ). Mūsdienu glezniecība ietekmēja visu vizuālo mākslu, sākot no modernisma arhitektūras un dizaina, beidzot ar avangarda kino, teātri un mūsdienu deju, un kļuva par eksperimentālu laboratoriju vizuālās pieredzes izpausmei, sākot no fotogrāfijas un konkrētas dzejas līdz reklāmas mākslai un modei. Van Goga glezna lielā mērā ietekmēja 20. gadsimta ekspresionismu, kā to var redzēt Fauves, Die Brücke (grupa, kuru vadīja vācu gleznotājs Ernsts Kirhners) un Edvarda Munka, Egona Šēla, Marka Šagāla, Amedeo ekspresionismā. Modigliani, Chaim Soutine un citi ..

Vasīlijs Kandinskis, krievu gleznotājs, grafikas mākslinieks un mākslas teorētiķis, viens no slavenākajiem 20. gadsimta māksliniekiem, parasti tiek uzskatīts par pirmo nozīmīgo mūsdienu abstraktās mākslas gleznotāju. Būdams agrīnais modernists, meklējot jaunus vizuālās izteiksmes veidus un garīgo izteiksmi, viņš, tāpat kā mūsdienu okultisti un teosofi, izvirzīja teoriju, ka tīrai vizuālajai abstrakcijai ir līdzīgas skaņas un mūzikas vibrācijas. Viņi apgalvoja, ka tīra abstrakcija var izteikt tīru garīgumu. Viņa agrākās abstrakcijas parasti tika nosauktas kā piemērs (augšējā galerijā) Sastāvs VII, veidojot saikni ar mūzikas komponistu darbu. Kandinskis savā grāmatā iekļāva daudzas savas teorijas par abstrakto mākslu Par garīgo mākslā. Roberts Delaunajs bija franču mākslinieks, kurš saistīts ar orfismu (atgādina saikni starp tīru abstrakciju un kubismu). Viņa vēlākie darbi bija abstraktāki, atgādinot Polu Klē. Viņa galvenie ieguldījumi abstraktā glezniecībā attiecas uz viņa drosmīgo krāsu izmantošanu un nepārprotamo mīlestību eksperimentēt gan dziļumā, gan tonī. Pēc Vasilija Kandinska uzaicinājuma Delaunajs un viņa sieva māksliniece Sonija Delaunaja 1911. gadā pievienojās Minhenē bāzētajai abstrakto mākslinieku grupai The Blue Rider (Der Blaue Reiter), un viņa māksla pievērsās abstraktai. [52]

Citi galvenie agrīnās abstrakcijas pionieri ir krievu gleznotājs Kasimirs Maļevičs, kurš pēc Krievijas revolūcijas 1917. gadā un pēc staļiniskā režīma spiediena 1924. gadā atgriezās pie tēlu gleznošanas un Lauku zemnieki un strādnieki, un Šveices gleznotājs Pols Klē, kura meistarīgie krāsu eksperimenti padarīja viņu par nozīmīgu abstraktās glezniecības pionieri Bauhausā. Vēl citi nozīmīgi abstraktās glezniecības pionieri ir zviedru māksliniece Hilma af Klint, čehu gleznotājs Františeks Kupka, kā arī amerikāņu mākslinieki Stantons Makdonalds-Raits un Morgans Rasels, kuri 1912. gadā nodibināja sinhromismu-mākslas kustību, kas ļoti līdzinās orfismam.

Ekspresionisms un Simbolisms ir plašas rubrikas, kas ietver vairākas svarīgas un saistītas kustības 20. gadsimta glezniecībā, kas dominēja lielākajā daļā Rietumu, Austrumu un Ziemeļeiropas veidotās avangarda mākslas. Ekspresionisma darbi tika gleznoti galvenokārt laikā no Pirmā pasaules kara līdz Otrajam pasaules karam, galvenokārt Francijā, Vācijā, Norvēģijā, Krievijā, Beļģijā un Austrijā. Ekspresionisma mākslinieki ir saistīti gan ar sirreālismu, gan ar simbolismu un katrs ir unikāli un nedaudz ekscentriski personisks. Fovisms, Die Brücke un Der Blaue Reiter ir trīs no pazīstamākajām ekspresionistu un simbolistu gleznotāju grupām.

Mākslinieki tikpat interesanti un daudzveidīgi kā Marks Šagāls, kura glezna Es un Ciems, (iepriekš) ar autobiogrāfisku stāstu, kas pēta attiecības starp mākslinieku un viņa izcelsmi, ar mākslinieciskās simbolikas leksiku. Gustavs Klimts, Egons Šīle, Edvards Munks, Emīls Nolde, Čeims Sautins, Džeimss Ensors, Oskars Kokoska, Ernsts Ludvigs Kirhners, Makss Bekmans, Francs Marks, Kīts Šmits Kolvics, Žoržs Rū, Amedeo Modigliani un daži amerikāņi ārzemēs, piemēram, Marsens Hartlijs un Stjuarts Deiviss tika uzskatīti par ietekmīgiem ekspresionisma gleznotājiem. Lai gan Alberto Džakometi galvenokārt tiek uzskatīts par intensīvu sirreālisma tēlnieku, viņš veidoja arī intensīvas ekspresionisma gleznas.

Abstrakcijas pionieri Rediģēt

Piet Mondrian māksla bija saistīta arī ar viņa garīgajām un filozofiskajām studijām. 1908. gadā viņš sāka interesēties par teosofisko kustību, kuru 19. gadsimta beigās uzsāka Helēna Petrovna Blavatska. Blavatskis uzskatīja, ka ir iespējams iegūt dziļākas zināšanas par dabu, nekā tās, ko sniedz empīriski līdzekļi, un lielu daļu Mondriāna darbu līdz mūža galam iedvesmoja viņa meklējumi pēc šīm garīgajām zināšanām.

De Stijl, pazīstams arī kā neoplasticism, bija holandiešu mākslinieciskā kustība, kas dibināta 1917. gadā De Stijl tiek lietots, lai apzīmētu Nīderlandē dibinātu darbu kopumu no 1917. līdz 1931. gadam. [53] [54]

De Stijl ir arī žurnāla nosaukums, ko publicēja nīderlandiešu gleznotājs, dizainers, rakstnieks un kritiķis Teo van Doisburgs, izplatot grupas teorijas. Līdzās van Doisburgam grupas galvenie dalībnieki bija gleznotāji Pīts Mondriāns, Vilmos Husārs un Barts van der Leks, kā arī arhitekti Gerits Rietvelds, Roberts van Hofs un J. J. P. Ouds. Mākslinieciskā filozofija, kas veidoja pamatu grupas darbam, ir pazīstama kā neoplastika - jaunā plastiskā māksla (vai Nieuwe Beelding holandiešu valodā).

De Stijl piekritēji centās izteikt jaunu utopisku garīgās harmonijas un kārtības ideālu. Viņi iestājās par tīru abstrakciju un universālumu, samazinot formas un krāsu būtību, kā arī vienkāršoja vizuālās kompozīcijas vertikālā un horizontālā virzienā un izmantoja tikai primārās krāsas kopā ar melnbalto.Patiešām, saskaņā ar Teita galerijas tiešsaistes rakstu par neoplastiku, pats Mondrians šīs norobežojumus izklāsta savā esejā "Neoplastika attēla mākslā". Viņš raksta: ". Šī jaunā plastiskā ideja ignorēs izskata detaļas, tas ir, dabisko formu un krāsu. Gluži pretēji, tai vajadzētu izpausties formas un krāsas abstrakcijā, tas ir, taisna līnija un skaidri noteikta pamatkrāsa. " Teita rakstā tālāk ir apkopots, ka šī māksla pieļauj "tikai primārās krāsas un nekrāsas, tikai kvadrātus un taisnstūrus, tikai taisnu un horizontālu vai vertikālu līniju". [55] Gugenheima muzeja tiešsaistes rakstā par De Stijlu šīs iezīmes ir apkopotas līdzīgi: "Tas [De Stijl] tika balstīts uz taisnes, kvadrāta un taisnstūra ģeometrijas pamatprincipu, apvienojumā ar spēcīgu asimetriju. pārsvarā izmantot tīras pamatkrāsas ar melnbaltu un attiecības starp pozitīvajiem un negatīvajiem elementiem neobjektīvu formu un līniju izkārtojumā. " [56]

De Stijl kustību ietekmēja kubistu glezniecība, kā arī misticisms un idejas par "ideālām" ģeometriskām formām (piemēram, "perfekta taisna līnija") matemātiķa M. H. J. Šēnmaikera neoplatoniskajā filozofijā. De Stijl darbi ietekmētu Bauhaus stilu un starptautisko arhitektūras stilu, kā arī apģērbu un interjera dizainu. Tomēr tas neievēroja "isma" vispārējās vadlīnijas (kubisms, futūrisms, sirreālisms), kā arī neievēroja tādas mākslas skolu principus kā Bauhaus - tas bija kolektīvs projekts, kopuzņēmums.

Dada un sirreālisms Rediģēt

Marcel Duchamp, ieguva starptautisku atpazīstamību pēc viņa bēdīgi slavenajiem panākumiem Ņujorkas Armory Show 1913. gadā (drīz pēc tam, kad viņš nosodīja šaha mākslu). Pēc tam, kad Dišampa pliks lejup pa kāpnēm kļuva par starptautisku lietu svinētāju Ņujorkas 1913. gada Armory šovā Līgava viņas vecpuišiem izģērba kailu, vienmērīgu, lielu stiklu. The Liels stikls pavirzīja glezniecības mākslu uz radikālām jaunām robežām - daļēji gleznošana, daļēji kolāža, daļēji konstrukcija. Dišamps kļuva cieši saistīts ar Dada kustību, kas sākās neitrālā Cīrihē, Šveicē, Pirmā pasaules kara laikā un sasniedza maksimumu no 1916. līdz 1920. gadam. Kustība galvenokārt ietvēra vizuālo mākslu, literatūru (dzeja, mākslas manifesti, mākslas teorija), teātri un grafisko dizainu. un koncentrēja savu pretkara politiku, noraidot mākslā valdošos standartus, izmantojot pretmākslas kultūras darbus. Ar dadaistu kustību ir saistīti Francis Pikabija, Man Rejs, Kurts Švitters, Tristans Tzara, Hanss Rihters, Žans Arps, Sofija Taibere-Arpa, kā arī Dišems un daudzi citi. Dišamps un vairāki dadaisti ir saistīti arī ar sirreālismu - kustību, kas 20. un 30. gados dominēja Eiropas glezniecībā.

1924. gadā Andrē Bretons publicēja Sirreālistu manifests. Sirreālistu kustība glezniecībā kļuva par sinonīmu avangardam un tajā bija mākslinieki, kuru darbi bija dažādi-no abstrakta līdz superreālistam. Ar darbiem uz papīra, piemēram Mašīna ātri griežas, (iepriekš) Francis Picabia turpināja iesaistīties Dada kustībā līdz 1919. gadam Cīrihē un Parīzē, pirms atdalījās no tās pēc intereses par sirreālisma mākslu attīstīšanas. Yves Tanguy, René Magritte un Salvador Dalí ir īpaši pazīstami ar reālistiskiem sapņu tēlojumiem un fantastiskām iztēles izpausmēm. Džoana Miro Apstrādāts lauks 1923. - 1924. gada robežas ar abstrakciju, šī agrīnā priekšmetu un figūru kompleksa glezna un seksuāli aktīvo varoņu aranžējumi bija Miro pirmais sirreālisma šedevrs. [57] Miro Apstrādāts lauks satur arī vairākas paralēles Bosch Zemes prieku dārzs: līdzīgi putnu ganāmpulku baseini, no kuriem iznāk dzīvās radības, un lielizmēra bezķermeniskas ausis, viss sasaucas ar holandiešu meistara darbu, ko Miro redzēja kā jauns gleznotājs Prado. Abstraktākie Joan Miró, Jean Arp, André Masson un Max Ernst bija ļoti ietekmīgi, it īpaši Amerikas Savienotajās Valstīs 40. gados. Visā pagājušā gadsimta trīsdesmitajos gados sirreālisms kļuva arvien redzamāks sabiedrībai kopumā. Lielbritānijā attīstījās sirreālistu grupa, un, pēc Bretona teiktā, viņu 1936. gada Londonas starptautiskā sirreālistu izstāde bija šī perioda augsta ūdens zīme un kļuva par paraugu starptautiskām izstādēm. Sirreālistu grupas Japānā un jo īpaši Latīņamerikā, Karību jūras reģionā un Meksikā ražoja novatoriskus un oriģinālus darbus.

Dalī un Magritte radīja dažus no visplašāk atpazītajiem kustības attēliem. Glezna 1928./1929 Šī nav caurule, rakstīja Magritte, ir Mišela Fuko 1973. gada grāmatas priekšmets, Šī nav caurule (Angļu izdevums, 1991), kurā apskatīta glezna un tās paradokss. Dalī pievienojās grupai 1929. gadā un piedalījās straujā vizuālā stila izveidē laikā no 1930. līdz 1935. gadam.

Sirreālisms kā vizuāla kustība bija atradis metodi: atklāt psiholoģisko patiesību, atņemot parastiem priekšmetiem to parasto nozīmi, lai radītu pārliecinošu tēlu, kas neatbilst parastajai formālajai organizācijai, un uztveri, dažreiz izraisot skatītājā empātiju, dažreiz smieklus un dažreiz sašutums un apjukums.

1931. gads bija gads, kad vairāki sirreālistu gleznotāji radīja darbus, kas iezīmēja pagrieziena punktus to stilistiskajā evolūcijā: vienā piemērā šķidrās formas kļūst par Dalī preču zīmi, īpaši Atmiņas noturība, kurā redzams pulksteņu tēls, kas nokrīt tā, it kā tie kūst. Laika piesaisti un tā pārliecinošais noslēpums un absurds. [58]

Šī stila iezīmes - attēlojošā, abstraktā un psiholoģiskā kombinācija - aizstāvēja atsvešinātību, ko daudzi cilvēki izjuta modernisma laikmetā, apvienojumā ar sajūtu, ka dziļāk jāiekļauj psihe. vesels ar savu individualitāti. "

Makss Ernsts, kura 1920. gada glezna Slepkavības lidmašīna, studēja filozofiju un psiholoģiju Bonnā un interesējās par ārprātīgo pieredzētajām alternatīvajām realitātēm. Viņa gleznas, iespējams, iedvesmojis psihoanalītiķa Zigmunda Freida pētījums par paranoja Daniela Pola Šrēbera maldiem. Freids Šrebera fantāziju kļūt par sievieti identificēja kā kastrācijas komplekss. Divu kāju pāru centrālais attēls attiecas uz Šrebera hermafrodītiskajām vēlmēm. Ernsta uzraksts gleznas aizmugurē ir šāds: Attēls ir interesants simetrijas dēļ. Abi dzimumi līdzsvaro viens otru. [59]

Divdesmitajos gados Andrē Masona darbs bija ārkārtīgi ietekmīgs, palīdzot tikko Parīzē ieradušajam un jaunajam māksliniekam Džoanam Miro atrast saknes jaunajā sirreālisma gleznā. Miro vēstulēs savam tirgotājam Pjēram Matīsam atzina, ka Masons viņam ir piemērs pirmajos Parīzes gados.

Ilgi pēc tam, kad personiskā, politiskā un profesionālā spriedze ir sadrumstalojusi sirreālistu grupu gaisā un ēterī, Magritte, Miró, Dalí un citi sirreālisti turpina definēt vizuālo programmu mākslā. Citi izcili sirreālistu mākslinieki ir Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning un Leonor Fini.

Pirms un pēc kara Rediģēt

Der Blaue Reiter bija vācu kustība, kas pastāvēja no 1911. Bleils, Ērihs Hekels, Ernsts Ludvigs Kirhners un Kārlis Šmits-Rotlufs. Vēlāk biedru vidū bija Makss Pečšteins, Oto Millers un citi. Grupa bija viena no vissvarīgākajām grupām, kas noteiktā laikā būtiski ietekmēja mūsdienu mākslas attīstību 20. gadsimtā un radīja ekspresionisma stilu. [60]

Vasilijs Kandinskis, Francs Marks, Augusts Makke, Aleksejs fon Dāvlenskis, kura psihiski izteiksmīgā krievu dejotāja glezna Aleksandra Saharofa portrets, 1909. gads atrodas galerijā augstāk, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger un citi nodibināja Der Blaue Reiter grupu, reaģējot uz Kandinska gleznas noraidīšanu Pēdējais spriedums no izstādes. Der Blaue Reiter trūka centrālā mākslinieciskā manifesta, bet tā centrā bija Kandinskis un Mārcis. Tika iesaistīti arī mākslinieki Gabriele Münter un Paul Klee.

Kustības nosaukums cēlies no Kandinska gleznas, kas radīta 1903. gadā. Tiek arī apgalvots, ka nosaukums varētu būt cēlies no Mārča aizraušanās ar zirgiem un Kandinska mīlestības pret zilo krāsu. Kandinska vārdā, zils ir garīguma krāsa: jo tumšāks ir zils, jo vairāk tas pamodina cilvēka vēlmi pēc mūžīgā.

ASV laika posmā starp Pirmo un Otro pasaules karu gleznotājiem bija tendence doties uz Eiropu atzīšanai. Tādi mākslinieki kā Marsdens Hārtlijs, Patriks Henrijs Brūss, Džeralds Mērfijs un Stjuarts Deiviss radīja reputāciju ārzemēs. Ņujorkā Alberts Pinkham Ryder un Ralph Blakelock bija ietekmīgas un nozīmīgas personības progresīvā amerikāņu glezniecībā laikā no 1900. līdz 1920. gadam. 20. gadsimta 20. gados fotogrāfs Alfrēds Stīglics izstādīja Džordžiju O'Kīfu, Artūru Dovu, Alfrēdu Henriju Mureru, Čārlzu Demutu, Džonu Marinu un citi mākslinieki, tostarp Eiropas meistari Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne un Pablo Picasso, savā galerijā 291.

Sociālā apziņa Rediģēt

20. un 30. gados un Lielajā depresijā, sirreālisms, vēlais kubisms, Bauhaus, De Stijl, Dada, vācu ekspresionisms, ekspresionisms un tādi modernisti un meistarīgi krāsu gleznotāji kā Anrī Matīss un Pjērs Bonnārs raksturoja Eiropas mākslas ainu. Vācijā Makss Bekmans, Oto Diks, Džordžs Gross un citi politizēja savas gleznas, paredzot Otrā pasaules kara iestāšanos. Kamēr Amerikā mākslas pasaulē dominēja amerikāņu ainas un sociālā reālisma un reģionālisma kustības, kurās bija gan politiski, gan sociāli komentāri. Ievērojami kļuva tādi mākslinieki kā Bens Šons, Tomass Hārts Bentons, Grants Vuds, Džordžs Tūkers, Džons Stjuarts Karijs, Reginalds Māršs un citi. Latīņamerikā, izņemot urugvajiešu gleznotāju Joaquín Torres García un Rufino Tamayo no Meksikas, sienu gleznotāju kustība ar Djego Rivera, Deividu Siqueirosu, Hosē Orozko, Pedro Nel Gómez un Santiago Martinez Delgado un Frīdas Kahlo simbolistu gleznas sāka mākslas renesansi. reģionā, izmantojot krāsu un vēsturiskus un politiskus vēstījumus. Frīdas Kahlo Simbolistu darbi arī ir cieši saistīti ar sirreālismu un burvju reālisma kustību literatūrā. Psiholoģiskā drāma daudzos Kahlo pašportretos (iepriekš) uzsver viņas gleznu vitalitāti un atbilstību 21. gadsimta māksliniekiem.

Amerikāņu gotika ir Granta Vuda glezna no 1930. gada. Glezniecības gotikas stila mājas priekšā attēlojot zemnieku un jaunāku sievieti, tas ir viens no pazīstamākajiem 20. gadsimta amerikāņu mākslas attēliem. Mākslas kritiķiem bija labvēlīgi viedokļi par gleznu, piemēram, Ģertrūdei Šteinai un Kristoferam Morlijam, viņi uzskatīja, ka glezna ir domāta lauku mazpilsētu dzīves satīrai. Tādējādi tas tika uzskatīts par daļu no tendences arvien kritiskāk attēlot Amerikas laukus, līdzīgi kā Šervuds Andersons. 1919 Vinesburga, Ohaio, Sinklēra Lūisa 1920 Galvenā iela, un Kārļa Van Vehtena Tetovētā grāfiene literatūrā. [61] Tomēr, sākoties Lielajai depresijai, glezna tika uztverta kā nelokāma amerikāņu pionieru gara attēlojums.

Djego Rivera, iespējams, sabiedrībā ir vislabāk pazīstama ar savu 1933. gada gleznu "Cilvēks krustcelēs", kas atrodas Rokfellera centra RCA ēkas vestibilā. Kad viņa patrons Nelsons Rokfellers atklāja, ka sienas gleznojumā ir Vladimira Ļeņina portrets un citi komunistu attēli, viņš atlaida Rivera, un nepabeigto darbu galu galā iznīcināja Rokfellera darbinieki. Filma Šūpulis Vils Roks ietver domstarpību dramatizāciju. Frīdas Kahlo (Riveras sievas) darbus bieži raksturo to skarbie sāpju attēlojumi. No viņas 143 gleznām 55 ir pašportreti, kuros bieži iekļauti viņas fizisko un psiholoģisko brūču simboliski attēlojumi. Kahlo dziļi ietekmēja Meksikas pamatiedzīvotāju kultūra, kas ir redzama viņas gleznu spilgtajās krāsās un dramatiskajā simbolikā. Viņas darbā bieži tiek attēlotas kristiešu un ebreju tēmas, kā arī viņa apvienoja klasiskās Meksikas reliģiskās tradīcijas elementus, kas bieži bija asiņaini un vardarbīgi, ar sirreālistiskiem atveidojumiem. Lai gan viņas gleznas nav atklāti kristīgas, tās noteikti satur reibinošu Meksikas kristīgā stila elementus.

Politiskā aktivitāte bija svarīga Deivida Siqueiros dzīves sastāvdaļa un bieži iedvesmoja viņu atlikt savu māksliniecisko karjeru. Viņa māksla bija dziļi iesakņojusies Meksikas revolūcijā - vardarbīgā un haotiskā periodā Meksikas vēsturē, kurā dažādas sociālās un politiskās frakcijas cīnījās par atzīšanu un varu. Laika posms no 20. līdz 50. gadiem ir pazīstams kā Meksikas renesanse, un Siqueiros aktīvi centās radīt mākslu, kas vienlaikus bija meksikāņu un universāla. Viņš īsi atteicās no gleznošanas, lai koncentrētos uz kalnraču organizēšanu Jalisco.

Pasaules konflikts Rediģēt

Gados radikāli kreisā politika raksturoja daudzus ar sirreālismu saistītos māksliniekus, tostarp Pablo Pikaso. [62] 1937. gada 26. aprīlī Spānijas pilsoņu kara laikā Basku pilsētā Gernikā notika nacistiskās Vācijas Luftwaffe kondoru leģiona "Gernikas bombardēšana". Vācieši uzbruka, lai atbalstītu Fransisko Franko centienus gāzt Basku valdību un Spānijas republikāņu valdību. Pilsēta bija izpostīta, lai gan Biskajas asambleja un Gernikas ozols izdzīvoja. Pablo Pikaso gleznoja sienas gleznojumu Gērnika bombardēšanas šausmu piemiņai.

Galīgajā formā, Gērnika ir milzīgs melnbalts, 3,5 metrus (11 pēdas) garš un 7,8 metrus (26 pēdas) plats sienas gleznojums, kas krāsots eļļā. Glezna attēlo nāves, vardarbības, brutalitātes, ciešanu un bezpalīdzības ainu, neatspoguļojot to tiešos cēloņus. Izvēle gleznot melnbaltā krāsā kontrastē ar attēlotās ainas intensitāti un atsaucas uz avīzes fotogrāfijas neatliekamību. [63] Pikaso uzgleznoja gleznas izmēra gleznu ar nosaukumu Gērnika protestējot pret bombardēšanu. Glezna pirmo reizi tika izstādīta Parīzē 1937. gadā, pēc tam Skandināvijā, pēc tam Londonā 1938. gadā un visbeidzot 1939. gadā pēc Pikaso lūguma glezna tika nosūtīta uz ASV ar pagarinātu aizdevumu (glabāšanai) MoMA. Glezna devās ekskursijā pa muzejiem visā ASV, līdz tā beidzot atgriezās Ņujorkas Modernās mākslas muzejā, kur tā tika izstādīta gandrīz trīsdesmit gadus. Visbeidzot, saskaņā ar Pablo Pikaso vēlmi uzdāvināt gleznu Spānijas iedzīvotājiem, tā tika nosūtīta uz Spāniju 1981. gadā.

Trīsdesmito gadu lielās depresijas laikā līdz Otrā pasaules kara gadiem amerikāņu mākslu raksturoja sociālisms un amerikāņu ainas gleznošana Granta Vuda, Edvarda Hoppera, Bena Šāna, Tomasa Harta Bentona un vairāku citu darbos. Nighthawks (1942) ir Edvarda Hoppera glezna, kurā attēloti cilvēki, kas vēlu vakarā sēž centra ēdnīcā. Tā ir ne tikai Hoppera slavenākā glezna, bet arī viena no atpazīstamākajām Amerikas mākslā. Pašlaik tas atrodas Čikāgas Mākslas institūta kolekcijā. Ainu iedvesmoja ēdnīca (kopš nojaukšanas) Griničas ciematā, Hoppera mājas apkārtnē Manhetenā. Hopers sāka to gleznot uzreiz pēc uzbrukuma Pērlhārborai. Pēc šī notikuma pār valsti bija liela drūmuma sajūta, sajūta, kas attēlota gleznā. Ārpus ēdnīcas pilsētas iela ir tukša, un iekšpusē neviens no trim apmeklētājiem acīmredzot neskatās un nerunā ar citiem, bet ir apmaldījies savās domās. Šis mūsdienu pilsētas dzīves attēlojums kā tukšs vai vientuļš ir kopīga tēma visā Hoppera darbā.

Mākslinieku dinamika Eiropā trīsdesmitajos gados strauji pasliktinājās, palielinoties nacistu varai Vācijā un visā Austrumeiropā. Klimats kļuva tik naidīgs māksliniekiem un mākslai, kas saistīta ar modernismu un abstrakciju, ka daudzi aizbrauca uz Ameriku. Deģenerēta māksla bija termins, ko Vācijā pieņēma nacistu režīms praktiski visai mūsdienu mākslai. Šāda māksla tika aizliegta, pamatojoties uz to, ka tai nebija vāciešu vai ebreju boļševistu, un par deģenerētiem māksliniekiem tika piemērotas sankcijas. Tie ietvēra atlaišanu no skolotāja amata, aizliegumu izstādīt vai pārdot savu mākslu un dažos gadījumos aizliegt pilnībā radīt mākslu.

Deģenerēta māksla bija arī izstādes nosaukums, ko 1937. gadā Minhenē uzcēla nacisti, kas sastāvēja no haotiski piekārtiem modernisma mākslas darbiem un ko papildināja mākslu izsmeļošas teksta etiķetes. Izstāde, kas radīta, lai iedvesmotu sabiedrības viedokli pret modernismu, vēlāk devās uz vairākām citām Vācijas un Austrijas pilsētām. Vācu mākslinieks Makss Bekmans un daudzi citi aizbēga no Eiropas uz Ņujorku. Ņujorkā jaunā un aizraujošā modernisma gleznotāju paaudze, kuru vadīja Aršils Gorkijs, Vilems de Kūnings un citi, tikai sāka pilngadību.

Aršila Gorkija portrets par kādu, kas varētu būt Vilems de Kūnings (iepriekš), ir piemērs abstraktā ekspresionisma evolūcijai no figūru glezniecības, kubisma un sirreālisma konteksta. Kopā ar saviem draugiem de Kūnings un Džons D. Greiems Gorkijs radīja biomorfiskas formas un abstraktas figurālās kompozīcijas, kuras līdz 40. gadiem pārtapa par pilnīgi abstraktām gleznām. Šķiet, ka Gorkija darbs ir rūpīga atmiņas, emociju un formas analīze, izmantojot līniju un krāsu, lai izteiktu sajūtas un dabu.

Ceļā uz gadsimta vidus Rediģēt

20. gadsimta 40. gadi Ņujorkā vēstīja par amerikāņu abstraktā ekspresionisma triumfu - modernistu kustību, kas apvienoja Henri Matisa, Pablo Pikaso, sirreālisma, Džoana Miro, kubisma, fovisma un agrīnā modernisma gūto pieredzi, izmantojot lieliskus skolotājus Amerikā, piemēram, Hansu Hofmani un Džonu D. Greiems. Amerikāņu māksliniekiem par labu nāca Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst un André Breton grupa, Pierre Matisse galerija un Peggy Guggenheim galerija Šī gadsimta māksla, kā arī citi faktori. Frānsisa Bēkona, Frīdas Kahlo, Edvarda Hoppera, Lūcijana Freida, Endrū Vaita un citu figurālais darbs kalpoja kā sava veida alternatīva abstraktam ekspresionismam.

Pēc Otrā pasaules kara amerikāņu glezniecībā, ko sauca par abstraktu ekspresionismu, bija tādi mākslinieki kā Džeksons Polloks, Vilems de Kūnings, Aršila Gorkija, Marks Rotko, Hanss Hofmans, Klifords Stils, Francs Klīns, Ādolfs Gotlībs, Marks Tobejs, Bārnets Ņūmens, Džeimss Brūkss, Filips Gustons, Cita starpā Roberts Māmvels, Konrāds Marka-Rellijs, Džeks Tworkovs, Viljams Baziotes, Ričards Pošets-Dārts, Ads Reinhards, Heda Sterna, Džimijs Ernsts, Estebans Visente, Bredlijs Volkers Tomlins un Teodors Stamoss. Amerikāņu abstraktais ekspresionisms savu nosaukumu ieguva 1946. gadā no mākslas kritiķa Roberta Koutsa. Tiek uzskatīts, ka tas apvieno vācu ekspresionistu emocionālo intensitāti un pašaizliedzību ar Eiropas abstrakto skolu antifiguratīvo estētiku, piemēram, futūrismu, Bauhaus un sintētisko kubismu. Abstrakts ekspresionisms, darbības glezniecība un krāsu lauka glezniecība ir Ņujorkas skolas sinonīms.

Tehniski sirreālisms bija svarīgs priekštecis abstraktam ekspresionismam, uzsverot spontānu, automātisku vai zemapziņas radīšanu. Džeksona Polloka pilošā krāsa uz audekla, kas uzlikts uz grīdas, ir tehnika, kuras saknes meklējamas Andrē Masona darbā. Vēl viena svarīga agrīna izpausme, kas kļuva par abstraktu ekspresionismu, ir amerikāņu ziemeļrietumu mākslinieka Marka Tobeja darbs, it īpaši viņa "baltās rakstīšanas" audekli, kas, lai arī parasti nav lieli, paredz Polloka pilināmo gleznu "visu" izskatu.

Abstrakts ekspresionisms Rediģēt

Turklāt abstraktā ekspresionisma tēls ir dumpīgs, anarhisks, ļoti īpatnējs un, dažkārt, diezgan nihilistisks. Praksē šis termins tiek piemērots jebkuram māksliniekam, kurš strādā (galvenokārt) Ņujorkā un kuram ir diezgan atšķirīgs stils, un pat attiecas uz darbu, kas nav īpaši abstrakts un ekspresionistisks. Polloka enerģiskās "darbības gleznas" ar savu "aizņemto" sajūtu atšķiras gan tehniski, gan estētiski, no vardarbīgas un groteskas Sievietes Vilema de Kūninga sērija. Kā redzams iepriekš galerijā Sieviete V. ir viena no sešām gleznu sērijām, kuras de Kūnings veidojis laikā no 1950. līdz 1953. gadam un kurās attēlota trīs ceturtdaļas gara sievietes figūra. Viņš sāka pirmo no šīm gleznām, Sieviete I. kolekcija: Modernās mākslas muzejs, Ņujorka, 1950. gada jūnijā, atkārtoti mainot un izkrāsojot attēlu līdz 1952. gada janvārim vai februārim, kad glezna tika pamesta nepabeigta. Mākslas vēsturnieks Mejers Šapiro drīz pēc tam ieraudzīja gleznu de Kūninga studijā un mudināja mākslinieku neatlaidīgi izturēties. De Kooninga atbilde bija sākt trīs citas gleznas par to pašu tēmu Sieviete II kolekcija: Modernās mākslas muzejs, Ņujorka, Sieviete III, Teherānas Laikmetīgās mākslas muzejs, Sieviete IV, Nelsona-Atkinsa mākslas muzejs, Kanzassitija, Misūri. 1952. gada vasarā, pavadīts East Hamptonā, de Kūnings turpināja pētīt šo tēmu, izmantojot zīmējumus un pasteļus. Iespējams, viņš ir pabeidzis darbu Sieviete I. jūnija beigās vai, iespējams, vēl 1952. gada novembrī, un, iespējams, pārējās trīs sieviešu bildes tika pabeigtas gandrīz vienlaicīgi. [64] Sieviešu sērija ir nepārprotami figurālas gleznas. Vēl viens svarīgs mākslinieks ir Francs Kline, kā to pierāda viņa glezna High Street, 1950. gadā, tāpat kā Džeksons Polloks un citi abstraktie ekspresionisti, viņa šķietami spontānā un intensīvā stila dēļ tika atzīts par "darbības gleznotāju", mazāk vai vispār nekoncentrējoties uz figūrām vai attēliem, bet gan uz faktiskajiem otas vilcieniem un audekla izmantošanu . [65] [66] [67] [68]

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb un mierīgi mirdzošie krāsu bloki Marka Rotko darbā (kas nav tas, ko parasti sauc par ekspresionistu un kuru Rotko noliedza, bija abstrakts), tiek klasificēti kā abstrakti ekspresionisti, lai gan no tā, ko nosauca Klements Grīnbergs abstrakta ekspresionisma krāsu lauka virziens. Gan Hansu Hofmani, gan Robertu Māmvelu (galerija) var ērti raksturot kā darbības glezniecības un krāsu lauka glezniecības praktiķus.

Abstraktam ekspresionismam ir daudz stilistisku līdzību ar 20. gadsimta sākuma krievu māksliniekiem, piemēram, Vasiliju Kandinski. Lai gan ir taisnība, ka spontanitāte vai spontanitātes iespaids raksturoja daudzus abstraktu ekspresionistu darbus, lielākā daļa no šīm gleznām bija rūpīgi jāplāno, jo īpaši tāpēc, ka to pieprasīja lielais izmērs. Izņēmums varētu būt Polloka pilināmās gleznas.

Kāpēc šis stils ieguva vispārpieņemto atzinību 50. gados, ir diskusiju jautājums. Trīsdesmitajos gados amerikāņu sociālisms bija galvenais. To ietekmēja ne tikai Lielā depresija, bet arī Meksikas sociālie reālisti, piemēram, Deivids Alfaro Sikeiross un Djego Rivera. Politiskais klimats pēc Otrā pasaules kara ilgi necieta šo gleznotāju sociālos protestus. Abstrakts ekspresionisms radās Otrā pasaules kara laikā, un to sāka demonstrēt 40. gadu sākumā Ņujorkas galerijās, piemēram Šī gadsimta mākslas galerija. Pagājušā gadsimta 40. gadu beigās un 50. gadu vidū sākās Makartija ēra. Tas bija pēc Otrā pasaules kara un ASV politiskā konservatīvisma un galējas mākslinieciskās cenzūras laika. Daži cilvēki ir pieņēmuši, ka, tā kā priekšmets bieži bija pilnīgi abstrakts, abstraktais ekspresionisms kļuva par drošu stratēģiju māksliniekiem, lai turpinātu šo stilu. Abstrakto mākslu var uzskatīt par apolitisku. Vai arī, ja māksla bija politiska, ziņa lielā mērā bija paredzēta iekšējiem cilvēkiem. Tomēr šie teorētiķi ir mazākumā. Kā pirmā patiesi oriģinālā glezniecības skola Amerikā, abstraktais ekspresionisms parādīja valsts vitalitāti un radošumu pēckara gados, kā arī tās spēju (vai nepieciešamību) attīstīt estētisku izjūtu, kuru neierobežoja Eiropas standarti. no skaistuma.

Lai gan abstraktais ekspresionisms ātri izplatījās visā ASV, galvenie šī stila centri bija Ņujorka un Kalifornija, īpaši Ņujorkas skolā, un Sanfrancisko līča apgabals. Abstraktām ekspresionisma gleznām piemīt noteiktas iezīmes, tostarp lielu audeklu izmantošana, "visaptveroša" pieeja, kurā viss audekls tiek apstrādāts ar vienādu nozīmi (pretstatā tam, ka centrs rada lielāku interesi nekā malas). Audekls kā arēna kļuva par darbības glezniecības kredo, savukārt attēla plaknes integritāte kļuva par Krāsu lauku gleznotāju kredo. 50. gados daudzi citi mākslinieki sāka izstādīt savas abstraktās ekspresionisma gleznas, tostarp Alfrēds Leslijs, Sems Frensiss, Džoana Mičela, Helēna Frenentālere, Sī Tomblijs, Miltons Resniks, Maikls Goldbergs, Normens Blamms, Rejs Pārkers, Nikolā Karone, Greisa Hartigana, Frīdels Dzubass, un Roberts Gudns citu starpā.

Pagājušā gadsimta piecdesmitajos gados Krāsu lauka glezniecība sākotnēji atsaucās uz noteiktu abstrakta ekspresionisma veidu, jo īpaši Marka Rotko, Kliforda Stīla, Bārneta Ņūmena, Roberta Māmvela un Ādolfa Gotlība darbiem. Tas būtībā ietvēra abstraktas gleznas ar lieliem, plakaniem krāsu diapazoniem, kas izteica jutekliskās un vizuālās sajūtas un īpašības lielās niansētas virsmas platībās. Mākslas kritiķis Klements Grīnbergs krāsu lauka glezniecību uztvēra kā saistītu, bet atšķirīgu no darbības glezniecības. Kopējais krāsu laukumu gleznotāju darba plašums un geštalts runā par gandrīz reliģisku pieredzi, kas bija satriekta, paplašinoties jutekliskuma, krāsas un virsmas visumam. Sešdesmito gadu sākumā un vidū, Krāsu lauka glezna nāca, lai atsauktos uz tādu mākslinieku stiliem kā Jules Olitski, Kenneth Noland un Helen Frankenthaler, kuru darbi bija saistīti ar otrās paaudzes abstrakto ekspresionismu, un jaunākiem māksliniekiem, piemēram, Larry Zox un Frank Stella,-visi virzās jaunā virzienā. Mākslinieki, piemēram, Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox un citi, bieži izmantoja ievērojami samazinātas atsauces uz dabu, un viņi gleznoja ar ļoti skaidri formulētu un psiholoģisku krāsu izmantošanu. Kopumā šie mākslinieki likvidēja atpazīstamus attēlus. In Kalni un jūra, no 1952. gada, Helēnas Frenkentāleres gleznu krāsu gleznas galvenais darbs, mākslinieks pirmo reizi izmantoja traipu tehniku.

Eiropā turpinājās sirreālisms, kubisms, dada un Matīsa darbi. Arī Eiropā Tachisme (Eiropas ekvivalents abstraktam ekspresionismam) pārņēma jaunāko paaudzi. Cita starpā Sergejs Poliakofs, Nikolā de Štela, Žoržs Matjē, Vieira da Silva, Žans Dubufets, Īvs Kleins un Pjērs Soulažs tiek uzskatīti par nozīmīgām personām pēckara Eiropas glezniecībā.

Galu galā abstraktā glezniecība Amerikā pārtapa par tādām kustībām kā Neo-Dada, Krāsu lauka glezniecība, Post gleznieciskā abstrakcija, Op māksla, gleznošana ar cietu malu, Minimālā māksla, formas audekla glezna, Liriskā abstrakcija, neoekspresionisms un abstraktā ekspresionisma turpinājums. Atbildot uz tendenci uz abstrakciju, attēli parādījās, izmantojot dažādas jaunas kustības, īpaši popmākslu.

Popmāksla Rediģēt

Iepriekš Anglijā 1956. gadā šis termins Popmāksla to izmantoja Lorenss Allovajs gleznām, kurās tika atzīmēts pēc Otrā pasaules kara laikmeta patērētājs. Šī kustība noraidīja abstraktu ekspresionismu un tā koncentrēšanos uz hermeneitisko un psiholoģisko interjeru par labu mākslai, kas attēloja un bieži atzīmēja masveida ražošanas laikmeta materiālo patērētāju kultūru, reklāmu un ikonogrāfiju. [69] Deivida Hoknija agrīnie darbi un Ričarda Hamiltona Pītera Bleika un Eduardo Paolozzi darbi tika uzskatīti par kustības galvenajiem piemēriem.

Popmākslu Amerikā sākotnēji lielā mērā iedvesmoja Džaspera Džona, Lerija Riversa un Roberta Raušenberga darbi. Lai gan Džeralda Mērfija, Stjuarta Deivisa un Čārlza Demuta gleznas 20. un 30. gados klāja galdu popmākslai Amerikā. Piecdesmito gadu vidū Ņujorkā Roberts Raušenbergs un Džaspers Džons radīja mākslas darbus, kas sākumā šķita abstraktas ekspresionisma glezniecības turpinājumi. Patiesībā viņu darbi un Lerija Riversa darbs bija radikālas novirzes no abstraktā ekspresionisma, jo īpaši attiecībā uz banālu un burtisku attēlu izmantošanu un ikdienišķu materiālu iekļaušanu un apvienošanu savā darbā. Inovācijas, kas saistītas ar Džona īpašo dažādu attēlu un priekšmetu izmantošanu, piemēram, krēsliem, numuriem, mērķiem, alus bundžām un Amerikas karoga upes gleznām no tēmām, kas iegūtas no populārās kultūras, piemēram, Džordža Vašingtona, šķērsojot Delavēru, un viņa iekļautos attēlus no reklāmām, piemēram, kamielis no Camel cigaretēm, un Raušenberga pārsteidzošās konstrukcijas, kurās izmantoti priekšmeti un attēli, kas uzņemti no populārās kultūras, datortehnikas veikaliem, atkritumu novietnēm, pilsētas ielām un taksidermijas, ieslēdza radikālu jaunu kustību amerikāņu mākslā. Galu galā līdz 1963. gadam kustība kļuva pazīstama visā pasaulē kā popmāksla.

Par amerikāņu popmākslu liecina mākslinieki: Endijs Vorhols, Klēsa Oldenburga, Veins Tībo, Džeimss Rozenkvists, Džims Dīns, Toms Veselmans un Rojs Lihtenšteins. Lichtenšteina vissvarīgākais darbs ir neapšaubāmi Whaam! (1963, Tate Modern, London [70]), kas ir viens no agrākajiem zināmajiem popmākslas piemēriem, pielāgoja komiksu grāmatu paneli no 1962. gada numura DC Comics ' Visu amerikāņu kara cilvēki. [71] Gleznā attēlots kaujas lidaparāts, kas raķeti izšauj ienaidnieka lidmašīnā ar sarkani dzeltenu sprādzienu. Karikatūras stilu pastiprina onomatopoētisko burtu izmantošana "Vau!" un uzraksts lodziņā "Es nospiedu ugunsdrošības vadību. Un man priekšā debesīs dega raķetes." [70] Popmāksla apvieno populāro un masu kultūru ar tēlotājmākslu, vienlaikus sajaucot humoru, ironiju un atpazīstamus attēlus un saturu. 1962. gada oktobrī tika uzstādīta Sidnija Jāņa galerija Jaunie reālisti pirmā lielākā popmākslas grupu izstāde Ņujorkas pilsētas mākslas galerijā. Sidnijs Jānis uzstādīja izstādi 57. ielas veikalā pie savas galerijas E. 57. Ielā 15. Izrāde raidīja satricinājuma viļņus Ņujorkas skolā un atbalsojās visā pasaulē. Agrāk 1962. gada rudenī vēsturiski nozīmīga un revolucionāra Kopīgu objektu jauna glezna popmākslas izstāde, ko kuratore Valters Hopps Pasadenas mākslas muzejā, izraisīja šoka viļņus visā ASV rietumos.

Atrodoties Ņujorkas East Village 10th Street galeriju centrā, mākslinieki formulēja popmūzikas amerikāņu versiju. Klesam Oldenburgam bija savs veikals un viņš izgatavoja gleznotus priekšmetus, un Zaļā galerija 57. ielā sāka demonstrēt Tomu Veselmanu un Džeimsu Rozenkvistu. Vēlāk Leo Kastelli izstādīja citus amerikāņu māksliniekus, tostarp lielāko daļu Endija Vorhola un Roja Lihtenšteina karjeras, kā arī izmantoja Benday punktus - tehniku, ko izmanto komerciālai pavairošanai. Pastāv saikne starp radikālajiem Dišampa darbiem un dumpīgajiem dadaistiem Manu Reju - ar humora izjūtu un tādiem popmāksliniekiem kā Alekss Katcs (kurš kļuva pazīstams ar savām portreta fotogrāfijas un piepilsētas dzīves parodijām), Klēzu Oldenburgu, Endiju Vorholu , Rojs Lihtenšteins un citi.

Figurāli, ainava, klusā daba, jūras ainava un reālisms Rediģēt

Trīsdesmitajos līdz sešdesmitajos gados Amerikā un Eiropā abstraktā glezniecība pārtapa par tādām kustībām kā abstrakts ekspresionisms, krāsu lauku glezniecība, postgrafiska abstrakcija, op māksla, glezna ar cietu malu, minimāla māksla, formas audekla glezniecība un liriskā abstrakcija. Citi mākslinieki reaģēja kā reakcija uz abstrakcijas tendenci, ļaujot figurāliem attēliem turpināties dažādos jaunos kontekstos, piemēram, līča apgabala figurālā kustība 1950. gados un jauni ekspresionisma veidi no 40. līdz 1960. gadiem. Itālijā šajā laikā Džordžo Morandi bija galvenais klusās dabas gleznotājs, pētot visdažādākās pieejas ikdienas pudeļu un virtuves piederumu attēlošanai. [72] 20. gadsimtā daudzi gleznotāji praktizēja reālismu un izmantoja izteiksmīgus attēlus, praktizējot ainavu un figurālu glezniecību ar mūsdienīgiem priekšmetiem un pamatīgu tehniku, un unikālu izteiksmīgumu, piemēram, klusās dabas gleznotājs Džordžo Morandi, Miltons Eiverijs, Džons D. Greiems, Fērfīlds Porters, Edvards Hopers, Endrjū Vaits, Balthus, Frānsiss Bēkons, Leons Kossofs, Frenks Auerbahs, Lūcians Freids, Filips Pērlšteins, Vilems de Kūnings, Arsila Gorkija, Greisa Hartigana, Roberts De Niro, vecākais, Elīna de Kūninga un citi. Kopā ar Anrī Matīsu, Pablo Pikaso, Pjēru Bonnāru, Žoržu Braku un citiem 20. gadsimta meistariem. Jo īpaši Miltons Averijs, izmantojot krāsu un interesi par jūras ainavu un ainavu gleznām, kas saistītas ar Abstraktā ekspresionisma krāsu lauka aspektu, kā to atklāja Ādolfs Gotlībs un Marks Rotko, kā arī mācības, ko amerikāņu gleznotāji guvuši no Henrija Matisa darba. [73] [74]

VI galva, 1949. gads ir īru izcelsmes mākslinieka Frānsisa Bēkona glezna, un tas ir piemērs pēc Otrā pasaules kara notikušajam Eiropas ekspresionismam. Darbā redzama sponta mākslinieka Djego Velázkesa 1650. gadā gleznotā Innocenta X portreta sagrozīta versija. Darbs ir viens no Velāzkesa gleznas variantu sērijas, kuru Bekons izpildīja 50. gados un 60. gadu sākumā, kopumā četrdesmit -pieci darbi. [75] Jautāts, kāpēc viņš bija spiests tik bieži atkārtoti aplūkot šo tēmu, Bekons atbildēja, ka viņam nav nekas pret pāvestiem, ka viņš vienkārši “vēlas attaisnojumu šo krāsu izmantošanai, un bez parastajām drēbēm jūs nevarat dot tādu purpursarkanu krāsu. nokļūšana kaut kādā viltus veidā. " [76] Pāvests šajā versijā valda dusmās un agresijā, un tumšās krāsas piešķir attēlam grotesku un murgainu izskatu. [77] Fona kroku aizkari ir padarīti caurspīdīgi un, šķiet, krīt caur pāvesta seju. [78] Itāļu gleznotājs Džordžo Morandi bija nozīmīgs minimālisma pionieris 20. gadsimtā. Dzimis Boloņā, Itālijā, 1890. gadā, visas savas karjeras laikā Morandi koncentrējās gandrīz tikai uz klusās dabas un ainavām, izņemot dažus pašportretus. Ar lielu jūtīgumu pret toni, krāsu un kompozīcijas līdzsvaru viņš atkal un atkal attēloja tās pašas pazīstamās pudeles un vāzes gleznās, kas izceļas ar izpildījuma vienkāršību. Morandi izpildīja 133 ofortus, kas ir nozīmīgs darbs kopumā, un viņa zīmējumi un akvareļi savu līdzekļu ekonomijas dēļ bieži tuvojas abstrakcijai. Pateicoties vienkāršiem un atkārtotiem motīviem un ekonomiskam krāsu, vērtības un virsmas izmantojumam, Morandi kļuva par priekšlaicīgu un nozīmīgu minimālisma priekšteci. Viņš nomira Boloņā 1964. gadā.

Pēc Otrā pasaules kara termins Parīzes skola bieži atsaucās uz Tachisme, amerikāņu abstraktā ekspresionisma Eiropas ekvivalentu, un šie mākslinieki ir saistīti arī ar Kobru. Svarīgi atbalstītāji ir Žans Dubufets, Pjērs Soulagess, Nikolass de Šteils, Hanss Hartungs, Seržs Poliakofs un Žoržs Matjē. 50. gadu sākumā Dubuffet (kurš vienmēr bija figurāls mākslinieks) un de Staël atteicās no abstrakcijas un atgriezās pie attēliem, izmantojot figūru un ainavu. De Staël darbu ātri atpazina pēckara mākslas pasaulē, un viņš kļuva par vienu no 50. gadu ietekmīgākajiem māksliniekiem. Viņa atgriešanos reprezentācijā (jūras ainavas, futbolisti, džeza mūziķi, kaijas) 50. gadu sākumā var uzskatīt par ietekmīgu precedentu Amerikas līča apgabala figurālajai kustībai, jo daudzi no šiem abstraktajiem gleznotājiem, piemēram, Ričards Dībenkorns, Deivids Pārks, Elmers Bišofs, Veins 50. gadu vidū Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown un citi veica līdzīgu soli, atgriežoties pie attēliem. Liela daļa de Stēla vēlā darba-jo īpaši viņa atšķaidītā un atšķaidītā eļļas audekla abstraktās ainavas 1950. gadu vidū-paredz 1960. un 70. gadu krāsu lauku glezniecību un lirisko abstrakciju. Nicolas de Staël drosmīgā un intensīvi spilgtā krāsa pēdējās gleznās paredz daudzās mūsdienu glezniecības virzienu, kas sekoja viņam, ieskaitot sešdesmito gadu popmākslu.

Mākslas bruts, jaunais reālisms, līča apgabala figurālā kustība, neodada, fotoreālisms Rediģēt

Piecdesmitajos un sešdesmitajos gados Amerikā un Eiropā abstraktā glezniecība pārtapa par tādām kustībām kā krāsu lauka glezniecība, pēc glezniecības abstrakcija, op māksla, glezna ar cietu malu, minimāla māksla, veidota audekla glezna, liriska abstrakcija un abstrakta ekspresionisma turpinājums. . Citi mākslinieki reaģēja kā reakcija uz tendenci abstrahēties ar art brut [79], kā redzams Court les rues, 1962. gads, autors Žans Dubufets, fluxus, neo-Dada, Jaunais reālisms, ļaujot attēliem atkal parādīties dažādos jaunos kontekstos, piemēram, popmākslā, Bay Area figurālajā kustībā (lielisks piemērs ir Diebenkorn's Cityscape I, (ainava Nr. 1), 1963. gads, Eļļa uz audekla, 60 1/4 x 50 1/2 collas, kolekcija: Sanfrancisko Modernās mākslas muzejs) un vēlāk 1970. gadu neoekspresionisms. Līča apgabala figurālā kustība, no kuriem Deivids Pārks, Elmers Bišofs, Neitans Oliveira un Ričards Dībenkorns Pilsētas ainava 1, 1963. gads ir tipisks piemērs, kad ietekmīgie biedri uzplauka 1950. un 1960. gados Kalifornijā. Kaut arī 20. gadsimtā gleznotāji turpināja praktizēt reālismu un izmantot attēlus, praktizējot ainavu un figurālu glezniecību ar mūsdienīgiem priekšmetiem un stabilu tehniku, un unikālu izteiksmīgumu, piemēram, Miltonu Eiveriju, Edvardu Hopperu, Žanu Dubufetu, Frānsisu Bēkonu, Frenku Auerbahu, Lūsianu Freidu, Filipu Pērlšteinu , un citi. Jaunāki gleznotāji praktizēja attēlu izmantošanu jaunos un radikālos veidos. Īvs Kleins, Martial Raysse, Niki de Saint Phalle, Wolf Vostell, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, John Baeder un Vija Celmins bija daži, kas kļuva ievērojama starp 1960. un 80. gadiem. Fērfīlds Porters lielā mērā bija pašmācīts un veidoja reprezentatīvu darbu abstraktās ekspresionistu kustības vidū. Viņa tēmas galvenokārt bija ainavas, pašmāju interjers un ģimenes, draugu un kolēģu mākslinieku portreti, no kuriem daudzi bija saistīti ar Ņujorkas rakstnieku skolu, tostarp Džons Ešberijs, Frenks O'Hara un Džeimss Šūlers. Daudzas viņa gleznas bija izvietotas ģimenes vasarnīcā vai tās apkārtnē Lielajā egles galvas salā, Menas štatā.

Arī pagājušā gadsimta 60. un 70. gados bija reakcija pret glezniecību. Kritiķi, piemēram, Duglass Krimps, aplūkoja tādu mākslinieku darbus kā Ad Reinhardt un pasludināja "glezniecības nāvi". Mākslinieki sāka praktizēt jaunus mākslas veidošanas veidus. Jaunās kustības ieguva ievērojamu uzmanību, dažas no tām: Fluxus, Happening, Videomāksla, Instalācijas māksla Pasta māksla, situatīvi, Konceptuālā māksla, Postminimalisms, Zemes māksla, arte povera, performanču māksla un ķermeņa māksla. [80] [81]

Neo-Dada ir arī kustība, kas aizsākās 1950. un 1960. gados un bija saistīta ar abstraktu ekspresionismu tikai ar attēliem. Attēloti kombinēti ražoti priekšmeti ar mākslinieku materiāliem, attālinoties no iepriekšējām glezniecības konvencijām. Šo tendenci mākslā raksturo Jaspera Džona un Roberta Raušenberga darbi, kuru "kombaini" pagājušā gadsimta piecdesmitajos gados bija popmākslas un instalācijas mākslas priekšteči, un izmantoja lielu fizisku priekšmetu, tostarp dzīvnieku, putnu un komerciālo priekšmetu, kopumu. fotografēšana. Roberts Raušenbergs, Džaspers Džons, Lerijs Riverss, Džons Čemberlens, Kleiss Oldenburgs, Džordžs Segals, Džims Dīns un Edvards Kienholcs, cita starpā, bija nozīmīgi gan abstrakcijas, gan popmākslas pionieri, radot jaunas mākslas veidošanas konvencijas, kuras tās padarīja pieņemamas nopietnās laikmetīgās mākslas aprindās. radikāli iekļaujot maz ticamus materiālus kā daļu no viņu mākslas darbiem.

Jauna abstrakcija no 1950. līdz 1980. gadiem Rediģēt

Krāsu lauka glezniecība skaidri norādīja uz jaunu virzienu amerikāņu glezniecībā, prom no abstraktā ekspresionisma. Krāsu lauka glezniecība ir saistīta ar pēc glezniecības abstrakciju, suprematismu, abstraktu ekspresionismu, glezniecību ar cietu malu un lirisku abstrakciju. Sešdesmitajos un septiņdesmitajos gados Amerikā turpināja attīstīties abstraktā glezniecība, izmantojot dažādus stilus. Ģeometriskā abstrakcija, op māksla, gleznošana ar cietu malu, krāsu lauku glezna un minimāla glezniecība bija daži savstarpēji saistīti virzieni progresīvai abstraktai glezniecībai, kā arī dažām citām jaunām kustībām. Moriss Luiss bija nozīmīgs progresīvo krāsu lauku glezniecības pionieris, viņa darbi var kalpot kā tilts starp abstraktu ekspresionismu, krāsu lauku glezniecību un minimālu mākslu. Divi ietekmīgi skolotāji Josef Albers un Hans Hofmann iepazīstināja jauno amerikāņu mākslinieku paaudzi ar savām uzlabotajām krāsu un telpas teorijām. Josefu Albersu vislabāk atceras ar ģeometriskā abstrakcionista gleznotāja un teorētiķa darbu. Visslavenākie no tiem ir simtiem gleznu un izdruku, kas veido sēriju Godinājums laukumam. Šajā stingrajā sērijā, kas sākās 1949. gadā, Albers pētīja hromatisko mijiedarbību ar plakaniem krāsainiem kvadrātiem, kas koncentriski izvietoti uz audekla. Albersa teorijas par mākslu un izglītību veidoja nākamās paaudzes māksliniekus. Viņa paša gleznas veido pamatu gan cietajai glezniecībai, gan op mākslai.

1965. gadā notika izstāde ar nosaukumu Atsaucīgā acs, kurators William C. Seitz, notika Ņujorkas Modernās mākslas muzejā. Parādītie darbi bija plaša spektra, aptverot Frenka Stellas minimālismu, Lerija Poonsa op-mākslu, Aleksandra Libermana darbu, līdzās Op Art kustības meistariem: Viktoram Vasarēlijam, Ričardam Anuškevičam, Bridžitai Railijai un citiem. Izstāde koncentrējās uz mākslas uztveres aspektiem, kas izriet gan no kustības ilūzijas, gan krāsu attiecību mijiedarbības. Op māksla, pazīstama arī kā optiskā māksla, ir stils, kas atrodas dažās gleznās un citos mākslas darbos, kuros tiek izmantotas optiskās ilūzijas. Op māksla ir ļoti līdzīga ģeometriskai abstrakcijai un gleznošanai ar stingrām šķautnēm. Lai gan dažreiz tam lietotais termins ir uztveres abstrakcija.

Op māksla ir glezniecības metode, kas attiecas uz mijiedarbību starp ilūziju un attēla plakni, starp izpratni un redzēšanu. [84] Op mākslas darbi ir abstrakti, un daudzi no pazīstamākajiem darbiem ir izgatavoti tikai melnbaltā krāsā. Kad skatītājs uz tiem skatās, rodas iespaids par kustību, slēptiem attēliem, mirgošanu un vibrāciju, modeļiem vai arī par pietūkumu vai deformāciju.

Krāsu lauka glezniecība centās atbrīvot mākslu no liekas retorikas. Mākslinieki, piemēram, Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, John Hoyland, Larry Zox un citi, bieži izmantoja ievērojami samazinātas atsauces uz dabu, un viņi gleznoja, izmantojot ļoti artikulētu un psiholoģisku krāsa. Kopumā šie mākslinieki likvidēja atpazīstamus attēlus. Daži mākslinieki citēja atsauces uz pagātni vai tagadni, bet kopumā krāsu lauku glezniecība abstrakciju uzrāda kā pašmērķi. Tiecoties pēc šī modernās mākslas virziena, mākslinieki vēlējās katru gleznu pasniegt kā vienu vienotu, saliedētu, monolītu tēlu.

Frenks Stella, Kenets Nolands, Ellsvorts Kellijs, Bārnets Ņūmens, Ronalds Deiviss, Nīls Viljamss, Roberts Mangolds, Čārlzs Hinmans, Ričards Tuttle, Deivids Novross un Als Lovings ir mākslinieku piemēri, kas saistīti ar formas audekla izmantošanu laika posmā. 60. gadu sākumā. Daudzi ģeometriskie abstraktie mākslinieki, minimālisti un cietās malas gleznotāji izvēlējās izmantot attēla malas, lai noteiktu gleznas formu, nevis pieņemtu taisnstūra formātu. Faktiski veidotā audekla izmantošana galvenokārt ir saistīta ar sešdesmito un septiņdesmito gadu gleznām, kas ir vēsi abstraktas, formālistiskas, ģeometriskas, objektīvas, racionālistiskas, tīras līnijas, satriecoši asas malas vai pēc minimālisma. Andre Emmerich galerija, Leo Castelli galerija, Richard Feigen galerija un Park Place galerija bija nozīmīgas vitrīnas krāsu lauku glezniecībai, formas audekla glezniecībai un liriskajai abstrakcijai Ņujorkā 1960. gados. Pastāv saistība ar pēckrāsniecisko abstrakciju, kas reaģēja pret abstrakto ekspresionismu mistiku, hipersubjektivitāti un uzsvaru uz glezniecības akta dramatisku redzamību, kā arī plakanā taisnstūra svinīgu pieņemšanu kā gandrīz rituālu priekšnoteikumu. nopietna glezna. Sešdesmitajos gados krāsu lauku glezniecība un minimālā māksla bieži bija cieši saistītas. Patiesībā līdz 70. gadu sākumam abas kustības kļuva izteikti daudzveidīgas.

Vašingtonas krāsu skola, formas audekls, abstrakts iluzionisms, liriska abstrakcija Rediģēt

Cita saistītā 1960. gadu beigu kustība Liriskā abstrakcija (šo terminu izdomāja Lerijs Aldrihs, Aldriha laikmetīgās mākslas muzeja Ridfīldas Konektikutas dibinātājs) aptvēra to, ko Aldrihs teica redzējis tolaik daudzu mākslinieku studijās. [85] Tas ir arī nosaukums izstādei, kas radusies Aldriha muzejā un no 1969. līdz 1971. gadam ceļojusi uz Vitnija Amerikas mākslas muzeju un citiem muzejiem visā ASV. [86]

Lirisko abstrakciju pagājušā gadsimta 60. gadu beigās raksturo Dena Kristensena, Ronija Lendfīlda, Pītera Janga un citu gleznas, kā arī plūsmas kustība un postminimālisms (šo terminu pirmo reizi izgudroja Roberts Pincuss-Vitens. Artforums 1969. gadā) [87] centās paplašināt abstraktās glezniecības un minimālisma robežas, koncentrējoties uz procesu, jauniem materiāliem un jauniem izteiksmes veidiem. Postminimālisms, kas bieži ietver rūpnieciskus materiālus, izejvielas, izgatavojumus, atrastus priekšmetus, instalāciju, sēriju atkārtošanos, un bieži vien ar atsaucēm uz Dada un sirreālismu vislabāk izpaužas Evas Heses skulptūrās. [87] Liriskā abstrakcija, konceptuālā māksla, postminimālisms, Zemes māksla, video, performanču māksla, instalācijas māksla, kā arī plūsmas turpinājums, abstrakts ekspresionisms, Krāsu lauka glezniecība, cieta mala, minimālā māksla, op māksla, popmāksla, fotoreālisms un jaunais reālisms paplašināja laikmetīgās mākslas robežas 20. gadsimta 60. gadu vidū un 20. gadsimta 70. gados. [88] Liriskā abstrakcija ir brīvā ritma abstraktas glezniecības veids, kas radās pagājušā gadsimta 60. gadu vidū, kad abstraktie gleznotāji atgriezās pie dažādiem gleznieciskiem, gleznieciskiem, ekspresionisma veidiem, galvenokārt koncentrējoties uz procesu, geštaltu un atkārtotām kompozīcijas stratēģijām kopumā.

Liriskajai abstrakcijai ir līdzības ar krāsu lauka glezniecību un abstraktu ekspresionismu, liriskajai abstrakcijai, ko ilustrē Ronija Landfīlda glezna 1968. gadā Par Viljamu Bleiku, (iepriekš), it īpaši krāsas brīvā kustībā - tekstūra un virsma. Tieša zīmēšana, līniju kaligrāfiska izmantošana, matētas, izšļakstītas, iekrāsotas, noslaucītas, izlietas un izšļakstītas krāsas virspusēji līdzinās efektiem, kas redzami abstraktā ekspresionismā un krāsu lauku glezniecībā. Tomēr stili ir ievērojami atšķirīgi. Tā nošķiršana no abstrakta ekspresionisma un 40. un 50. gadu darbības glezniecības ir pieeja kompozīcijai un drāmai. Kā redzams darbības glezniecībā, uzsvars tiek likts uz otu triepieniem, augstu kompozīcijas drāmu, dinamisku kompozīcijas spriedzi. Kaut arī liriskajā abstrakcijā ir kompozīcijas nejaušības sajūta, visā kompozīcijā ir zema atslēga un atvieglota kompozīcijas drāma, un uzsvars tiek likts uz procesu, atkārtošanos un visaptverošu jutīgumu. [89] [90]

Cietās malas, minimālisms, postminimālisms, vienkrāsaina glezna Rediģēt

Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden, Jo Baer, ​​Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, Charles Hinman ir mākslinieku piemēri, kas saistīti ar minimālismu un (izņemot Martinu, Bēru un Mārdenu) formas audekls arī laika posmā, kas sākās pagājušā gadsimta 60. gadu sākumā. Daudzi ģeometriskie abstraktie mākslinieki, minimālisti un gleznotāji ar stingrām malām izvēlējās izmantot attēla malas, lai noteiktu gleznas formu, nevis pieņemtu taisnstūra formātu. Faktiski veidotā audekla izmantošana galvenokārt ir saistīta ar sešdesmito un septiņdesmito gadu gleznām, kas ir vēsi abstraktas, formālistiskas, ģeometriskas, objektīvas, racionālistiskas, tīras līnijas, satriecoši asas malas vai pēc minimālisma. Bykert galerija un Park Place galerija bija nozīmīgas minimālisma un veidotu audekla gleznu vitrīnas Ņujorkā 1960. gados.

Sešdesmitajos un septiņdesmitajos gados bija reakcija pret abstraktu glezniecību. Daži kritiķi aplūkoja tādu mākslinieku darbus kā Ad Reinhardt un pasludināja par “glezniecības nāvi”. Mākslinieki sāka praktizēt jaunus mākslas veidošanas veidus. Dažas no tām ieguva ievērojamu nozīmi: postminimālisms, Zemes māksla, videomāksla, instalācijas māksla, arte povera, performanču māksla, ķermeņa māksla, plūsma, hepenings, pasta māksla, situacionisti un konceptuālā māksla.

Tomēr vēl citi nozīmīgi jauninājumi abstraktā glezniecībā notika 1960. un 1970. gados, un tiem bija raksturīga vienkrāsaina glezniecība un gleznošana ar cietām malām, ko iedvesmojuši Ad Reinhards, Barnett Newman, Milton Resnick un Ellsworth Kelly. Tik dažādi mākslinieki kā Agnesa Martina, Al Helds, Lerijs Zoks, Frenks Stella, Lerijs Poons, Brice Mardena un citi pētīja vienkāršošanas spēku. Krāsu lauka glezniecības saplūšana, minimālā māksla, glezna ar stingrām šķautnēm, liriska abstrakcija un postminimālisms izplūda atšķirības starp kustībām, kas kļuva redzamākas astoņdesmitajos un deviņdesmitajos gados. Neoekspresionisma kustība ir saistīta ar agrāko attīstību abstraktajā ekspresionismā, neodadā, liriskajā abstrakcijā un postminimālajā glezniecībā.

Neoekspresionisma rediģēšana

Pagājušā gadsimta 60. gadu beigās abstraktais ekspresionisma gleznotājs Filips Gustons palīdzēja glezniecībā pāriet no abstrakta ekspresionisma uz neoekspresionismu, atsakoties no tā dēvētās abstraktā ekspresionisma "tīrās abstrakcijas" par labu vairāk personisku simbolu un priekšmetu atveidošanai. Šie darbi iedvesmoja jaunu gleznotāju paaudzi, kuru interesē izteiksmīgu tēlainību atdzimšana. Viņa glezna Gleznošana, smēķēšana, ēšana 1973. gads, kas redzams galerijā, ir Gustona pēdējās un pārliecinošās atgriešanās pie reprezentācijas piemērs.

Septiņdesmito gadu beigās un astoņdesmito gadu sākumā tika atgriezta arī glezniecība, kas gandrīz vienlaikus notika Itālijā, Vācijā, Francijā un Lielbritānijā. Šīs kustības sauca par Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, [92] neoekspresionismu, Londonas skolu un astoņdesmito gadu beigās attiecīgi par stuckistiem. Šo gleznu raksturoja lieli formāti, brīva izteiksmīga zīmju veidošana, figūra, mīts un iztēle. Visi darbi šajā žanrā tika apzīmēti kā neoekspresionisms. Kritiskā reakcija tika sadalīta. Daži kritiķi uzskatīja, ka to veicina lielo komerciālo galeriju peļņas motivācija. Šī mākslas veida popularitāte turpinās 21. gadsimtā, pat pēc 80. gadu beigās notikušās mākslas kraha. Anselms Kīfers ir vadošā figūra Eiropas neoekspresionismā līdz astoņdesmitajiem gadiem, Kīfera tēmas paplašinājās no uzmanības pievēršanas Vācijas lomai civilizācijā līdz mākslas un kultūras liktenim kopumā. Viņa darbs kļuva skulpturālāks un ietver ne tikai nacionālo identitāti un kolektīvo atmiņu, bet arī okultisko simboliku, teoloģiju un misticismu. Visa darba tēma ir traumas, ko piedzīvo visas sabiedrības, un nepārtraukta atdzimšana un atjaunošanās dzīvē.

Septiņdesmito gadu beigās Amerikas Savienotajās Valstīs popularitāti guva gleznotāji, kuri sāka strādāt ar uzmundrinātām virsmām un atgriezās pie tādiem tēliem kā Sūzena Rotenberga, it īpaši, kā redzams iepriekš tādās gleznās kā Zirgs 2Astoņdesmitajos gados amerikāņu mākslinieki, piemēram, Ēriks Fišls, Deivids Salle, Žans Mišels Baskijs (kurš sāka darboties kā grafiti mākslinieks), Džulians Šnabels un Kīts Harings, kā arī itāļu gleznotāji, piemēram, Mimmo Paladino, Sandro Chia un Enzo Cucchi. citi definēja ideju par neoekspresionismu Amerikā.

Neoekspresionisms bija mūsdienu glezniecības stils, kas kļuva populārs septiņdesmito gadu beigās un dominēja mākslas tirgū līdz astoņdesmito gadu vidum. Tā attīstījās Eiropā kā reakcija pret 1960. un 70. gadu konceptuālo un minimālisma mākslu. Neoekspresionisti atgriezās pie atpazīstamu objektu, piemēram, cilvēka ķermeņa, attēlošanas (kaut arī dažreiz praktiski abstraktā veidā) rupjā un vardarbīgi emocionālā veidā, izmantojot spilgtas krāsas un banālas krāsu harmonijas. Gleznotāji veterāni Filips Gustons, Frenks Auerbahs, Leons Kossofs, Gerhards Rihters, AR Penks un Georgs Bazelics, kā arī nedaudz jaunāki mākslinieki, piemēram, Anselms Kīfers, Ēriks Fišls, Sjūzena Rotenberga, Frančesko Klemente, Žans Mišels Baskijs, Džulians Šnabels, Kīts Harings, un daudzi citi kļuva pazīstami, strādājot šajā intensīvajā ekspresionisma glezniecībā.

Glezniecība joprojām ieņem cienījamu vietu mūsdienu mākslā. Māksla ir atklāts lauks, kas vairs nav sadalīts ar objektīvo un neobjektīvo divdomību. Mākslinieki var gūt kritiskus panākumus neatkarīgi no tā, vai viņu attēli ir reprezentatīvi vai abstrakti. Valūtai ir saturs, informācijas nesēja robežu izpēte un atteikšanās apkopot pagātnes darbus kā gala mērķi.

Mūsdienu glezniecība 21. gadsimtā Rediģēt

21. gadsimta sākumā Mūsdienu glezniecība un laikmetīgā māksla kopumā turpinās vairākos blakus veidos, kurus raksturo plurālisma ideja. "Krīzi" glezniecībā un pašreizējā mākslā un aktuālo mākslas kritiku mūsdienās rada plurālisms. Nav vienprātības, kā arī nav jābūt, attiecībā uz laikmeta reprezentatīvo stilu. Ir viss notiek attieksme, kas dominē "viss notiek", un līdz ar to "nekas nenotiek" sindroms rada estētisku sastrēgumu bez stingra un skaidra virziena un ar katru joslu uz mākslinieciskā lielceļa. Līdz ar to brīnišķīgi un nozīmīgi mākslas darbi joprojām tiek veidoti, lai arī dažādos stilos un estētiskajā temperamentā, un tirgus laukums ir jāizlemj pēc nopelniem.

Laikā pirms un pēc Amerikas izpētes un apmešanās Eiropā, tostarp Ziemeļamerikā, Centrālamerikā, Dienvidamerikā un Karību jūras salās, Antiļu salās, Mazajās Antiļās un citās salu grupās, vietējās vietējās kultūras radīja radošus darbus, tostarp arhitektūru, keramika, keramika, aušana, griešana, skulptūra, glezniecība un sienas gleznojumi, kā arī citi reliģiski un utilitāri priekšmeti. Katrā Amerikas kontinentā tika uzņemtas sabiedrības, kas bija unikālas un individuāli attīstītas kultūras, kas ražoja totēmus, reliģiskās simbolikas darbus un dekoratīvus un izteiksmīgus gleznojumus. Āfrikas ietekme bija īpaši spēcīga Karību jūras reģiona un Dienvidamerikas mākslā. Amerikas pamatiedzīvotāju mākslai bija milzīga ietekme un ietekme uz Eiropas mākslu un otrādi izpētes laikmetā un pēc tā. Spānija, Portugāle, Francija, Nīderlande un Anglija bija spēcīgas un ietekmīgas koloniālās varas Amerikā 15. gadsimta laikā un pēc tā. Līdz 19. gadsimtam kultūras ietekme sāka plūst abos virzienos pāri Atlantijas okeānam


Saturs

Rediģēt etimoloģiju

Nosaukuma etimoloģija ir neskaidra, un tajā tiek veiktas dažādas izmaiņas no sengrieķu valodas Kouroullounè arābu valodai Kurulliùn Qurlayun no Sicīlijas emirāta, no latīņu valodas Curilionum pie normana Coraigliòn, no aragoniešiem Konilons, Koniglione no kuras sicīlietis Cunigghiuni radās. Mūsdienu nosaukums cēlies no 1556. gada.

Vēl viens uzskats ir tāds, ka nosaukums cēlies no arābu cīnītāja vārdā Kurlijuns (sal. Coeur Leon, Lionheart), kurš 840. gadā to iekaroja Aghlabīdu dēļ. [3]

Senatne Rediģēt

Korleones teritorija ir bijusi apdzīvota kopš aizvēsturiskiem laikiem. Jaunākie pētījumi ir atklājuši vairākas apdzīvotas vietas, kas sadalītas divās galvenajās jomās: Pietralunga un The Old (La Vecchia). Šis nosaukums attiecas uz kalnu, kas paceļas līdz aptuveni 1000 metriem (3300 pēdām) un ir aptuveni 2 kilometrus (1,2 jūdzes) no mūsdienu pilsētas. Pietralungas vieta bija aizņemta no pēdējā neolīta perioda līdz bronzas laikmetam (stikla zvana klātbūtne, kas dekorēta ar pointillé), savukārt Vecā vieta ir bijusi apdzīvota kopš viduslaikiem (iespaidīgas pils ar torņiem klātbūtne) nesen identificēts). Tomēr lielākā apmetnes daļa tika uzcelta arhaiskajā un klasiskajā periodā. "Daži materiāli, kas saistīti ar hellenisma laikmetu, tika atrasti šajā vietā, lai atbalstītu senās pilsētas, kas atrodas Vecajā pilsētā, identificēšanu ar seno Šēras pilsētu, uz kuru atsaucas Cicerons, Kluverio un Ptolemajs, lai gan arheoloģiskās atliekas, uz kurām balstās šī teorija. joprojām ir pārāk nestabili. [ nepieciešams citāts ] (D'Angelo - Spatafora).

Viduslaiku rediģēšana

840. gadā Korleoni iekaroja Ziemeļāfrikas aglabīdi musulmaņu Sicīlijas iekarošanas laikā. [4] Musulmaņu okupācijas laikā tā ieguva ekonomisku, militāru un stratēģisku nozīmi. [5] [6] [7] 1080. gadā pilsētu iekaroja normāņi, un 1095. gadā tā tika pievienota Palermo bīskapijai. Pat 1170. gados tika reģistrēts, ka lielākā daļa teritorijas iedzīvotāju ir musulmaņi (vairāk nekā 80%), [8] ieskaitot tos, kuriem ir arābu-islāma vārdi, kas iegūti no grieķu valodas. [9] [10] Pilsētas teritorijā atradās arī mošeja ar nosaukumu Masgid al-Barid. [11] Pēc 1161. gadā plašajiem pret musulmaņiem vērstiem uzbrukumiem, ko veica lombardu kolonisti Sicīlijas austrumos, un kurus vadīja topošais Sicīlijas karalis Tankreds, pilsēta kļuva par patvērumu daudziem bēgošajiem musulmaņiem. [12] 1208. gadā musulmaņu sacelšanās izdevās atņemt pilsētu no kristiešu varas. [13] 1222. [ nepieciešams citāts ] Līdz šai dienai klinšu veidojumam Castello Soprano virsū ir Saracēna skatu tornis. [14] [15] Kaut arī cits pilsētas klinšu veidojums Castello Sottano nesaglabāja savu saracēnu nocietinājumu, tas joprojām ir pazīstams kā Castello di Saraceni. [16]

Gandrīz gadsimtu vēlāk, 1180. gadā, tā tika nodota (nodota) jaunajai Monreāles diecēzei. Šajā periodā Korleoni lielā mērā pārcēlās uz gibelīniešiem no Alesandrijas (mūsdienu Pjemonta), Brešas un citur - "Lombardiem" Oddones de Kamerānas vadībā. Migrāciju mudināja Sicīlijas imperators Frederiks II, lai nostiprinātu savas pozīcijas pret gelfiem. Tomēr 1249. gadā viņš atcēla privilēģiju un atdeva pilsētu karaliskajam īpašumam, lai gan iedzīvotāju migrācija no Po ielejas turpinājās līdz Sicīlijas vesperu sākumam 1282. gadā. Revolūcijā izcēlās cita kamera, vārdā Bonifācija. no Sicīlijas vesperiem. Viņš vadīja sacelšanos pret eņģeļiem kopā ar trīs tūkstošiem cilvēku no Korleones, savienībā ar Palermo pilsētu. Atzinībā Palermo Senāts sauca Korleoni sorors mea (mana māsa).

Sicīlijas Frīdriha IV valdīšanas laikā, saukts par vienkāršo, pilsēta veiksmīgi sacēlās pret vainagu, bet 1355. gadā tika atņemta. ģimeni, bet 1391. gadā Sicīlijas karaliene Marija ziedoja Lerida kanonam Berardo Kēraltam, taču viņš to nekad neņēma savā īpašumā. Tā vietā to ieņēma vikāra Viljama dēls Nikolass Peralta, bet karalis Mārtiņš Jaunākais to atdeva karaliskajam īpašumam, apstiprinot tās privilēģijas 1397. gadā un piešķirot tam dažus nodokļu atvieglojumus.

Viduslaiku vēsture Rediģēt

1434. gada martā diženais karalis Alfonso devās uz Korleoni un nodeva pilsētai nodevas, lai atjaunotu mūrus un apmierinātu citas vajadzības, apsolot arī tās pilsētas neatņemamību, kurai viņš piešķīra titulu. Animosa Civitas (drosmīga pilsēta). Tomēr 1440. gadā Korleone tika pārdota Federiko Ventimiglijai par 19 000 florīnu. Šo piekāpšanos 1447. gada maijā atcēla karalis Alfonso, lai tajā pašā gadā to tālākpārdotu kādam noteiktam Boloņas Jānim. 1452. gadā pilsēta beidzot tika piešķirta advokātam Džeimsam Pilajam. 1516. gadā Korleone pievienojās revolucionārajām Palermo kustībām pret vicekarali Monkādu. Korleones sacelšanās, kuru vadīja Fabio La Porta, guva tautas atbalstu, jo tās mērķis bija pieprasīt nodokļu atvieglojumus. Tomēr sacelšanos vardarbīgi apspieda vietnieka karaspēks ģenerālvikara Džerardo Bonanno vadībā. Tā paša gadsimta beigās sociālie apstākļi pilsētā vēl vairāk pasliktinājās 1575. – 77. Gada mēra un 1592. gada bada dēļ. 1625. gada 3. jūnijā Korleone kopā ar citām pilsētām tika pārdota dažiem Dženovas tirgotājiem, no kuriem Korleone izpirka sevi, samaksājot 15 200 florīnu. Tomēr pārdošanas nosacījumi bija ļoti nopietni. 1648. gadā pilsēta tika pārdota juristam Džozefam Sgarlatam, kurš pēc tam pieņēma atpirkšanu pēc samaksas.

Par ievērojamu demogrāfisko izaugsmi tika ziņots 15. un 16. gadsimtā pēc vairāku reliģisko ordeņu ierašanās.

Mūsdienu vēsture Rediģēt

Korleone veicināja itāļu Risorgimento notikumus ar Frančesko Bentivegnas starpniecību, kurš pēc dalības 1848. gada nemieros kapteinis, kas norisināja sacelšanos pret burboniem apkārtējās pilsētās, līdz tika arestēts un pēc tam 1856. gada 20. decembrī nošauts Mezzojuso. 1860. gadā pilsētā notika sīva cīņa starp Garibaldi sekotājiem, kuru vadīja pulkvedis Vinčenco Džordāno Orsīni, un lielāko daļu ģenerāļa fon Mekela vadītās Burbonas armijas, kas tika novirzīta no Palermo, izmantojot paņēmienu. Garibaldi. Šajā gadījumā brīvprātīgo komanda (Pikoti, Sicīliešu valoda "zēniem"), kuru vadīja Ferdinando Firmaturi, pievienojās Garibaldi gājienam Palermo.

Deviņpadsmitais gadsimts beidzās ar sociālās kustības līdera Bernardīno Verro sociālo darbību Fasci Siciliani. Pēc Korleones fasādes dibināšanas 1893. gada 3. aprīlī viņš nodibināja jauno lauku nomu, kas tika noslēgta starp zemniekiem un lauksaimniecības sicīliešiem gabelloti kongresā 1893. gada 30. jūlijā, kas notika Korleonē - tik ļoti, ka pilsēta sāka uzņemties "zemnieku galvaspilsētas" titulu. Korleone veicināja Lielo karu ar 105 nāves gadījumiem un daudziem ievainojumiem laukumā. Pēc Otrā pasaules kara zemnieku kustība okupēja brīvās zemes, kuru vadīja arodbiedrību pārstāvis Plasido Rizoto, kuru nogalināja mafija.

1943. gadā Aostas hercogs izveidoja Korleones grāfa titulu, kas tika piešķirts Arturo Faini par viņa varonību Itālijas okupācijas laikā Etiopijā.

Kopš Otrā pasaules kara Korleone ir kļuvusi bēdīgi slavena ar to, ka ir mājvieta vairākiem bīstamiem bandītiem un mafioziem (tostarp: Michael Navarra, Luciano Leggio, Bernardo Provenzano, Salvatore Riina un viņa svaini Calogero un Leoluca Bagarella), kuri kļuva par viena no varoņiem. vardarbīga un asiņaina mafijas cīņa par varu. Ar Korleones klanu bija saistīts arī Palermo mērs Vito Ciancimino, dzimis Korleonē.

Korleones pašvaldības teritorija atrodas tās provinces dienvidrietumu apgabalā, tās platība ir 229,46 kvadrātkilometri (88,60 kvadrātjūdzes) un tā atrodas baseinā kalnainā iekšzemes apvidū, aptuveni 600 metrus (2000 pēdas) virs jūras līmeņa, 10 kilometrus (6,2 jūdzes) uz dienvidiem no ievērojamās Rocca Busambra. Tā robežojas ar Bisakvino, Kampofelices di Fitalijas, Kampofiorito, Kontesas Entellīnas, Hiusa Sklafani, Godrano, Mezzojuso, Monreāles, Palazzo Adriano, Prizzi un Rokamenas pašvaldībām. Tās vienīgais ciemats (Frazione) ir Ficuzza ciems, anklāvs Monreāles pašvaldības teritorijā. [17] [18] [19]

Mātes baznīca Rediģēt

Darbs pie Chiesa Madre ("Mātes baznīca"), kas veltīta 4. gadsimta franču bīskapam Saint Martin of Tours, aizsākās 14. gadsimta beigās. Tās izskatu šodien ir ietekmējušas daudzas izmaiņas un remonti. Interjerā ir nava un ejas, kas sadalītas dažādās kapelās, kurās ir mākslas darbi, tostarp koka statuja, kas attēlo San Filippo d'Agira no 17. gadsimta, 16. gadsimta statuja, kas attēlo San Biagio (Saint Blaise), un smalks marmora panelis, kas attēlo Kristus kristības (arī no šī perioda). [ nepieciešams citāts ]

Addolorata baznīca Rediģēt

The Chiesa dell'Addolorata ir no 18. gadsimta, veltīts baziliešu abatam un svētajam patronam San Leoluca

Citas baznīcas Rediģēt

The Chiesa di Santa Rosalia, un mazais Sant'Andrea (pēdējie divi no 17. gadsimta), visi ar nozīmīgām freskām un gleznām ir ievērojami orientieri. The Santuario della Madonna del Rosario di Tagliavia, reliģiska ēka no 19. gadsimta, tagad ir svētceļnieku galamērķis Debesbraukšanas dienā.

Mafija un Korleones pretmafijas muzejs Rediģēt

CIDMA muzejs (Centra Internazionale di Documentazione sulla Mafia and del Movimento Antimafia) tika atklāta 2000. gada 12. decembrī, piedaloties republikas augstākajām iestādēm, tostarp republikas prezidentam Karlo Azeglio Ciampi un ģenerālsekretāra vietniekam Pino Arlači, ģenerālsekretāra Kofi Annana vārdā. CIDMA ir izvirzījusi mērķi “Kultūra, progress un likumība”.

CIDMA ir vairākas telpas apmeklētājiem: Maxi Trial mapju istaba (itāļu: Maksimālais process Palermo), Vēstījumu istaba, Sāpju istaba un noslēguma telpa, kas veltīta itāļu ģenerālim Karlo Alberto Dallam Chiesa, kurš aģitēja pret terorismu un tika nogalināts no mafijas. Pirmajā telpā ir Maxi-Trial dokumenti, kas iezīmēja pagrieziena punktu cīņā pret Cosa Nostra.

Dokumenti, ko Korleonei nodeva Palermo tiesas Krimināllietu tiesu palāta, ir liecība par tādu tiesnešu darbu kā Džovanni Falkone un Paolo Borselīno, kuri ar dzīvību maksāja par savu apņemšanos cīnīties pret mafiju. Starp mapēm ir slaveno atzīšanās pentito ("nožēlojošs") Tommaso Buscetta tiesnesim Falcone.

Vēstījumu telpā apmeklētāji var redzēt pazīstamās sicīliešu fotogrāfes Letizijas Battaglia fotogrāfijas, kurai bija drosme doties uz vietas, lai iemūžinātu traģiskas mafijas slepkavību fotogrāfijas. Viņa spēja iemūžināt nozīmīgas detaļas, kas padarīja viņas kadrus par dokumentiem, kuros sīki aprakstītas slepkavības metodes, kuras mafija izmantoja septiņdesmitajos un astoņdesmitajos gados. Ķermeņu dažādās pozīcijas ļauj apmeklētājiem rekonstruēt mafijas stratēģiju.

Sāpju istabā ir pastāvīga Šobhas, Letizijas Battaglijas meitas, izstāde, kura sekoja mātes pēdās, fotografējot satraukumu, bezpalīdzību un izmisumu, ko izjūt tie, kuri kādu ir zaudējuši mafijas rokās. Numurā ir arī Letizia Battaglia fotogrāfijas, kurās dokumentēti mafijas noziegumi. Šī pieeja ļauj apmeklētājiem saprast cēloņsakarības, kas pastāv starp noziegumiem un sekām, ko tie rada skarto ģimeņu un visas kopienas dzīvē.

Istaba Carlo Alberto Dalla Chiesa ir veltīta ģenerālim Dalla Chiesa. Tajā ir fotoattēli ar dažiem galvenajiem mafijas priekšniekiem, kas novietoti līdzās tiesiskās sistēmas darbiniekiem, kuri cīnījās pret organizēto noziedzību.

Vietējie gidi piedāvā arī ekskursijas caur CIDMA.

Gorges of the Dragon Rediģēt

Gar ceļu, kas savieno Korleonu ar Ficuzza, sekojot vecajai dzelzceļa līnijai, kas savieno Palermo ar Sankarlo (Chiusa Sclafani ciemats) (tagad velosipēdu ceļš), ir vecs tilts, kur starp kaļķakmens iežiem plūst Fratinas upe. Ūdens erozīvā darbība laika gaitā ir radījusi karsta topogrāfiju, veidojot plaisas, spoles un nelielus ūdenskritumus, kur bagātīgais ūdens vispirms pazūd un pēc tam atkal parādās laukakmeņos un sulīgajā veģetācijā. Ievērojami lieli ir "milzu podi", t.i., cilindriski un dziļi caurumi, kuros ūdens iegūst virpuļojošu rakstu. Vecie zīdkoka koki, apelsīni, granātāboli un vīģes ir dzīva liecība par vietu, kur kādreiz stāvēja dzirnavas. Sadaļā, kur slīpums ir maigāks, ir izveidojušies tīra ūdens baseini, kas apmeklētājiem ļauj peldēties bruņurupuču, jaunavu papardes, vītolu un gobu ieskautā bruņurupuča, zivju un krāsainu spāru lokā. Sienas, kas norobežo nogāzes, ir pārklātas ar akmeņainiem augiem, kuriem ir liela botāniska interese, piemēram, koka spurge, kāpostu kalns, neļķes un kaperi. Starp klinšu patversmes plaisām ir baloži, džeki un plēsīgie putni, piemēram, ķauķi un piekūns. Ekskursijas ved apmeklētājus uz aizas virsotni, kur Fratinas upe maigākā veidā turpina plūst līdz Belicei.

Due Rocche ūdenskritums Rediģēt

Korleones teritorijā, īsa gājiena attālumā no pilsētas vēsturiskā centra, atrodas "divu cietokšņu kaskādes dabas parks". Pēc tam, kad San Giuliano rajons ir izgājis cauri vairākām šaurām ieliņām, apmeklētāji nonāk nelielas baznīcas priekšā, kas veltīta Dievmātei un kurā ir tieši divi cietokšņi. Pa kreisi no šīs baznīcas vijas ceļš, kas ved starp papeles, vītoliem un gobām uz kritieniem. Ērti sēžot uz senajiem kvadrātveida kvartāliem zīdkoka koku, riekstu un frassinisi apmeklētāju ēnā, netraucēts skats uz ūdenskritumu. Ūdens plūsma upē ar savu erozīvo darbību ir izveidojusi lielu peļķi starp akmeņiem. Kanjonā ir erozijas, dzeltenzaļi glaukonītiski ieži, kurus aizņem veģetācija. [20]

Pilsētas nosaukums tika izmantots kā titulētā varoņa uzvārds Mario Puzo grāmatā un Frānsisa Forda Kopolas filmā. Krusttēvs. Romānā Vito Andolīni emigrē no Korleones ciema un pieņem savu dzimšanas vietas vārdu kā savu uzvārdu. Kinematogrāfiskajā izlaidumā Krusttēvs, II daļa, jaunais Vito, kautrīgs un nespēj runāt angliski, nevar atbildēt, kad tiek prasīts uzvārds, un imigrācijas ierēdnis Elisas salā viņam piešķir uzvārdu Korleone. Filmu sērijas laikā pilsētā viesojas dažādi Korleonu ģimenes locekļi. Filmās Savokas un Forza d'Agrò pilsētas tika izmantotas kā šo ainu norises vietas Korleonē. Maiklu Korleoni atveido Als Pačīno, kura vecvecāki reālajā dzīvē bija korleonieši.

Pilsētas nosaukuma pielāgošana noziedzīgas bandas līdera vārdā Krusttēvs tomēr pirms tam ir Grehema Grīna 1938. gada romāns Braitonas roks, no kuras tika izveidota populāra filma 1947. gadā. Galvenais varonis šķērso pretinieku bandas līderi "Colleoni" Anglijas piejūras pilsētā Braitonā.


Mēs vismaz atradām 10 Tīmekļa vietņu saraksts zemāk, meklējot ar chumash māksla un amatniecība meklētājprogrammā

37 Chumash idejas chumash indiāņi, indiāņu māksla

Pinterest.com DA: 17 PA: 14 MOZ rangs: 31

  • 2013. gada 25. aprīlis - izpētiet Melindas dēliChumash& quot, kam seko Pinterest 145 cilvēki
  • Skatiet vairāk ideju par chumash indiāņi, indiāņi māksla, vietējais amerikānis.

39 Chumash Mākslas, kultūras un vēstures idejas chumash

Pinterest.com DA: 17 PA: 46 MOZ rangs: 64

  • 2017. gada 31. augusts - lai iegūtu vairāk, skatiet vietni www.mcpclawfirm.com
  • Skatiet vairāk ideju par chumash indiāņi, indiāņi māksla, indiāņu kultūra.

Chumash mākslas simboli Amatniecības mācīšana, indiāņu māksla

Pinterest.com DA: 17 PA: 24 MOZ rangs: 43

  • Sociālo zinību 4. pakāpe Sociālo zinību pasniegšana Chumash Indieši Indijas projekts Meksikas krāsas ar garšvielām sidrs 3. klase Art

Indiāņi no Kalifornijas piekrastes: Chumash

  • Šī klasiskā grāmata ne tikai runā par Chumash akmens māksla, bet tas sniedz rūpīgu ievadu Chumash kultūru
  • The Chumash un Santa Barbaras prezidijs: attiecību attīstība, 1782.-1823
  • Šī ir lieliska grāmata, lai saprastu, kā Chumash attiecības ar spāņiem laika gaitā attīstījās.

Mākslinieka pirmais ieskats Indijas rokmākslā viņu aizrāva

Latimes.com DA: 15 PA: 46 MOZ rangs: 65

Pirms trīsdesmit gadiem, dodoties makšķerēšanas braucienā uz San Rafaēlas tuksnesi ārpus Santabarbāras, Kempbels Grants ielūkojās sen pamestā vietā. Chumash Indijas ala un ieskatījās viņa nākotnē.

Paklupšana pie Čumasa rokmākslas Džeka Eliota Ziemassvētku vecīša

Klupšana Chumash Akmens Art Ievietoja Džeks Eliots, 2012. gada 31. augustā Chumash piktogrāfa vietne, par kuras pastāvēšanu es nezināju un kuras fotogrāfijas es nekad nebiju redzējis.

34 Chumash Indian Art idejas chumash indians, indian art, art

Pinterest.com DA: 17 PA: 34 MOZ rangs: 57

  • 2014. gada 9. maijs - izpētiet SLO apgabalu Mākslatāfele & quotChumash indiānis Art& quot, kam seko 282 cilvēki Pinterest
  • Skatiet vairāk ideju par chumash indieši, indiāņi māksla, māksla.

Chumash Wall Art Fine Art America

  • Iepērcies chumash siena māksla no pasaules izcilākajiem dzīvajiem māksliniekiem
  • Visi chumash mākslas darbs tiek piegādāts 48 stundu laikā, un tajā ietilpst 30 dienu naudas atdošanas garantija
  • Izvēlieties savu iecienītāko chumash projektē un iegādājas tos kā sienu māksla, mājas dekori, telefona maciņi, somas un daudz kas cits!

Chumash Indian Life Chumash Indijas vēsture un ampluka

  • Chumash Alas gleznas ir vienas no izsmalcinātākajām un krāsainākajām pasaulē
  • Viņi nebija ne viens, ne otrs māksla apbrīnot, ne vienkārši grafiti - tie, iespējams, tika izgatavoti reliģisku apsvērumu dēļ
  • Šamaņi, vai Chumash priesteri, domājams, ka šīs gleznas ir radījušas, lai ietekmētu pārdabiskas būtnes un spēkus iejaukties cilvēku lietās.

Santa Ynez grupa no Chumash misijas

  • Art un amatniecība: Santa Ynez Chumash bija izcilākie laivu būvētāji starp Kalifornijas indiāņiem
  • Izvelkot no Santa Barbaras līča kritušos Ziemeļkalifornijas sarkankoka stumbrus un dreifējošās koksnes gabalus, viņi iemācījās aizzīmogot plaisas starp dēļu dēļiem ...

Māksla un amatniecība - globaljudaica.com

  • Hanukas krāsojamā grāmata ar lieliem, viegli krāsojamiem zīmējumiem, kas piemēroti maziem bērniem
  • Ietver arī dažas mīklu lapas
  • Krāsojiet vitrāžas (plastmasas) ornamentu ar komplektā iekļauto otu un četrām krāsu krāsām, pēc tam pakariniet to pie sava loga, izmantojot komplektācijā iekļauto piesūcekni.

Notikumi un festivāli Malibu Cultural Arts, CA

  • Indiāņu dejotāji valkā krāsainas regālijas, dejojot svētajā lokā, no kura paveras skats uz Kluso okeānu
  • Tradicionālie ēdieni un mākslu un amatnieku tirgotāji ir arī daļa no šī bezmaksas pasākuma
  • Datumi 2020 Chumash Diena Powwow būs sestdiena, 4. aprīlis un svētdiena, 5. aprīlis
  • Lai iegūtu vairāk informācijas, apmeklējiet pilsētas vietni.

Uzziniet par Chumash indiāņu vēsturi un kultūru

Indians.org DA: 15 PA: 30 MOZ rangs: 57

  • The Chumash Indieši bija arī lieli amatnieki, radot grozus, kas atrodas Smitsona iestādē
  • Otra lielākā kolekcija Chumash grozi atrodas Dabas vēstures muzejā Santa Barbarā, kas ir mūsdienu apskates objekts Chumash dzimtene
  • Cits veids Chumash māksla varēja redzēt uz alu sienām.

Chumash apgleznota ala: padziļināta CyArk

Cyark.org DA: 13 PA: 39 MOZ rangs: 65

  • Alaxuluxen, Chumash nosaukums Chumash Painted Cave State vēsturiskais parks atrodas tradicionālā Barbare ño malā Chumash teritorija, kas svārstījās no Klusā okeāna piekrastes līdz pat Santa Ynez kalnu pakājēm un dienvidu nogāzēm
  • Barbare ño, kurā pirms Eiropas kontakta ir vairāk nekā 15 000 iedzīvotāju Chumash bija viena no lielākajām un ietekmīgākajām ciltīm Kalifornijā.

Sanbarbaras Dabas vēstures muzejs piemin

Šajās četrās stacijās bija tradicionālas mākslu un amatniecības gabalus no katra Chumash grupa: austi Juncus augu grozi ar sarežģītiem simetriskiem rakstiem, kultūras galda spēles no koka/augu fragmentiem, iegravēti akmens kaklarotas ar ģeometriskiem rotājumiem, ar rokām darināti mūzikas instrumenti un dažādi citi ikdienā izmantojami instrumenti

Māksla un amatniecība: Izraēlas grāmatu veikals

  • Mūsu ebreju dāvanu veikalā Brookline, MA, mēs piegādājam plašu unikālu ebreju priekšmetu klāstu
  • Piemēram, viens no bestselleriem ir Izraēlā ar rokām darināts beisbola tematikas yarmulke ar ebreju burtiem
  • Mums ir arī izglītojošas spēles, apsveikuma kartītes un daudz kas cits.

Mākslas un amatniecības projekti: Izraēlas grāmatu veikals

  • Esky ebreju mākslas darbs, 1. sējums, Sabata un ebreju brīvdienu grāmata vai / un CD
  • Katrs attēls stāsta stāstu krāsojamo grāmatu - 3. sējums: Vayikra, autors: Chaim Natan Firszt
  • Hanukas koka mīklu komplektā ietilpst koka mīklu dēlis 6 mini marķieri Māksla

Čumasa indiāņu amerikāņu alas gleznas

  • Rokas gleznas Chumash: Kalifornijas Indijas kultūras pētījums
  • Bērklijs un Losandželosa: Kalifornijas Universitātes preses izdevums, 1965
  • [*Šis ir galvenais darbs Chumash klinšu gleznas, un Kempbels Grants parādās filmā un īsi apspriež sava antropoloģiskā darba būtību saistībā ar Chumash.

Iegādājieties ebreju amatniecības izstrādājumus un uzlīmes

  • Pērciet ebreju svētku amatniecības izstrādājumus un uzlīmes, noliktavā, zemākās cenas iepirkšanās
  • Iegādājieties ebreju amatniecību, bērnu aktivitātes, Alef Bais griezējus ar Play mīklu un trafareti
  • Pērciet visas Judaica veikala vajadzības vietnē JudaicaPlace.com tiešsaistē
  • BEZMAKSAS piegāde pasūtījumiem virs kvalificētiem ASV dolāriem, piegāde šodien, paņemšana malā, saņemšana tajā pašā dienā veikalā, zemas cenas un LABĀKĀ klientu apkalpošana!

Čūmas kultūras dienas uzmanības centrā ir indiāņu dziedāšana

Noozhawk.com DA: 16 PA: 50 MOZ rangs: 85

Visu gadu kopienas locekļi tiek aicināti 13. gadskārtā piedzīvot Kalifornijas stila indiāņu dziedāšanu un dejas Chumash Kultūras diena,…

ČUMASA SVĒTĪGĀ NOMINĀCIJA Čumashas svētnīca

  • NCTC nodrošina izglītības iespējas sabiedrības iesaistīšanai, ar Chumash Virtuve Sanluisas Obispo botāniskajā dārzā
  • Šie pasākumi pulcē kopienas iedzīvotājus, lai uzzinātu par vietējām pamatiedzīvotāju receptēm ar vietējiem augiem un dzīvniekiem Chumash māksla amatniecība, mūzika un ēšana Chumash ēdieni vakariņām

Artscroll Stone Edition Chumash (pilna izmēra): Izraēlas grāmatu veikals

  • Bērnu literatūra no Izraēlas ebreju valodā
  • Chumash / Gemara mācību grāmatas / Darbgrāmatas
  • Chumash / Tora / Artscroll Stone Edition Chumash (pilns Izmērs) Artscroll Stone Edition Chumash (pilns Izmērs) Kods: 0-89906-014-5

Chumash / Tora: Izraēlas grāmatu veikals

  • Koren liela tipa Tora / Chumash - Tikai ebreju valodā
  • Dirshu Shul Chumash ar Rashi un Ramban Medium Size New Edition komentāriem
  • BB Shul / Skolas lielā klase Chumash - Ebreju - Izmērs 12 & quot x 9 & quot.

Jūras tauta: Santa Barbaras čumšu ciltis

Kcet.org DA: 12 PA: 50 MOZ rangs: 85

  • The Chumash Turpmākās Meksikas un Amerikas valdības tikpat slikti izturējās
  • Līdz 1900. gadam to bija tikai 200 Chumash pa kreisi
  • Mūsdienās to ir ap 5000 Chumash Kalifornijā
  • Viņi lielākoties dzīvo Venturas, Santabarbaras un Sanluisas Obispo apgabalos
  • Neliela grupa no Chumash cīnās, lai saglabātu savu tautu dzīvus.

Mutvārdu vēstures intervija ar Kempbelu Grantu, 1965. gada 4. jūnijs

Aaa.si.edu DA: 14 PA: 50 MOZ rangs: 88

Vada kā daļu no Amerikas arhīva Māksla Jaunais piedāvājums un Māksla projekts, kas ietver vairāk nekā 400 interviju ar māksliniekiem, administratoriem, vēsturniekiem un citiem federālās valdības darbiniekiem māksla programmas un Saimniecības drošības administrācijas aktivitātes…


Izpētīt

  • Parīze, Eifeļa tornis

Parīze, Eifeļa tornis

Parīzē, Eifeļa tornī, es mēģināju pārsniegt apkārtnes topogrāfiskās detaļas un sasniegt tās sirdi un noskaņojumu.

Lietaina diena Karmeļā

Pat lietus nevar paturēt lietainus tūristus vai vietējos iedzīvotājus ārpus Karmelas dīvainajiem veikaliem.

Biltmore® rudenī

Thomas Kinkade Studios aicina jūs izbaudīt šo mākslu, kas atzīmē šī vēsturiskā īpašuma lieliskumu - skaistu atpūtu, kas atrodas kalnos, kas ieskauj Asheville, Ziemeļkarolīnā, ar burvīgu arhitektūru, dārziem un ainavām, kas paredzētas, lai apburtu, iedvesmotu un iepriecinātu.

Amsterdamas kafejnīca

Uzziniet vairāk par romantiskiem mirkļiem [/poga] Rietošās saules siltā mirdzums atspoguļo ūdeni vienā no Amsterdamas slavenajiem kanāliem. Tālas vējdzirnavas.

Nikolaja aplis

Šo gleznu sāku Normana Rokvela slavenajā studijā netālu no Arlingtonas, Vermontā. Daudzas burvīgas Jaunanglijas kotedžas nokļuva Svētajā Nikolajā.

Parīzes krēsla

Tā kā Kinkade karjeras sākumā bija spēcīgi ietekmējies no franču impresionistiem, viņš uzskatīja, ka franču valodas vārds būtu noderīgs.


Skapis

Nagato Akatsuki biedri valkā garus, melnus apmetņus ar sarkaniem mākoņiem, sarkanu interjeru un zobi augstu apkakli Tobi, un Taka dalībnieki valkā līdzīgi marķētu apvalku ar kapuci. Sarkanie mākoņi attēlo asins lietu, kas nokrita Amegakurē karu laikā, un tās sākotnējie biedri uzskatīja par taisnīguma simbolu. ΐ ] Tērpi ir ļoti atšķirīgi, ļaujot Akatsuki pārstāvjus atpazīt pat no attāluma. Lai gan halāti ir standarta iezīme visā Nagato pilnvaru laikā (Konans pat turpināja to valkāt pēc aiziešanas no Akatsuki), Obito vadībā halāts vairs netiek lietots: Kisame pārtrauc to valkāt, ņemot vērā viņa nāves viltus apstākļus, Obito neaizstāj savu kad Konans to iznīcina, un Zetsu pārtrauc izmantot halātu, kad tā divas puses sāk darboties atsevišķi. Šīna mēģinājuma laikā atdzīvināt organizāciju viņš ir vienīgais cilvēks, kurš valkā halātu, jo neviens no viņa kloniem to nenēsā.

Vēl viena tendence, kas sākās ar Nagato, ir tā, ka biedri izsvītro simbolu uz pieres aizsargiem, lai simbolizētu pārtrauktās saites ar bijušajiem ciemiem, lai gan daži izvēlas vispār nelietot pieres aizsargu. Visi dalībnieki arī nēsā nagu laku uz pirkstiem un kāju nagiem (krāsas animē atšķiras). Ceļojot, biedri dažreiz valkā koniskas salmu cepures ar nelieliem dekoratīviem griezes momentiem un pušķus, kas karājas virs viņu sejām, iespējams, lai iedzīvotāji to nepamanītu, jo lielākā daļa ir S klases noziedznieki. ⎗ ]

Gredzeni

Dalībnieku gredzenu pozīcijas.

Nagato vadībā katram Akatsuki biedram tiek dots viens no desmit gredzeniem, kas jāvalkā uz konkrēta pirksta. Izrādās, ka gredzeniem, izņemot acīmredzami savu dalību, ir zināma nozīme astes zvēru ievietošanā ārējā ceļa dēmoniskajā statujā, norādot, uz kura statujas pirksta dalībniekiem vajadzētu stāvēt. Gredzeni acīmredzami ir svarīgi un neaizvietojami: kad Oročimaru defektē, viņš paņem līdzi gredzenu, un šī iemesla dēļ viņš nekad netiek oficiāli nomainīts, un#9112 ], kad Deidara zaudē roku, uz kura ir gredzens, viņam ir lielāka interese atgūt gredzenu. Zetsu un Tobi īpaši meklē Sasori gredzenu pēc viņa nāves, un tas ir vajadzīgs, lai Tobi viņu nomainītu. Kad Tobi pārņem vadību, gredzeniem vairs nav nozīmes, jo viņš pēc cīņas ar Konanu to vienkārši izmet kopā ar bojāto halātu. Neskatoties uz to visu, gredzenu precīza nozīme nekad nav izskaidrota.

  • Labais īkšķis: "nulle" (零 , rei) valkā Sāpes. Tās krāsa ir violeti pelēka.
  • Labais rādītājpirksts: "zils", "zaļš" (青 , ao, šō) valkāja Deidara. Tās krāsa ir zilganzaļa.
  • Labais vidējais pirksts: "balts" (白 , byaku, haku) valkā Konans. Tās krāsa ir balta.
  • Labais gredzena pirksts: "vermilion", "scarlet" (朱 , shu) nēsāja Itachi Uchiha. Tās krāsa ir sarkana.
  • Labais mazais pirkstiņš: "kuiļa zīme" (亥 , gai) valkā Zetsu. Tās krāsa ir zaļa.
  • Kreisais mazais pirkstiņš: "debesis", "tukšums" (空 , ) valkāja Orochimaru. Tās krāsa ir šīfera zila.
  • Kreisais zeltnesis: "dienvidi" (南 , nan) valkāja Jūzō Biwa (tikai anime) un vēlāk Kisame Hoshigaki. Tās krāsa ir dzeltena.
  • Kreisais vidējais pirksts: "ziemeļi" (北 , hoku) valkāja Kakuzu. Tās krāsa ir tumši zaļa.
  • Kreisais rādītājpirksts: "trīs" (三 , san) valkāja Kakuzu ceturtais partneris un vēlāk Hidans. Tās krāsa ir oranža.
  • Kreisais īkšķis: "dārgakmens", "bumba", arī melnais karalis šōgi (玉 , gyoku) valkāja Sasori un vēlāk Tobi. Tās krāsa ir violeta.

Astoņas no desmit gredzenu kanji ir ņemtas no kuji-in, deviņu roku pozu kolekcijas, ko izmanto meditācijā. Pain's "rei" un Zetsu "gai" nav no šī kuji-in. Tomēr vienīgais neizmantotais kuji-in kanji, 玄 (gen , "noslēpumains"), ir ļoti līdzīga Zetsu "gai", kas liecina par kļūdu. Tomēr tā būtu konsekventa kļūda, jo "gai" kanji ir izmantots visos gadījumos, kad ir parādīts gredzena kanji.


Atdalīšanās trauksme mājdzīvniekiem

Mājdzīvnieku šķiršanās trauksme ir reāla lieta, un ir svarīgi atpazīt brīdinājuma zīmes.

Kopš marta Covid-19 lielāko daļu pasaules vajadzēja savās mājās ievietot karantīnā. Lielākā daļa cilvēku strādāja mājās gandrīz piecus mēnešus. Tas nozīmēja, ka mājdzīvnieku īpašnieki pastāvīgi bija kopā ar saviem mājdzīvniekiem, pievēršot viņiem uzmanību, spēlējoties ar viņiem, izlaižot viņus utt. Tāpēc, kad pasaule lēnām sāka atkal atvērties un mājdzīvnieku īpašnieki sāka atgriezties pie ierastā darba grafika ārpus mājām, pamanīja atšķirību viņu mājdzīvnieka uzvedībā. Daudziem mājdzīvniekiem rodas trauksme par atdalīšanos, īpaši šajā trakajā laikā, kad lielākā daļa cilvēku bija iestrēguši iekšā, tikko atstājot māju.

Mājdzīvnieku šķiršanās trauksme var izraisīt:

Košļāšana, rakšana un iznīcināšana

Kas izraisa šķiršanās trauksmi:

Lolojumdzīvnieku šķiršanās trauksmi var izraisīt vairākas lietas. Skaidrs iemesls šobrīd ir saistīts ar Covid-19, kas liek personām ilgstoši palikt mājās. Tad šīs personas varēja atgriezties savā ikdienas dzīvē, atstājot mājdzīvniekus uz ilgu laiku. Vēl viens iemesls ir tas, ka dažiem adoptējamiem suņiem pirmajā adopcijā var būt trauksme par šķiršanos, jo viņi baidās, ka viņu aizbildnis var aiziet. Vēl viens iemesls ir tas, ka, ja mājdzīvnieks piedzīvo pēkšņas izmaiņas savā parastajā rutīnā, piemēram, Covid-19, tas savukārt var izraisīt viņos šķiršanās trauksmi. Ņemiet vērā, ka arī pārvietošanās var izraisīt atdalīšanās trauksmi, tādēļ, ja jūsu suns un jūs daudz pārvietojaties, tas var izraisīt jūsu mājdzīvnieka atdalīšanās trauksmi.

Kā saglabāt šķiršanās trauksmi:

Ja jūsu mājdzīvniekam ir viegls atdalīšanās trauksmes gadījums, mēģiniet pārvērsties par kaut ko aizraujošu savam mājdzīvniekam. Tas var nozīmēt viņiem kārumu piedāvāšanu pirms došanās ceļā, lai viņi sāktu saistīt jūsu aiziešanu ar kāruma saņemšanu. Var būt arī noderīgi atstāt viņiem mīklu, piemēram, tādas rotaļlietas kā zīmols KONG piedāvā rotaļlietas, kurās varat ievietot kārumus vai ievietot ēdienu, piemēram, zemesriekstu sviestu vai sieru. Šī rotaļlieta kādu laiku novērsīs jūsu mīluļa uzmanību, un viņi saņems atlīdzību, viņi spēlējas ar rotaļlietu. Šīs rotaļlietas cenšas piedāvāt tikai jūsu mājdzīvniekam, kad izejat no mājas. Tas iemācīs jūsu mājdzīvniekam sākt izbaudīt laiku, kad dodaties prom, jo ​​viņš zina, ka viņam tiks piešķirta atlīdzība.

Ja mājdzīvniekam ir mērens atdalīšanās trauksmes gadījums, var paiet vairāk laika, lai viņš pierastu pie aiziešanas. Tas nozīmē, ka ir jāturpina atstāt viņus lēnāk. Sāciet atstāt savu mājdzīvnieku tikai uz īsu laiku un turpiniet viņu apbalvot. Kad viņi sāk pierast pie tā, palielinās periods, no kura jūs esat aizgājis. Laika gaitā jūsu mājdzīvnieks sāks atpazīt, ka tas ir ozols, un jūs esat aizgājis, jo viņš saņem atlīdzību. Suņiem, kuriem ir smaga trauksme, īpaši tad, kad viņi pamana, ka esat uzvilcis kurpes vai paķēris atslēgas. Šiem mājdzīvniekiem mēģiniet saistīt šos priekšmetus ar jums, ne vienmēr dodoties prom. Mēģiniet izmantot šos priekšmetus, bet neatstājiet, lai parādītu savam mājdzīvniekam, ka no šiem priekšmetiem nav jābaidās. Ja jums ir mājdzīvnieks, kurš parasti seko jums, mēģiniet darīt tādas lietas kā, piemēram, pateikt sunim sēdēt un palikt ārpus vannas istabas durvīm, kamēr jūs ieejat šajā telpā. Pakāpeniski palieliniet laiku, kad atstājat savu mājdzīvnieku durvju otrā pusē. Tas apmāca mājdzīvnieku, ka viņš var būt viens pats un viss būs kārtībā. Šis process prasīs kādu laiku, tāpēc esiet mierīgs un pacietīgs pret savu mājdzīvnieku. Šim procesam vajadzētu sākt telpā, bet virsstundām vajadzētu būt iespējai atstāt māju un doties ārā, nesekojot mājdzīvniekam. Turpiniet vērot, vai jūsu mājdzīvniekam nav stresa pazīmju, piemēram, ritma, trīce, elpas utt. Ja parādās kāda no šīm pazīmēm un citas, atkāpieties un pārvietojieties lēnāk. Šī procesa laikā ir svarīgi to lietot lēnām, tāpēc mēģiniet nemaz neatstāt savu mājdzīvnieku, kas var būt ļoti grūti. Mēģiniet noorganizēt, ja jums ir jāaizbrauc, lai kāds, piemēram, draugs, varētu apstāties un būt kopā ar jūsu mājdzīvnieku vai mēģināt izmantot suņu dienas aprūpes pakalpojumu, lai jūsu mājdzīvnieks nebūtu pilnīgi viens.

Daži citi padomi:

Apsveicot savu mājdzīvnieku pēc aiziešanas, mierīgi sasveicinieties un tad ignorējiet viņu, līdz viņš sāk palikt mierīgs. Tas pats, kas ar atvadīšanos, palieciet mierīgi un nepadodieties, ka viņi ir mežonīgi un traki. Lai nomierinātu viņus, mēģiniet likt viņiem veikt kādu zināmu uzdevumu, piemēram, apsēsties vai apsēsties. Vēl viens padoms ir iespējamā kastes apmācība jūsu mājdzīvniekam. Ja jūsu mājdzīvnieks saista savu kasti ar drošu vietu, tas var mazināt viņu nemieru, kad dodaties prom. Tas var būt noderīgi arī tad, ja nenododat kastē savu mājdzīvnieku, lai nodrošinātu drošu istabu, kurā jūsu mājdzīvnieks parasti iekasē visērtāko. Vēl viens padoms ir nodrošināt savam dzīvniekam daudz garīgās stimulācijas, piemēram, kārumus un rotaļlietas. Mēģiniet arī dot sunim kaut kādu vingrinājumu, pirms dodaties prom katru dienu. Atstājot slēptos kārumus un barību, ko jūsu mājdzīvnieks atradīs visas dienas garumā, tas arī viņu aizņems un izklaidēs. Ja neviens no iepriekš minētajiem padomiem nepalīdz, mēģiniet meklēt palīdzību no mājdzīvnieku uzvedības speciālista. Viņi varēs noteikt režīmu, lai palīdzētu jums un jūsu mājdzīvniekam kļūt labākiem. Zāles var būt nepieciešamas arī smagos gadījumos, lai runātu ar veterinārārstu par dažādām jūsu mājdzīvnieka iespējām.

Atdalīšanās trauksme var būt izplatīta mājdzīvniekiem, īpaši pēc gada, kas visiem ir bijis. Meklējiet mājdzīvniekos šķiršanās trauksmes pazīmes un ievērojiet dažādus veidus, kā jūs varat palīdzēt savam mājdzīvniekam kļūt labākam. Atcerieties arī, ka nekad nesodiet savu mājdzīvnieku par satraucošu uzvedību. Dariet visu iespējamo, lai nedisciplinētu, un izmantojiet šos padomus, lai izvairītos no turpmākas uzvedības. Atdalīšanās trauksmi var saglabāt ar pacietību.


Skatīties video: Jampadracis - Dzeguzīte, Raimonds Pauls